sabato 30 giugno 2018

Edgy color, trial testimony, and the world in unison: More movies at Ritrovato

The Woman under Oath (1919).

DB here:

Hard to keep up. Herewith, some highlights as Cinema Ritrovato, the Cannes of classic cinema, winds down.

 

Grease, still the word

Patricia Birch has been a dancer and choreographer since she worked on West Side Story. A member of Martha Graham’s troupe, she also danced with Agnes De Mille. She designed dances for The Wild Party (1975) and both stage and film versions of A Little Night Music (1973, 1977). What brought her to Bologna was the restored version of Grease (1978). She choreographed that on both stage and screen, and she talked about it at a stimulating panel with Ehsan Khoshbakht and her son Peter Becker, of Criterion Films.

I had thought that Grease followed the vogue for boomer high-school nostalgia triggered by American Graffiti (1973), but it was actually ahead of that. The original Chicago version, reportedly raunchier than the New York version, premiered in 1971. It opened on Broadway in 1972 and ran until 1980.  The film modified the stage show and added some songs.

Ms Birch was a font of information about how she conceived the numbers. She says she thinks of dance as “timed behavior,” not set steps but patterns of motion. This idea allows her to choreograph actors who may didn’t have dance training but who could “move well.” Peter ran a clip showing a passage of cascading hallway mischief that was as rhythmic as a dance number. This was one of several group-action scenes that Ms. Birch coordinated.

The Grease ensemble was huge, and Ms Birch organized it in a quasi-military way. There was a core of twenty proficient dancers, ten male-female couples. They supervised and coached the less skilled performers. For “We Go Together,” set in a carnival, each couple found business and steps for thirty other dancers.

“We Go Together” was the sort of big showstopper she called “Paramount numbers.” There were also the smaller-scaled “semi-Paramount numbers” and the intimate, character-driven “Internal numbers.” Ms Birch pointed out how the Paramounts built their power on  unison steps and, eventually, massive kicklines. “People like to see the world in unison. Gets ’em every time.”

I learned a lot from Patricia Birch’s spirited discussion. Watch for a version of the panel to show up online.

 

Cutting edges

Film curator Olaf Müller set a new Ritrovato record: the shortest retrospective to date. Three films running less than twenty minutes introduced us to the oeuvre of Franz Schömbs.

Schömbs was a painter who became, according to Olaf, “probably the only avant-garde filmmaker of 1950s West Germany.” He started in the thirties by mounting paintings in rows, inviting viewers to walk along and sense the changes among them. After the war Schömbs tried to revive the experimentation of the Weimar period, principally through abstract films rich in color and design.

The films on the program were dense. Opuscula (1946-1952) consists of patches of color that slide to and fro “on top” of one another thanks to panning and tilting movements. The superimpositions create some striking visual hallucinations, as when blocks of white refuse to change color while other forms around them do. Die Geburt des Lichts (“The Birth of Light,” 1957, above), my favorite, transposes that constant movement to the patches of color themselves. These patches, as crisp as paper cutouts, have thrusting edges that keep slicing into the mates around them. Apparently Schömbs achieved the effect applying paint to layers of glass and adjusting them frame by frame. Den Eisamen Allen (“To All the Lonely Ones,” 1962) uses what seemed to me traveling mattes, again enlivened by rich color.

Once more, Bologna proves a showcase for films that would otherwise go missing from film history.

 

Trial, with error

The courtroom drama was a mainstay of early twentieth-century theatre, but in 1915, playwright Elmer Rice gave it a twist. On Trial (1915) presented a murder trial by dramatizing the witnesses’ testimony in flashbacks. Rice offered another innovation as well: his flashbacks are non-chronological, starting with the most recent incident and reserving the climax for the earliest piece of action. Using the courtroom drama to play with time and viewpoint became a staple of American theatre and cinema.

Popular culture is a teeming mass of copies and near-copies–the switcheroo principle–so it didn’t take long for other storytellers to vary and complicate the trial format. One of the neatest examples was on display in Bologna. In the John Stahl silent drama The Woman under Oath (1919), flashbacks replay key actions according to what different witnesses know. We get no fewer than six flashbacks, some presenting incidents leading up to the crime, others recounting the murder itself. The later ones fill gaps in the earlier ones and culminate in a full, accurate version of the killing.

Proving once more that 1910s cinema can be very intricate, the same pieces of action get redeployed in different witnesses’ testimony. Sometimes the camera setups are varied to differentiate the versions.

     

At other moments, nearly identical framings mislead us by concealing important information. The young man accused of the murder is shown near the victim in three pieces of testimony, with the first two instances being essentially identical but the last presentation providing different information. (To avoid a spoiler, I don’t show the portion of the third shot that yields that information.)

          

The Woman under Oath shows a sophisticated understanding of how framing can conceal information without our being aware of it. And in retrospect what seems a colossal coincidence during the first presentation of the killing turns out to be a perfectly motivated key to the solution.

 

Switcheroos on the trial-testimony format showed up in other Ritrovato films. By 1928, the idea of conflicting testimony enacted in “lying” flashbacks was conventional enough to be parodied in René Clair’s Les Deux timides (“Two Timid Souls”). Here the disparities are wildly comic, accentuated by split-screen and freeze frame. Albert Valentin’s La Vie de Plaisir (1944), made under the German occupation of France, is an elegant social comedy pitting a couple against one another in divorce court. The spiteful witnesses offer testimony damning the husband only to get refuted in replays that reveal extra information. Throughout world cinema, the flashback trial film seems to have been one way oblique narrative strategies were made understandable for  a wide audience.


Thanks as ever to Guy Borlée for assistance, and to the Ritrovato programmers for supplying so many treats. Thanks also to Kelley Conway for discussion of the courtroom movies.

One rough precedent for Rice’s play is Browning’s verse novel The Ring and the Book (1868-1869). The lingering awareness of Rice’s play is evident in Variety‘s review of The Woman under Oath, which the critic labeled “a sort of ‘On Trial’ affair” (20 June 1919, 52). In the same year there was an interesting parallel in the flashback testimony in Dreyer’s The President (1919).

You can find more about the switcheroo premise in my Reinventing Hollywood, which also discusses the trial format. For more on flashbacks see this entry. A series of entries on complex 1910s cinema start with this one.

Les Deux timides (1928).



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Harry Potter e il prigioniero di Azkaban

Formalmente perfetto, il film continua la climax ascendente della serie rispettando lo spirito del libro
* * * - - (mymonetro: 3,32)
Consigliato: Sì
Regia di Alfonso Cuarón. Con Daniel Radcliffe, Rupert Grint, Emma Watson, Gary Oldman, Alan Rickman, David Thewlis, Emma Thompson, Timothy Spall, Michael Gambon, Warwick Davis, Robbie Coltrane, Julie Christie, Tom Felton, Richard Griffiths, Pam Ferris, Fiona Shaw, Harry Melling, Adrian Rawlins, Geraldine Somerville, Lee Ingleby, Lenny Henry, Jimmy Gardner, Jim Tavaré, Robert Hardy, Abby Ford, Maggie Smith.
Genere Fantastico - USA, 2004. Durata 136 minuti circa.

Eliminate le derive bamboccesce di matrice Spielberghian/Columbesche, Harry Potter si presenta al pubblico in una veste più dark ed oscura. Stavolta i nemici e gli incubi non vengono dall'esterno ma dall'animo dei protagonisti e molti temi, pur se non approfonditi, mantengono alto il livello di attenzione "sociale": la mancanza di genitori e di punti di riferimento, il razzismo, il dualismo delle personalità degli individui e la non assolutezza del male, le classi sociali, l'ingiustizia.





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Nastri d'Argento 2018: Dogman batte Loro 8 a 6

Il film di Garrone e il dittico di Paolo Sorrentino si contendono i premi più importanti, 3 Nastri vanno a Come un gatto in tangenziale.

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venerdì 29 giugno 2018

Westworld (Stagione 2) - Teste di Serie

"I sogni non hanno significato, Dolores...non sono reali."
"E cosa é reale?"
"Ciò che é insostituibile."

- Dialogo tra Bernard e Dolores.

Ad accompagnare ogni grande produzione HBO c'é sempre un'esorbitante mole di aspettative: per il network che ha dato i natali a serie televisive divenute ormai storia della tv, come The wire, The Sopranos, Deadwood, Tales from the crypt, OZ e Six feet under su tutte, senza dimenticare titoli come Game of thrones, True detective, The leftovers, The newsroom e Boardwalk empire, comunque prodotti in tempi recenti, le aspettative, ai limiti della pretenziosità, sulla qualità degli script e della messa in scena, non possono essere considerate sterili e puerili. Non per la HBO. Westworld, serie ideata da Jonathan Nolan e Lisa Joy, ispirata al film Il mondo dei robot (1973), scritto e diretto da Micahel Crichton, é entrata di diritto nel pantheon della serialità moderna, dopo una prima stagione che, fagocitata da un'impeccabile gestione della tensione drammatica e sorretta da un cast eccezionale, ha saputo rivitalizzare i sensi dello spettatore, quasi anestetizzati da una oramai incessante sovrapproduzione eccessivamente ridotta a mero intrattenimento da una comprovata standardizzazione produttiva, in nome dello share; grazie a un intreccio narrativo a orologeria e un finale di stagione in grado di sovvertire ogni tentativo di lucida interpretazione, la prima stagione di Westworld é riuscita nell'arduo compito di riaccendere nello spettatore l'interesse e la volontà attiva alla partecipazione, superando a piè pari la consuetudine della visione passiva e automatica.

Assimilata con soddisfazione e stupore la prima stagione, le aspettative per la seconda non potevano che innalzarsi verso un livello superiore. Facilmente prevedibile come il leitmotiv di tale ritorno non potesse lasciar spazio, per evidenti esigenze concettuali e di svolgimento narrativo, a quella dilatata introspezione, strutturata in maniera impeccabile, per valorizzare la presentazione dei protagonisti e del contesto nel quale questi agiscono; si sarebbe lasciato maggior spazio all'azione, quindi, senza tuttavia metter da parte dissertazioni sull'esistenzialismo e il libero arbitrio inteso come valorizzazione individuale in un contesto sociale volgare e restrittivo. Così é stato: dopo aver dato il via alla ribellione delle attrazioni del parco e aver giustiziato il suo creatore Ford (Anthony Hopkins), Dolores (Evan Rachel Wood) guida un plotone di ribelli vendicativi con l'obiettivo di trovare il portale che li condurrà nel mondo esterno, quello reale, di cui Bernard/Arnold Weber (un Jeffrey Wright sempre in tono col personaggio) le aveva dato un breve assaggio; nel frattempo Maeve (Thandie Newton) continua la ricerca di sua figlia e William (Ed Harris, sempre più cinico e crepuscolare) vaga come un serpente a sonagli, alla continua ricerca di se stesso, in quella che sembra una personale discesa agli inferi senza possibilità di ritorno.

Dato per scontato quanto detto in precedenza sulla necessità di mantenere un prodotto su determinati standard qualitativi, Jonathan Nolan e Lisa Joy avevano l'arduo compito di proseguire quel certosino lavoro di tessitura narrativa, evitando di perdersi in un loop introspettivo di punti di vista già collaudati, con il rischio di dilatare i tempi del racconto fino allo spasmo; viene, quindi, naturale accogliere l'esponenziale aumento dell'azione e della dinamicità di molte sequenze in cui robot e umani sono costretti giocoforza a resistere e combattere per difendere la propria individualità e salvare la pelle, per quella che é una scelta stilistica consequenziale a quanto assimilato dagli eventi della prima stagione e rispettosa della controparte fisica del genere sci-fi: con questa seconda stagione gli sceneggiatori danno corpo e voce alle loro idee, spingendo i protagonisti con entusiasmo e cognizione di causa a modellare un'idea di intrattenimento certamente più alta e complessa (Jonathan Nolan ci era già riuscito con Person of interest, seppur con risultati spesso incerti), costruendo interi segmenti action propedeutici e in stretta simbiosi con l'evoluzione (o involuzione) individuale e caratterizzante dei vari personaggi.

La complessità e la stratificazione narrativa di cui si nutre Westworld per poter esprimere appieno il proprio potenziale rischia, tuttavia, di risultare a volte sproporzionata alla messa in scena: é indubbio che il vero protagonista di questa seconda stagione sia Bernard, personaggio che Nolan e Joy utilizzano come fermaglio per tenere strette e unite le numerose pieghe di scrittura tra le quali viene nascosta la verità assoluta, l'ordine temporale di svolgimento della storia; Bernard, corrotto da un glitch periodico impiantatogli dallo stesso Ford, si perde di continuo tra i ricordi, sovrapponendo passato e presente, sperduto in un labirinto mnemonico che induce lo spettatore in una condizione di confusione volontaria e partecipativa (interattiva), costituendo un forte legame empatico; grazie a questo escamotage, Nolan e Joy si permettono di tutto, compreso qualche stridio narrativo, calcando la mano imperterriti verso un finale non doppio, bensì triplo, sicuramente aperto a innumerevoli direzioni ma, si spera, non fittizio per il solo gusto di ricreare una volta in più quel senso di dispersione in cui lo spettatore verte per gran parte della seconda stagione. Così la seconda stagione di Westworld procede per accumuli, accumuli di scrittura a volte poco fluida, ma paradossalmente adatta a una fruizione partecipativa, riuscendo a regalare momenti di sincera emotività e liberazione umorale, come accade nell'ingresso/suicidio delle attrazioni nell'illusorio Eden auspicato dal guerriero indiano Akecheta (Zahn McClarnon).

La sensazione che lascia la seconda stagione di Westworld é che, per quanto ci si possa affezionare, ciò che é stato vissuto all'interno del futuristico parco-prigione sia solo il primo colpo in canna del duo Nolan-Joy.

(Westworld); genere: fantascienza, action; sceneggiatura: Jonathan Nolan, Lisa Joy; stagioni: 2 (rinnovata); episodi seconda stagione: 10; interpreti: Evan Rachel Wood, Thandie Newton, Jeffrey Wright, Jimmi Simpson, Shannon Woodward, Ed Harris, Anthony Hopkins, James Marsden, Ben Barnes, Clifton Collins Jr., Ingrid Bolsø Berdal, Luke Hemsworth, Sidse Babett Knudsen, Simon Quarterman, Rodrigo Santoro, Angela Sarafyan, Tessa Thompson, Shannon Woodward, Zahn McClarnon, Gustaf Skarsgård; produzione: Kilter Films, Bad Robot Productions, Jerry Weintraub Productions, Warner Bros. Television; network: HBO (U.S.A., 22 aprile-24 giugno 2018), Sky Atlantic (Italia, 30 aprile-2 luglio 2018); origine: U.S.A., 2018; durata: 60' per episodio; episodio cult seconda stagione: 2x09 - Vanishing point; 2x10 - The passenger (2x09 - Punto di fuga; 2x10 - Il passeggero)



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Guida cinefila per gli ottavi di finale di Russia 2018

I Mondiali sono al giro di boa: questa breve guida ci presenta altri spunti per vedere le prime partite del turno eliminatorio ancora una volta da un punto di vista cinematografico, trasformando così gli ottavi di Russia 2018 in un grande festival del cinema.
Un festival che si rispetti deve per forza avere una madrina. E chi meglio di Berenice Bejo, nata argentina ma da sempre francese, può essere considerata la madrina di questi ottavi di finale? Argentina-Francia poi è la prima partita del turno eliminatorio. E forse la sfida più attesa. Una sfida che i cinefili più sofisticati possono anche associare a La Peste di Puenzo -tratta dalle pagine di Camus e trasferita dal regista argentino in America Latina- oppure alla figura di due direttori della fotografia i cui destini si incrociano tra Parigi e Buenos Aires. Eugene Py nato in Francia nella seconda metà del XIX che fu il pioniere del cinema argentino ed il contemporaneo Gasparre Noè nato sulle sponde del Rio della Plata oggi ormai tra i più ricercati in terra di Francia.
Uruguay-Portogallo è la sfida tra due cinematografie latine che non è corretto definire minori, perché pur rappresentando due nazioni abbastanza piccole, purtroppo con un mercato interno limitato, hanno sempre raccontato con orgoglio e con un gusto agrodolce la propria realtà. Per questo la sfida calcistica ci propone due autori del presente da riscoprire e valorizzare: l'uruguagio Pablo Stoll ed il lusitano Joao Botelho. Operazioni che un festival deve fare.
Spagna-Russia è legata anche alla storia de Il Dottor Zivago, che all'epoca non fu girato in Unione Sovietica ma in Spagna. Quando gli altipiani nevosi vennero ripresi nella Meseta e quando Mosca venne ricostruita in studio fuori Madrid. La retrospettiva invece potrebbe essere dedicata a Eisenstein e Bunuel, le due pietre miliari della cinematografia sovietica ed iberica che scelsero tra l'altro entrambi il Messico come seconda patria.
In un festival che si rispetti non possono mancare, oltre alla madrina, le dovute quote rosa che in questi ottavi sono rappresentate da Danimarca-Croazia, con la sfida tra due cineaste prestigiose: la baltica Susanne Bier e la slava Oja Kodar.
Svizzera-Svezia è una sfida da inizio anni sessanta, da cogliere quindi sull'orizzonte del grande cinema della modernità perché vede contrapporsi due titani: stiamo parlando di Bergman contro Godard. L'iconoclasta talento della Nouvelle Vogue dovrebbe forse a maggior ragione vestire la maglia blue transalpina, ma per una nazionale elvetica che in questi mondiali presenta molti naturalizzati sicuramente nel mondiale del cinema schiererebbe l'oriundo Godard. Ed il maestro se ne compiacerebbe.
Messico-Brasile è una classica sfida “tropicalista”, ma in questi ottavi forse già troppo orientati al cinema vintage, è bene leggere questo incrocio come un confronto tra alcuni cineasti del presente. Oggi i maggiori talenti cinematografici di Messico e Brasile sono dei cineasti di statura internazionali (Del Toro, Inarritu e Cuaron da una parte; Meirelles e Salles dall'altra) che hanno reso di fatto più global il cinema latino lavorando per lo più lontano dai paesi di origine. Come del resto la maggior parte dei calciatori che vestono la maglia di queste due nazionali.
Inghilterra-Colombia è la sfida tra due compianti premi Nobel per la letteratura attratti sempre dal cinema: Gabriel Garcia Marquez che studiò sceneggiatura al Centro Sperimentale contro Harold Pinter che ci ha regalato almeno una dozzina di grandi sceneggiature, prime tra tutte le tre scritte per Losey.
Per concludere il palinsesto di un festival manca solo l'animazione e così Belgio-Giappone vedrà i Puffi sfidare Miyazaki: il calcio ci riporta sempre a quando eravamo bambini.



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Mile 22: il trailer red band del violento action movie con Mark Wahlberg


22 sono le miglia che Mark Wahlberg deve percorrere per giungere in aeroporto. Siamo in Indonesia l'agente della CIA interpretato dall'attore deve scortare uno scomodo testimone, un agente delle forze speciali locali che ha il volto e i muscoli di Iko Uwais.
Ogni volta che gli appassionati del cinema "di menare" sentono il nome di questo attore nato a Giacarta, vanno in fibrillazione ripensando a The Raid, il violentissimo film con cui Uwais si è fatto conoscere a livello internazionale. Ed è a quel cinema fatto di estremo realismo che si ispira Mile 22. Il regista Peter Berg, insieme a Wahlberg, ha voluto realizzare un action film capace di prendere a schiaffi il pubblico in sala, tanta è la ruvidità delle sequenze d'azione e dei combattimenti. Un assaggio lo offre qui sotto il trailer red band (che la censura americana indica come non adatto ai minori).
Mile 22 uscirà negli Stati Uniti il 17 agosto (in Italia ancora non si sa).



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Nastro d’argento alla commedia 2018 per Come un gatto in tangenziale


Come un gatto in tangenziale di Riccardo Milani ha vinto il Nastro d’Argento 2018 per la commedia dell’anno; ma non solo, il verdetto vede vincitori anche i due protagonisti: Paola Cortellesi e Antonio Albanese, che hanno infatti ottenuto il riconoscimento come Miglior attrice e Miglior attore di commedia. Il sindacato dei giornalisti cinematografici SNGCI lo hanno anticipato oggi sul verdetto finale dei Nastri d’Argento  che saranno consegnati domani sabato 30 Giugno, al Teatro Antico di Taormina.

“Un premio che rappresenta la vittoria della commedia sociale, un ritorno che i Nastri segnalano sottolineando l’importanza di un cinema che diverte e fa riflettere, intrattiene ed è insieme ricco di spunti comici e sociali. Un film perfettamente riuscito che unisce la comicità all’impegno nella tradizione della migliore commedia italiana amata dal pubblico.” Una notizia accolta con particolare entusiasmo dal regista e dai protagonisti, premiati dai Nastri come migliori attori nel decennale della commedia. 

In particolare, ecco le parole di Riccardo Milani sceneggiatore e regista: "Il nostro Gatto” dice Milani “vince 3 Nastri d'Argento e io sono felice e orgoglioso che dopo essere stato così apprezzato dal pubblico in sala, sia stato amato e sostenuto dai Giornalisti Cinematografici e dalla Critica. E' quello che tento di fare ogni volta che giro un film, raccontare con umorismo, contraddizioni e lacerazioni del nostro Paese, avendo sempre come riferimenti primari il pubblico e la qualità. Continuo su questa strada” dice ancora Milani “quindi con ancor più di convinzione e determinazione. Ringrazio il SNGCI per un riconoscimento così importante e ringrazio tutte le persone che hanno lavorato al film contribuendo, ognuno in maniera fondamentale, al successo di Come Un Gatto In Tangenziale.”

Un orgoglio e una gratitudine condivisa dal produttore Mario Gianani, produttore con Lorenzo Mieli per Wildside: "Voglio ringraziare di cuore tutti i votanti dei Nastri  d’Argento ma soprattutto voglio dire ancora una volta grazie a Riccardo, Paola e Antonio per aver reso possibile questo piccolo  miracolo. E per aver dimostrato che con una commedia intelligente si  può ridere e si può riflettere". 

E il successo di critica e pubblico è stato sottolineato con particolare soddisfazione anche da Nicola Maccanico, Amministratore Delegato di Vision Distribution: "La notte di Taormina darà il giusto palcoscenico ad un film  che ha saputo connettersi con tutti i tipi di pubblico, come di rado  succede. Le storie delle aziende di cinema sono naturalmente  caratterizzate dalle opere che le percorrono, e la storia di Vision  troverà sempre in “Come un gatto in tangenziale” uno dei suoi momenti  fondativi. Grazie a Laura Delli Colli ed al SNGCI per aver voluto  mettere il punto esclamativo sulla vita di un grande film, reso  possibile da una squadra di enorme talento che lo ha scritto,  realizzato ed interpretato".




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Fatih Akin sarà il regista di Firestarter di Stephen King, remake di Fenomeni paranormali incontrollabili


Stephen King continua a essere saccheggiato (e lautamente ricompensato dalle royalties). È un lungo elenco quello dei progetti in lavorazione per adattare le sue opere, al cinema o in versione seriale. Giusto per citarne alcuni: Doctor Sleep, IT: Chapter Two, Il TalismanoLe creature del buio sul fronte cinematografico, Castle Rock, The Outsider e la seconda stagione di Mr. Mercedes per quanto riguarda le serie. Essendo lo scrittore attivo dagli anni 70, è trascorso tempo sufficiente anche per ripescare anche i romanzi che una trasposizione l'avevano già avuta, come Pet Semetary (attualmente in fase di riprese) o il film tratto dal romanzo L'incendiaria, in inglese Firestarter, uscito nel 1984 con il titolo Fenomeni paranormali incontrollabili.

Firestarter racconta la storia di una bambina (interpretata negli anni 80 da Drew Barrymore) con abilità pirocinetiche che il governo vuole sequestrare, per studiarla e capire in quale modo trarre vantaggio dai suoi poteri. La notizia del remake, o meglio della rilettura del romanzo prodotta da Akiva Goldsman e Jason Blum con Universal, è di un paio di mesi fa ma oggi si conosce il nome del regista. A dirigere il film sarà il tedesco di origine turca Fatih Akin, stimato filmmaker che approda dunque al suo primo lavoro per uno studio di Hollywood.
È difficile immaginare Akin alla regia di un prodotto di intrattenimento americano, ma la scelta dei produttori di puntare sulla sua sensibilità europea denota chiaramente il desiderio di mettere in piedi un thriller/horror diverso. Fatih Akin ha vinto l'Orso d'Oro alla Berlinale nel 2004 con La sposa turca, il Premio per la Sceneggiatura al Festival di Cannes nel 2007 con Ai confini del paradiso e il Premio Speciale della Giuria alla Mostra di Venezia nel 2009 con Soul Kitchen.
L'ultimo film del regista, Oltre la notte di cui potete vedere il trailer qui sotto, ha vinto l'anno scorso il Golden Globe come miglior film straniero.



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Il nuovo Suspiria è come Shining: lo dice Chloë Grace Moretz protagonista del film di Luca Guadagnino


Si sa molto poco del remake di Suspiria, anzi "dell'omaggio a un film che ha segnato la mia adolescenza", per usare le parole del regista Luca Guadagnino che lo ha diretto. C'è un teaser trailer da 1'30'' piuttosto inquientante che potete vedere più in basso, la colonna sonora avrà la firma di Thom Yorke leader dei Radiohead, la storia si ambienta nella Germania degli anni 70 e il cast si avvale della presenza di Tilda Swinton, Dakota Johnson, Mia Goth e Chloë Grace Moretz. Quest'ultima ha il ruolo di Patricia Hingle, personaggio che nel film del 1977 di Dario Argento era interpretato da Eva Axén. Bisognerà aspettare novembre per vedere il nuovo Suspiria nelle sale cinematografiche.

La 21enne Chloë Grace Moretz alcuni giorni fa era a Provincetown nel Massacchusetts per partecipare a un piccolo festival di cinema e grazie a lei possiamo avere qualche sensazione in più. Durante un incontro con il pubblico, il discorso sulla sua carriera è arrivato a Suspiria. "Questo progetto è sotto stretto riserbo, non ne posso parlare e non ne voglio parlare perché quando lo vedrete rimarrete scioccati, è un film senza freno, è folle" racconta l'attrice, aggiungendo che del suo personaggio può soltanto dire "parlo quasi sempre in tedesco, sembro una persona molto diversa e farete fatica a riconoscermi".
A proposito di Luca Guadagnino, "Luca è Luca, il suo metodo di regia è diverso da qualunque altro, lui ti lascia fare le cose più estreme sul set senza battere ciglio e poi ti chiede di andare oltre". 
Chloë Grace Moretz che ha recitato in cinque film horror, tra cui Blood Story e Lo sguardo di Satana - Carrie, evidentemente sa il fatto suo quando dice che Suspiria "è la cosa più vicina a un moderno Stanley Kubrick che ho visto" e che "il film vi porterà in un mondo simile a quello di Shining in molti modi, sarete impiantati nel cervello di un filmmaker che vi farà vedere cose mai viste prima".



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giovedì 28 giugno 2018

Il Centro Sperimentale presenta le sue iniziative


Il cinema aperto per ferie, come di consueto, continuerà a vivere nelle arene estive. Una di queste, dalla capienza imponente di 800 posti, ma anche un romantico prato in caso di necessità, sarà allestita dal prossimo 30 giugno all’interno del parco archeologico di Santa Croce in Gerusalemme, a Roma, all’interno degli spazi della direzione cinema del Mibact. Ha incontrato in mattinata alla Casa del Cinema la stampa per illustrare questa e molte altre iniziative, il presidente del Centro Sperimentale di Cinematografia Felice Laudadio, in occasione di uno degli incontri semestrali con il futuro della prestigiosa istituzione, che ha da poco festeggiato gli ottant’anni.

“Per il cinema italiano”, è questo il titolo scelto, dopo il promettente numero zero dello scorso anno, per concentrare proiezioni ed eventi da offrire da presentare gratuitamente alla città dal 30 giugno al 21 luglio. Sarà suddivisa tre sezioni: la prima dedicata al cinema italiano contemporaneo, con una selezione curata dal critico Enrico Magrelli di film della stagione sostenuti dal ministero, introdotti da un corto saggio finale degli allievi della scuola nazionale di cinema; la seconda settimana vedrà in primo piano i restauri; mentre la terza sezione sarà dedicata a un primo piano sull’autore, protagonisti i Taviani. Occasione pianificata da mesi e diiventata un tributo a Vittorio con la sua recente scomparsa.

Il 7 luglio sarò poi consegnato un Diploma honoris causa a Michael Nyman, che terrà una masterclass, presentando il suo film The 2018 Director’s Cut of War Work: 8 Songs With Film. Un’opera audiovisiva costruita su materiali di repertorio della Prima guerra mondiale diretta e musicata dallo stesso Nyman e curata da Max Pugh. Verranno poi consegnati altri diplomi honoris causa, agli attori Lina Sastri e Fabrizio Gifuni e al regista Matteo Garrone. Per l’occasione verrà anche allestita una mostra, L’Italia restaurata, viaggio nella memoria e nell’identità del nostro Paese attraverso una serie di foto e fotogrammi tratti dai film restaurati dalla Cineteca Nazionale.

Parlando di restauri, proprio mentre si sta concludendo il Cinema ritrovato di Bologna, verranno presentati Miseria e nobiltà (1954) di Mario Mattoli con Totò, Il medico della mutua di Luigi Zampa con Alberto Sordi, che verrà presentato da Carlo Verdone, Sacco e Vanzetti con Gian Maria Volontà, introdotto dal regista Giuliano Montaldo. Fra i restauri in corso di completamento: Good Morning Babilonia di Paolo e Vittorio Taviani (1964), che verrà presentato l’8 agosto al Festival di Locarno, Italiani brava gente di Giuseppe De Santis (1964), che sarà nel programma della prossima Festa del Cinema di Roma, Il portiere di notte (1974) di Liliana Cavani e La notte di San Lorenzo di Paolo e Vittorio Taviani (1982).

Inoltre, per la prima volta l consegna diplomi si terrà al di fuori della storica sede di Via Tuscolana. Laudadio ha poi manifestato, dopo un ringraziamento speciale per il supporto della Regione Lazio, la delusione per “la totale latitanza del comune di Roma, con cui abbiamo ormai rinunciato a creare un contatto dopo un tentativo molto cordiale dello scorso anno. Vorremmo restituire insieme al comune alla cittadinanza una sala storica come il Rialto, speriamo si possa fare”. A questo punto è intervenuto il direttore generale del Mibact Nicola Borrelli, dicendo di non essere al corrente della cosa, e offrendosi per portare avanti la comunicazione e l'auspicata collaborazione fra CSC e comune di Roma.



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Shinya Tsukamoto annuncia Zan, il suo primo film in costume


Il regista giapponese Shinya Tsukamoto ha un seguito di appassionati anche nel nostro paese. La popolarità gli deriva dai due film horror/cyberpunk di Tetsuo, che ha diretto nel 1989 e nel 1992, a cui ha dato nel 2010 il sequel Tetuso: The Bullet Man.

Adesso ha annunciato la produzione del suo primo film in costume e non di genere, intitolato Zan. Protagonista è Sosuke Ikematsu nel ruolo di un samurai senza padrone, cioè un ronin, che cerca di sopravvivere nel turbolento Giappone di metà Ottocento, quando il paese sta attuando una violenta e difficile transizione dal feudalesimo alla modernità. La coprotagonista Yu Aoi interpreta una giovane contadina del paese dell'eroe, vicino a Edo (la vecchia Tokyo). Come al solito, Tsukamoto è regista, sceneggiatore, operatore e montatore del film, prodotto dalla sua società.

Non si sa se arriverà nelle nostre sale, ma si parla già della Mostra del cinema di Venezia, che in passato ha già ospitato i film del regista quattro volte (l'ultima nel 2014), come probabile luogo dell'anteprima.

Tsukamoto è apparso anche in veste di attore in film di altri registi: di recente è stato un capo villaggio in Silence di Martin Scorsese.



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A proposito di Ingmar Bergman 1955/1982

Forse un mio difetto è la pigrizia; sono molto pigro, amo stare seduto sulla mia sedia a osservare il mare. Potrei trascorrere ore in questo modo, senza far nulla. Queste affermazioni sono di Ingmar Bergman, e quasi potremmo pensare che il maestro svedese abbia ancora una volta voluto porre in essere una provocazione, considerando la sua sconfinata opera omnia. In realtà, tangenzialmente alla provocazione, il nostro si è sempre cibato di solitudine e riflessione, di una capacità quindi onnivora di vivere, sviscerare, contemplare il trascorrere del tempo in gioco con le pulsioni interiori.

Un tempo che, in questo preciso anno, ci conduce al centenario dalla nascita del più grande regista svedese, per alcuni il più grande regista della Storia del cinema, e all'omaggio dello studioso, nonché appassionato di immagini in movimento, Giorgio Penzo. Con il libro A proposito di Ingmar Bergman 1955/1982, edito da Falsopiano, l'autore scardina l'opera bergmaniana partendo da una base molto semplice, di fatto il grande amore verso un regista capace di raccontare le frane dell'animo umano, le dinamiche interpersonali del mondo borghese novecentesco e le cadute del pensiero tra incubo e liberazione.

In una primissima parte in cui Penzo offre al lettore alcuni riferimenti, o luoghi di riscontro tematico, valevoli per creare una base di partenza, come i primi passi di Bergman da regista teatrale o gli influssi di Strindberg e Ibsen, ecco che dopo poche pagine si entra nel cuore del libro. Di fatto parliamo di un'analisi continua, lineare, sui film realizzati tra metà anni Cinquanta e inizio anni Ottanta: tra questi veri e propri capolavori come Il settimo sigillo, Il posto delle fragole, Luci d'inverno, Persona e Sussurri e Grida.

L'autore non vuole concentrarsi sull'analisi sistematica di alcune sequenze, dunque non sviluppa un focus di analisi filmica, viceversa entra nel cuore delle pellicole puntando sul racconto narrativo, sullo sviluppo della trama e sulle dinamiche dei personaggi. Penzo è molto attento a far comprendere al lettore la grande capacità di Bergman di utilizzare l'attore come Mercurio della propria interiorità. Con un linguaggio preciso ed estremamente fluido, il libro ha un passo cadenzato e la lettura risulta lieta considerando la grande passione dell'autore verso Bergman. Tale passione avrebbe potuto condizionare eccessivamente l'autore, portandolo su un terreno celebrativo, e invece in questo caso il rigore, la puntualità nel raccontarci la poetica bergmaniana diventano cifra stilistica. Inoltre, il racconto delle trame risulta anche strumento per produrre una scrittura che filtra concetti attraverso immagini, sorretta ovviamente dalla grande, enorme composizione del quadro filmico.

Un libro che non può e non vuole racchiudere tutto il percorso del regista svedese quanto offrire suggestioni, emozioni e coinvolgimento su piccole, grandi omeomerie stilistiche, narrative e tematiche. Tutto ciò emerge sin dal titolo, con quel “A proposito … “ che diventa registro intimo e informale verso il lettore.

Autore: Giorgio Penzo
Titolo: A proposito di Ingmar Bergman 1955/1982
Editore: Falsopiano
Dati: pp 159, lucida
Anno: 2018
Prezzo:€ 18,00
Isbn: 978-8893041133
webinfo: www.falsopiano.com/bergman.htm



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Come ti divento bella: in anteprima il poster italiano della commedia con Amy Schumer

Che forza della natura Amy Schumer, attrice, sceneggiatrice, stand-up comedian e già protagonista, al cinema, di Un disastro di ragazza e Fottute!.

Bionda, paffutella e con due fanali azzurri al posto degli occhi, la Schumer appartiene a quell'intelligente schiera di "non bellissime" che sanno ridere dei propri difetti fisici, sicuramente in scena e magari anche nella vita. Eppure la ragazza goffa e sgraziata che l’attrice interpreta nella commedia Come ti divento bella non è affatto contenta del proprio aspetto, e soprattutto dei chili di troppo. In un mondo nel quale essere assolutamente fantastiche è un must, la nostra non osa avvicinarsi agli uomini né fare domanda per il lavoro che ha sempre sognato, e passa il tempo a lamentarsi con le amiche. Un giorno, durante una lezione di spinning, cade dalla bike, perde i sensi, e quando si risveglia si guarda allo specchio e si vede trasformata in una bambola mozzafiato. Forte del cambiamento, che nessun altro nota, muta atteggiamento e comincia ad avere un successo inaspettato.

Come ti divento bella è diretto dagli esordienti Marc Silverstein e Abby Kohon, che insieme hanno firmato la sceneggiatura delle commedie sentimentali Mai stata baciata, La verità è che non gli piaci abbastanza, APPuntamento con l'amore e Single ma non troppo. Anche il copione di questo film è opera loro e certamente preferisce la componente buffa a quella romantica. Tuttavia vuole diffondere un messaggio serio, o comunque importante. Ci dice infatti che ci si può sentire belle anche se non si è delle top model e che, se una persona è contenta del suo "involucro" e si mostra sicura di sé, può cambiare il modo in cui gli altri la percepiscono e conquistare praticamente chiunque.

Come ti divento bella esce nella sale italiane il 23 agosto, distribuito da Lucky Red con Universal Picutres. Nel cast del film, di cui vi facciamo vedere qui sotto, in anteprima esclsuiva, il poster, ufficiale italiano ci sono anche Michelle Williams, Rory Scovel e, in una piccola parte, Naomi Campbell.



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Jessica Chastain celebra l'inizio delle riprese di IT 2 con una foto morphing


1/2 Jessica Chastain + 1/2 Sophia Lillis = 1 Beverly Marsh.
Nella foto che ha postato su Instagram, Jessica Chastain festeggia il suo primo giorno di riprese sul set di IT: Chapter Two. La stessa troupe di IT è a Toronto per girare il sequel, sempre per la regia di Andy Muschietti. Come sappiamo, la storyline del film seguirà ancora i protagonisti alle prese con Pennywise, ma nella versione adulta dei personaggi.

Jessica è stata richiesta a gran voce dai fan quando IT era ancora in sala, come unica possibile attrice per interpretare Beverly Marsh nei suoi quarant'anni, mentre Sophia Lillis ne è stata il volto da ragazzina. Il caso ha voluto che il regista Muschietti avesse già lavorato con la Chastain in La madre, e le cose sono andate lisce come l'olio. Ricapitolando, ad oggi nel cast ci sono i seguenti attori: Bill Skarsgård, Jessica Chastain, James McAvoy, Bill Hader, Jay Ryan, Isaiah Mustafa, Xavier Dolan, James Ransone e Andy Bean. Quasi certamente anche i giovani attori del primo film ritorneranno se la sceneggiatura prevede l'inserimento di flashback. IT: Chapter Two uscirà nel settembre 2019.



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The Wife - Vivere nell'ombra: il poster italiano in esclusiva del film con Glenn Close

Uno dei film più attesi della prossima stagione è The Wife - Vivere nell'ombra, adattamento cinematografico dell'omonimo bestseller del 2003 di Meg Wolitzer. Chi l'ha visto al festival di Toronto ha subito pensato alla protagonista Glenn Close come a una delle sicure candidate all'Oscar 2019. Accanto a lei c'è un grande del cinema inglese come Jonathan Pryce e del cast fanno parte anche Christian Slater e Max Irons.

Questa è la sinossi ufficiale del film che parla di matrimonio, sacrifici e compromessi e del costo che hanno sull'integrità personale e su quella sociale.

Dietro ogni grande uomo c’è una donna ancora più grande. Peccato che molto spesso sia costretta a vivere nell’ombra. Questa è la storia di Joan Castleman, interpretata dalla 6 volte candidata al premio Oscar® Glenn Close, donna dalla bellezza impeccabile, mai intaccata dal tempo. Quarant'anni passati a sacrificare il proprio talento e i propri sogni, lasciando che suo marito, l’affascinante e carismatico Joe (Jonathan Pryce), si impadronisca della paternità delle sue opere. Joan assiste, per amore, alla sfavillante e gloriosa carriera dell'uomo, sopportando di buon grado tutte le menzogne e i tradimenti. Ma alla notizia dell'assegnazione del più grande riconoscimento per uno scrittore - il Premio Nobel per la letteratura - la donna decide finalmente di dire basta e riprendersi tutto quello che le spetta. Emozionante, commovente, divertente: The Wife è un viaggio di emancipazione e riscoperta, una celebrazione della forza e della grandezza di tutte le donne!

The Wife uscirà da noi distribuito da Videa e in attesa di vederlo vi mostriamo in anteprima esclusiva il poster italiano del film.



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The Overlook Hotel: un altro mashup capolavoro di Antonio Maria De Silva


Vi siete mai chiesti cosa ne sia stato di Jack Torrance dopo che il suo corpo è stato congelato alla fine di Shining? Una possibile, e affascinante risposta ce la dà oggi Antonio Maria Da Silva, il regista e montatore francese famoso per i suoi lavori sulla discoteca infernale Hell's Club e per moltissime altre imprese del genere, che ne fanno uno dei più geniali innovatori di un genere cinefilo che fa interagire col montaggio visivo e sonoro scene, personaggi e attori di molti film in modo fluido, naturale e perfettamente coerente dal punto di vista narrativo.

Se non li avete ancora visti, i suoi precedenti lavori li trovate sulla sua pagina ufficiale Vimeo. Con The Overlook Hotel, Da Silva va ancora un passo oltre, creando una narrazione vera e propria di quasi 30 minuti, in cui Jack Torrance racconta (il voice over è di Rick Whelan) che sta finalmente scrivendo il suo romanzo, naturalmente horror, e parla degli abitanti delle varie stanze, dei suoi ricordi e dei suoi incubi, mentre sulla televisione nel suo ufficio scorrono immagini molto significative.

Anche se non avete dimestichezza con l'inglese e non siete in grado di apprezzare il finissimo lavoro fatto da Da Silva, che di fatto dà vita a un vero e proprio film in questo universo alternativo, sarete sicuramente capaci di cogliere tutte le citazioni, i riferimenti e le belle sequenze di montaggio in cui incontreremo i fantasmi de Gli innocenti, il Demian de Il presagio, il bambino che vede la gente morta nel Sesto Senso, The Ring, Baby Killer, Rosemary's Baby, L'esorcista, La casa 2, la tv di Videodrome, Norman Bates (impressionante la sovrapposizione dei volti di Nicholson e Perkins), Hannibal Lecter e gli altri film tratti da Stephen King - a cui questo mashup rende un dichiarato omaggio e in cui lo stesso scrittore "appare" - tra cui Misery, Christine la macchina infernale, Cimitero vivente, 1408, Carrie, The Mist, Cujo, It e perfino le precedenti incarnazioni cinematografiche di quell'istrionico, meraviglioso attore che è Jack Nicholson, anche lui omaggiato dal mashup, che vediamo nelle sue interpretazioni, dal cormaniano The Little Shop of Horror in poi. E ovviamente compare anche la pianta carnivora e canterina Aubrey del musical tratto da questo film, proprio nella camera di Regan MacNeil.

Da notare il quadro che campeggia nella hall dell'Overlook e che appare anche altrove, che gira da tempo su internet, assieme al pupazzetto Funko Pop del personaggio di Carrie

Dunque mettetevi comodi, munitevi di popcorn, e godetevi lo spettacolo. E se non riconoscete tutti i film - non ve li abbiamo elencati di proposito - non c'è problema, l'elenco è nei titoli di coda.

THE OVERLOOK HOTEL. AMDS FILMS. MOVIE MASHUP VO from Antonio Maria Da Silva AMDSFILMS on Vimeo.



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L'incredibile viaggio del fachiro: una clip italiana esclusiva del film con la star indiana Dhanush


L'incredibile viaggio del fachiro ha come sua caratteristica principale la multiculturalità e il crogiuolo di razze. Non solo il film attraversa molti paesi del mondo, essendo il protagonista a spasso per il globo terracqueo, ma gli attori che vi recitano sono di svariate nazionalità. Il protagonista è la star indiana Dhanush e fra le sue compagne di set ci sono l'americana Erin Moriarty e la francese Bérénice Bejo. Il regista Ken Scott, infine, viene dal Canada. Anche le location sono diverse, e si va dall'India a Parigi, da Londra a Roma, dove è stata scelta Via Margutta, già teatro di Vacanze Romane.

L'incredibile viaggio del fachiro è tratto dal best seller "L'incredibile viaggio del fachiro che restò chiuso in un armadio Ikea" di Romain Puèrtolas e segue le mirabolanti avventure dell’indiano Aja, che dopo la morte della madre parte per Parigi in cerca del padre. Giunto a destinazione, si rifugia in un negozio Ikea dove incontra una ragazza americana e se ne innamora perdutamente, poi si mette a dormire in un armadio, che però fa parte di una spedizione per l'Inghilterra. Da quel momento il nostro comincia a girare come una trottola, trovandosi in situazioni complicate e spesso comiche. Nella clip italiana esclusiva che vi mostriamo Aja è ancora in India, prima bambino e poi ragazzo, e insieme ai cugini si arrangia per sopravvivere grazie a piccoli furti e giochi di magia.

L'incredibile viaggio del fachiro racconta un percorso di emancipazione e di conoscenza di un giovane uomo che può contare sulla propria intelligenza. Il film è un invito, rivolto soprattutto alle nuove generazioni, a credere nei propri sogni, che con un po’ di sforzo possono essere realizzati. Insegna anche ad apprezzare i rapporti umani e le cose belle della vita. Infine, parla di frontiere e di migranti. L'uscita al cinema è prevista per il 4 luglio con Notorious Pictures.



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Fotograf

La vita di un fotografo resa sapida e amara dalle sue donne

Regia di Irena Pavlásková. Con Karel Roden, Marie Málková, Zuzana Vejvodová, Václav Neuzil, Vilma Cibulková, Marika Sarah Procházková, Jitka Sedlackova, Vanda Konecná, Jenovefa Bokova, Patrik Dergel.
Genere Drammatico - Repubblica ceca, 2015. Durata 133 minuti circa.

Liberamente ispirata alla vita del fotografo Jan Saudek, la storia di un uomo diventato celebre a livello internazionale con le sue opere. Ha esposto e venduto le sue fotografie nelle più grandi gallerie e case d'arte, ha ottenuto riconoscimenti da tutto il mondo ma il fulcro della sua vita sono state sempre le donne, sia quelle che hanno sfilato davanti all'obiettivo della sua macchina fotografica, sia quelle che lo hanno circondato nella vita privata.





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Mandy: Nicolas Cage combatte il male nel trailer dell'horror


"Sconvolgente", "indimenticabile", "magico": ecco tre aggettivi con cui la stampa presente all'ultima edizione del Sundance ha definito l'horror con Nicolas Cage Mandy. Guardando il trailer, appena diffuso dalla RLJE Films, si ha l'impressione che i commenti non siano fuori luogo e di trovarsi di fronte a qualcosa di stilisticamente (e cromaticamente) interessante, a un'opera potente e visionaria che non disdegna neppure una rapida incursione nell'animazione.

I critici del festival del cinema indipendente americano hanno anche lodato la performance di Cage, definendola una delle sue migliori interpretazioni. L'attore, ancora una volta ha il volto deformato dalla rabbia e cerca di farsi giustizia da solo, ma ne ha tutte le ragioni, visto che la donna a cui è sposato e che ama teneramente rischia la possessione demoniaca. Per la coppia, che conduce una tranquilla esistenza in una casetta su un lago, i guai cominciano quando nelle loro vite fa capolino il leader di una setta. Quest'ultimo personaggio ha il volto di Linus Roache, mentre la moglie del personaggio di Nicolas Cage è impersonata da Andrea Riseborough.

La regia di Mandy è del canadese Panos Cosmatos, già autore dell’horror fantascientifico e psichedelico Beyond The Black Rainbow, e l’uscita nelle sale americane è prevista per il 14 settembre. A giocare a favore del film, che ha fra i produttori Elijah Wood, è la colonna sonora, composta da quel Jòhann Jòhannsson già autore delle musiche de La teoria del Tutto, Sicario e Arrival e scomparso nel mese di febbraio.



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Wonder Woman 1984, la prima foto di Kristen Wiig futura Cheetah


Sappiamo che in Wonder Woman 1984 la villain Cheetah sarà interpretata da Kristen Wiig, che vediamo qui nella prima foto sul set. L'immagine è stata condivisa su Twitter dalla regista Patty Jenkins, alle redini di questo sequel del suo precedente Wonder Woman, facendosi sempre forte dell'interpretazione di Gal Gadot.

Almeno stando alla prima incarnazione del personaggio, con l'alter ego Priscilla Rich, Cheetah è una donna che dà ascolto alla sua voce interiore, liberandosi dei suoi complessi di inferiorità e abbracciando la sua personalità più nascosta e violenta. Questa prima incarnazione non ha superpoteri, assenti anche nella seconda versione, con l'alter ego Deborah Domaine, nipote di Priscilla. La situazione nei fumetti è cambiata nel cosiddetto periodo "post-Crisi" nel 1987, quando è toccato all'archeologa Barbara Ann Minerva diventare Cheetah dopo una trasformazione. E' proprio Barbara a essere stata scelta per Wonder Woman 1984.
Nell'immagine dal set chiaramente Cheetah non è ancora se stessa, ma l'ispirazione dal mondo animale è in corso d'opera... Kristen Wiig è stata di recente nei cast di Downsizing e Madre!
Wonder Woman 1984 sarà nelle sale nel novembre del 2019.



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Jared Leto sarà Morbius, il vampiro della Marvel


Rocker, attore, modello... Jared Leto ha molti volti e tutti vincenti. Ultima incarnazione cinematografica - per ora - di uno dei personaggi più mitici della DC Comics, il nemico storico di Batman, Joker, sarà anche una delle nemesi di Spider-Man in Morbius, prodotto dalla Sony e diretto da Daniel Espinosa.

E non si tratta ovviamente di un villain qualunque, visto che è nientemeno che un vampiro. Il personaggio creato da Roy Thomas e disegnato da Gil Kane, fece la sua prima apparizione sulle pagine di "The Amazing Spider Man" numero 101, nel lontano 1971.

Il dottor Michael Morbius è - come consuetudine dei cattivi dei fumetti - un brillante scienziato, nato e cresciuto in Grecia e premio Nobel per la biologia, che, nel tentativo di trovare una cura per la malattia del sangue da cui è afflitto, prova un trattamento sperimentale, facendosi iniettare il sangue di un pipistrello vampiro. Dopo essere entrato in una macchina di sua invenzione, diventa una mostruosa creatura, che negli albi a lui intitolati viene chiamata il "vampiro vivente" (Morbius condivide con gli storici vampiri molte caratteristiche ma, ad esempio, non trasforma le sue vittime). Oltre a scontrarsi ripetutamente con Spider-Man, nelle storie viene anche cacciato da Blade.

La prima versione della sceneggiatura, scritta lo scorso anno, è di Matt Sazama e Burk Shapless, che con un altro vampiro si sono già cimentati in Dracula Untold. Ora che la Sony ha trovato il suo protagonista, c'è da scommetterci che le cose si muoveranno velocemente.



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mercoledì 27 giugno 2018

12 Soldiers: una clip esclusiva in italiano del film di guerra con Chris Hemsworth


Tratto dalla vera storia di dodici soldati americani che nel 2001 furono protagonisti di un'eroica missione in Afghanistan, 12 Soldiers è un film diretto da Nicolai Fuglsig e interpretato da Chris Hemsworth, Michael Shannon, Michael Peña, Rob Riggle e William Fichtner. Abbiamo una clip esclusiva doppiata in italiano da mostrarvi. Si tratta del momento in cui il capitano Mitch Nelson, il personaggio di Hemsworth, ha appena avuto la conferma che la delicata missione di neutralizzare le milizie talebane sarà affidata a lui e ora deve informare il suo commando. Dodici uomini contro circa cinquantamila talebani, ma la speranza di riuscita rimane intatta.
12 Soldiers uscirà nei cinema italiani l'11 luglio.



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La Cina salva i flop: come Hollywood se la cava per il rotto della cuffia


Nonostante un limite imposto di massimo 34 lungometraggi stranieri distribuiti in un anno, la Cina si sta rivelando uno dei mercati più lucrativi per il cinema di Hollywood. Ciò non vale soltanto per i trionfi di blockbuster internazionali come un Avengers Infinity War, ma anche per l'inaspettato salvataggio di titoli che, senza il sostegno delle cifre cinesi, precipiterebbero nel flop. Prima di proseguire nell'analisi, specifichiamo ancora una volta cosa intendiamo col termine "flop": non ha nulla a che vedere con la qualità dell'opera, ma definisce un film che al botteghino non recupera quanto è costato. Per convenzione, si considera un film in pari quando porta a casa almeno il doppio del suo budget (gran parte del costo del biglietto sfuma verso gli esercenti e la distribuzione).

Warcraft - L'inizio di Duncan Jones, adattamento dell'omonimo videogioco Blizzard, è l'esempio perfetto per inquadrare le speranze delle major di Hollywood che possono incorrere in passi falsi. Costato 160 milioni di dollari, ne avrebbe incassati in tutto il mondo 220, Cina esclusa: sarebbe stato un disastro. A sorpresa, il mercato cinese lo ha benedetto con ben 213 milioni aggiuntivi, portando il totale a 433. Non sappiamo quanto fosse stato speso in marketing (non sempre conteggiato nei calcoli del budget e spesso oneroso), però così Warcraft, pur non rivelandosi un trionfo, si è mantenuto a galla.
xXx - Il ritorno di Xander Cage, terzo lungometraggio della saga e secondo con Vin Diesel, era in una situazione borderline: costato 85 milioni di dollari, ne avrebbe raccolti nel mondo 182. La Cina ha gettato nel mucchio altri ben accolti 164 milioni, portandolo al totale di 346 e legittimando - per il piacere di chi non sopporta la tamarraggine estrema - un ulteriore sequel!



Recente e illustrissimo caso è stato Ready Player One di Steven Spielberg: azzardato caso di blockbuster ad alto budget senza un marchio potente alle spalle, stava per fallire la sua scommessa con 175 milioni di dollari di budget e 354 d'incassi, in bilico precario sul flop, non conoscendone i costi di marketing. La Cina lo ha però abbracciato entusiasticamente con 212 milioni, portando il totale a 566, una cifra che ha reso tutti più sereni.
Discorso analogo possiamo farlo per l'ultimo Tomb Raider con Alicia Vikander (costo 94 milioni di dollari, totale incassi 272 di cui 78 cinesi) e per Transformers: L'ultimo cavaliere (costo 217, totale 605 di cui 228 cinesi!).
Altre volte è capitato che i film faticassero così tanto da non riuscire a giovarsi significativamente nemmeno dell'ottima accoglienza a Pechino e dintorni. Terminator: Genisys (costo 155, totale 240 di cui 113 cinesi) e Pacific Rim - La rivolta (costo 150, totale 288 di cui 100 cinesi) sono rimasti dei flop nonostante l'apprezzamento in Oriente. Non c'era proprio speranza, evidentemente.

Ci sono comunque situazioni in cui gli spettatori in Cina possono anche rimanere relativamente freddi di fronte a sicuri successi altrove. Questo può avvenire quando il prodotto fa forte affidamento sulla riconoscibilità di un marchio o di una saga di parecchi anni addietro, quando il mercato cinese era chiuso ai film stranieri.
Star Wars è l'incubo cinese della Disney. Il buon piazzamento di Il risveglio della Forza, con 124 milioni di dollari in Cina, faceva ben sperare per creare un bacino d'utenza nuovo, che trent'anni prima non aveva potuto vedere la trilogia storica. I Cinesi hanno dato una chance alla serie, ma hanno perso slancio, riservando 70 milioni a Rogue One e miserimmi 42 a Gli ultimi Jedi. Inutile aggiungere che non avrebbero mai potuto salvare Solo, finora liquidato con 16 imbarazzanti milioni.
Le cose sono andate peggio per Blade Runner 2049, forse il più corposo fallimento di queste speranze: costato 150 milioni, ne ha rastrellati nel mondo 259 di cui appena 11 sono cinesi. Sì, avete letto bene: 11. Praticamente è stato ignorato.



Le reazioni al cinema animato Disney / Pixar confermano questa teoria. Cars 3 e Alla ricerca di Dory, successi ovunque ma sequel di film amatissimi in Occidente partiti un decennio prima, non sono andati oltre rispettivamente i 20 e i 38 milioni d'incassi. Viceversa prodotti recenti e originali come Coco e Zootropolis hanno trionfato con ben 189 e 235 milioni! Questo articolo non azzarda poi interpretazioni antropologiche e sociali che vanno al di là delle nostre competenze, ma è evidente che una storia dedicata al culto degli antenati e una fiaba con animali antropomorfi devono essere state accettate in modo molto naturale e spontaneo. Lo sa bene per esempio la DreamWorks Animation, che ha costruito la saga di Kung Fu Panda per sfondare nel mercato cinese, arrivando a realizzare una versione apposita con sincronizzazione labiale in mandarino per Kung Fu Panda 3 (costo 145, incasso 521, di cui 154 in Cina).

L'entusiasmo parallelo degli investimenti cinesi diretti nel cinema hollywoodiano, esploso tra il 2015 e il 2016, pare essersi invece piuttosto raffreddato nell'ultimo anno. Dopo l'acquisto di quote sensibili della Imagine Entertainment e della Lionsgate, e un controllo della Legendary Entertainment come azionisti di maggioranza, i magnati cinesi stanno progressivamente reindirizzando i propri capitali verso l'audiovisivo patrio. Secondo alcuni osservatori, la frenata sarebbe avvenuta quando un primo esperimento di importante produzione in sinergia, The Great Wall di Zhang Yimou con Matt Damon, non ha fatto gli altissimi numeri sperati nè in Cina nè nel resto del mondo. Le azioni della Legendary Entertainment sono state rimesse in vendita.
Il trionfo della produzione locale Wolf Warrior 2 (854 milioni di dollari solo in Cina, appena ridicole briciole altrove) segnala al contrario che dare per certa la globalizzazione dei gusti di quel pubblico sarebbe ingenuo. Al di là delle facili speranze, Hollywood comunque non può permettersi di ignorare la Cina, che invece al contrario pare mantenere una sua buona autosufficienza cinematografica.



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Once Upon a Time in Hollywood: Leonardo DiCaprio e Brad Pitt nella prima foto ufficiale!


Manca un anno esatto (o quasi) all'uscita nei cinema di Once Upon a Time in Hollywood, il nuovo e ovviamente attesissimo film di Quentin Tarantino ambientato nell'estate del 1969, nel periodo dei terribili massacri di Charles Manson e della sua banda, di cui fu più celebre vittima la moglie di Roman Polanski Sharon Tate.

Se nelle scorse settimane vi abbiamo dato notizie che riguardano soprattutto il cast, che si è andato sempre più arricchendo, oggi, finalmente, vi possiamo mostrare la primissima immagine ufficiale del film. La prendiamo dall'account instagram di Leonardo DiCaprio. La foto ritrae lo stesso DiCaprio insieme a Brad Pitt, entrambi in costume di scena:

Ricordiamo che, oltre a DiCaprio e Pitt, il cast del film comprende: Margot Robbie, Al Pacino, James Marsden, Timothy Olyphant, Burt Reynolds, Kurt Russell, Michael Madsen, Tim Roth, Damian Lewis, Dakota Fanning, Luke Perry, Nicholas Hammond, Emile Hirsch, Clifton Collins Jr., Julia Butters e Keith Jefferson.



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Skyscraper, in un video alcuni dei grattacieli più spettacolari della storia del cinema


Skyscraper, nuovo action con Dwyane Johnson alias The Rock, arriva nelle nostre sale il 19 luglio. Per prepararci adeguatamente all'evento, vi mostriamo un video che riassume con una giusta dose di adrenalina alcuni dei principali film hollywoodiani che abbiano avuto a che vedere coi grattacieli.
Culla perfetta per scene d'azione estreme come quella (eseguita personalmente da Tom Cruise) in Mission: Impossible - Protoccolo fantasma, il grattacielo è stato alla base anche delle stesse progressioni narrative, come l'ascesa di McClane / Bruce Willis nel primo Die Hard Trappola di cristallo. Il video ci ricorda anche altri momenti indimenticabili con King Kong, Philippe Petit in The Walk, Batman, i Transformers.

In Skyscraper, Dwayne Johnson è Will Ford, un ex leader del Team di Recupero Ostaggi dell'FBI e veterano americano di guerra, che ora valuta la sicurezza dei grattacieli. Durante un lavoro in Cina trova il più alto e sicuro edificio del mondo improvvisamente in fiamme e viene incolpato per questo. Da ricercato in fuga, Will deve trovare i responsabili, ripulire il suo nome e salvare in qualche modo la sua famiglia intrappolata all'interno dell'edificio in fiamme.



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Pronte al via le Notti di cinema a Piazza Vittorio

Con l’arrivo dell’estate parte la stagione delle arene all’aperto. La situazione a Roma è piuttosto dinamica, con la conferma di un appuntamento diventato tradizionale negli ultimi anni, quello con Notti di cinema e… a Piazza Vittorio, che tornerà a partire da giovedì 28 giugno ad animare la storica piazza umbertina. Sara l’occasione per vedere o rivedere i film principali della stagione appena trascorsa e godersi altre curiosità anteprima. Il tutto al giusto prezzo, soli 5 euro con varie formule ancora più convenienti, perché la cultura, e il cinema, non si svendono.

La serata inaugurale vedrà protagoniste alcune delle colonne sonore più significative del nostro cinema, eseguite dalla Banda dei Granatieri di Sardegna, diretta dal Maestro Primo Maresciallo Luogotenente Domenico Morlungo. Il concerto, a ingresso gratuito, inizierà alle 19.30 per una durata di 30 minuti.L’esibizione, resa possibile grazie allo Stato Maggiore dell’Esercito e in particolare al Generale Comandante della Brigata dei Granatieri Paolo Raudino, inizierà con la colonna sonora del film La vita è bella di Roberto Benigni, composta da Nicola Piovani, seguirà una fantasia di brani tratti da film indimenticabili di Alberto Sordi, ed il gran finale sarà dedicato al Maestro Ennio Morricone, nostro grande vanto in tutto il mondo.

La serata proseguirà alle 21:30 in Sala A con la proiezione di Ammore e malavita dei Manetti Bros. Per l’occasione i due registi introdurranno al pubblico la commedia musicale che ha trionfato ai David di Donatello 2018. Mentre in Sala Bucci alle 21:30 lo spettacolo prosegue con Valerian e la città dei mille pianeti di Luc Besson.

Ecco il programma delle arene.



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