lunedì 30 aprile 2018

John Woo rifarà The Killer con protagonista Lupita Nyong'o

Il remake hollywoodiano del capolavoro del 1989 sarà prodotto dalla Universal

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via Cinema Studi - Lo studio del cinema è sul web

PRIMA VISIONE: 'L'ISOLA DEI CANI' Dal 1° maggio l'animazione in stop motion firmata da Wes Anderson. In versione originale con sottotitoli.

from Cineteca di Bologna
via Cinema Studi

The Man Who Killed Don Quixote: un nuovo trailer del film di Terry Gilliam

Della travagliatissima produzione del film è inutile riparlarvene, ne avrete già letto tantissimo, anche sul nostro sito, in questi ultimi anni.
Sulla polemica (anche di carattere legale) che sta coinvolgendo la partecipazione di The Man Who Killed Don Quixote, l'attesissimo film di Terry Gilliam, all'imminente Festival di Cannes, forse è il caso di tornarci un po' su. E' di poco fa, infatti, la pubblicazione di un comunicato ufficiale del Festival francese che c'informa che la proiezione del film il 19 maggio prossimo, come film di chiusura, è per ora sospesa in attesa della decisione del tribunale che dovrà pronunciarsi su una richiesta presentata dal produttore Paulo Branco di vietare la proiezione del film a Cannes. Come saprete, un conflitto dovuto a motivi contrattuali oppone Branco e Gilliam da lungo tempo, sin dalla pre-preproduzione del film. La decisione del tribunale arriverà il 7 maggio prossimo, il giorno prima dell'inaugurazione del Festival di Cannes. Solo allora sapremo se il film di Gilliam sarà effettivamente proiettato sulla Croisette.

Una nota positiva oggi c'è comunque. Ed è rappresentata da un nuovo trailer del film che possiamo mostrarvi qui sotto:


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Schermi e Lavagne

from Cineteca di Bologna
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Game Night: recensione della commedia nera con Rachel McAdams e Jason Bateman

Un meccanismo drammatico perfetto, una regia curata, un look da noir e dei favolosi protagonisti nerd al punto giusto.

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Colin Firth e Julie Walters nel remake de Il giardino segreto

Nell'adattamento del romanzo di Frances Hodgson Burnett i due saranno Archibald Craven e Mrs. Medlock.

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Annabelle 3: nel 2019 arriva un nuovo film con la bambola assassina

A dirigere il terzo capitolo del franchise è Gary Dauberman, sceneggiatore di Annabelle e Annabelle 2.

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Avengers Infinity War regista incassi record in America e al boxoffice italiano del weekend

Negli Usa sconfigge i 250 milioni di dollari nel primo weekend di Episodio VII, in Italia batte Age of Ultron di un milione di euro.

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Madly (2016)


“Nobody dies of love, do they?”

What is that you’re feeling? The love of another – be it a person or a god – is one of the primary drivers of creative output in this world. Poets, painters, philosophers, songwriters, and scribes have long attempted to put love into words or music or images, with varying degrees of success. In the comparatively brief history of the moving image, putting that emotion in motion has usually been the purview of filmmakers and actors. Few others get the opportunity to meaningfully weigh in on this subject on screen, least of all the title designer.

Madly is an international anthology film bringing together six stories of love – in many different forms – from six very different filmmakers: Gael García Bernal, Anurag Kashyap, Natasha Khan, Sebastián Silva, Sion Sono, and Mia Wasikowska. To introduce this multilingual, multi-part tale of love, infatuation, and romance, the global co-production turned to Canadian title designer Galen Johnson (The Forbidden Room) to create a title sequence that would capture the feeling, the idea of love – and act as the connective tissue to tie the entire piece together.

With a generous hand from the inimitable sounds of PJ Harvey, Madly’s title sequence attempts to do just that: encapsulate that explosive, unquantifiable thing. Images and type melt into one another, a pageant of quivering torsos, bright shining stars, and beating hearts all pulsing to the rhythm. It’s a messy fusion, a raucous combination of elements that feels both jarring and familiar, as it should. Like a love song or a sonnet, these titles are a welcome reminder of things that are and things that were. A fitting place to start.

When we last spoke The Forbidden Room had just bowed at the 2015 Toronto International Film Festival and the interactive project Seances was still in the works. What have you been up to creatively since then?

Galen: We finished off Seances and put it online. We also did a behind-the-scenes documentary about Hyena Road called Bring Me the Head of Tim Horton. Then a found footage remake of Vertigo called The Green Fog, and a 10 minute short called Accidence. And I helped Bill Morrison with the Dawson City: Frozen Time titles.

Galen: We also banded together with a few…

RSS & Email Subscribers: Check out the full Madly article at Art of the Title.

from Art of the Title

domenica 29 aprile 2018

Michelle Pfeiffer potrebbe recitare in Maleficent 2 accanto ad Angelina Jolie

Michelle Pfeiffer sarebbe in dirittura d'arrivo per raggiungere Angelina Jolie, Elle Fanning ed Ed Skrein in Maleficent 2. L'attrice che vedremo prossimamente in Ant-Man and The Wasp, dovrebbe interpretare la Regina Ingris. ricordiamo che il primo Maleficent, uscito nel 2014, incassò in tutto il mondo ben 759 milioni di dollari a fornte di un costo di produzione di 180.

A dirigere Maleficent 2 sarà Joachim R∅nning (Pirati dei Caraibi: Dead Men Tell No Tales), che lavorerà su una sceneggiatura scritta da Jezz Butterworth e Linda Woolverton. L'ultimo draft dello script è stato però redatto da Micah Fitzerman-Blue e Noah Harpster. Le riprese del film dovrebbero cominciare entro il 2018.

Candidata a tre premi Oscar per Le relazioni pericolose, I favolosi Baker e Due sconosciuti, un destino, Michelle Pfeiffer sta vivendo una seconda giovinezza artistica dopo aver trascorso qualche anno più in sordina. Ultimamente l'abbiamo ammirata nel successo di Kenneth Branagh Assassinio sull'Orient Express, in Madre! di Darren Aronofsky e insieme a Robert De Niro nel film della HBO Wizard of Lies, biopic sulla figura di Bernie Madoff. Tra le più grandi interpretazioni dell'attrice vogliamo citare quella di catwoman in Batman - Il ritorno di Tim Burton e soprattutto quella della contessa Olenska ne L'età dell'innocenza, capolavoro in costume di Martin Scorsese dove divideva la scena con Daniel Day-Lewis e Winona Ryder.


from - Le notizie sui film e le star

via Cinema Studi - Lo studio del cinema è sul web

Eisenstein makes a scene: IVAN THE TERRIBLE Part II on the Criterion Channel

For Yuri Tsivian

DB here:

Everyone knows Eisenstein as a theorist and practitioner of something called montage, which in his hands comes to mean a lot of things. But he was no less interested in what he called expressive movement. He believed that the viewer could be aroused by dynamic physical action that carried powerful feeling. Expressive movement pervades the set-pieces of his silent films. On the Odessa Steps of 1925’s Battleship Potemkin (1925), we get the robotic descent of the Cossacks opposed to the agitated flight of the citizenry, and the street massacre of October (1927) makes even mechanical bridges seem ferocious. But even less flamboyant moments, from the animalistic antics of the spies in Strike to the weeping masses at the Odessa quai, are full of expressive postures, gestures, and expressions. Eisenstein sculpts the human body so as to project extreme states of feeling.

That effort is on full display in Ivan the Terrible Part II, which I discuss in our current entry on FilmStruck‘s Criterion Channel. My comentary builds on an analysis I offered in my book The Cinema of Eisenstein, but the clever experts at Criterion have created dynamic juxtapositions through cutting and replays that I couldn’t summon up in print.   I try to show how, as ever, Eisenstein sacrifices bland realism of behavior to something more sharp and intense. In this “theatrical” film, he goes  beyond line readings to offer maniacally heightened physical action–a sort of deadly serious, amped-up, live-action cartoon. Eisenstein worshipped Disney, after all.

Today’s blog entry bounces off that installment to show the connection between expressive movement and the most banal stock-in-trade of cinema: the standard scene of two people talking to each other.


Lessons with the master

A sketch from Eisenstein’s lectures on Crime and Punishment.

Eisenstein’s silent films seek a “dramaturgy of film form” that would surpass traditions of theatrical and novelistic storytelling. This mission, which creates a sort of epic cinema, left an odd gap. From Strike (1925) to Old and New (1929), his films are notably lacking in one stock ingredient. He seldom creates sustained scenes showing a developing conflict between two characters in an ordinary setting–a parlor or office or street. With few exceptions, Eisenstein “explodes” even standard scenes by cutting to action elsewhere. The factory owners of Strike chortle over drinks while, thanks to parallel montage, the workers are rounded up by soldiers on horseback.

Other Soviet Montage directors were willing to work up theatrical scenes: Pudovkin has a Hitchcockian suspense sequence in Mother (1926), while Kuleshov turns the second stretch of By the Law (1926) into a Kammerspiel. But Eisenstein’s urge to splinter face-to-face dramaturgy came from a different sense of theatre–that “Theatricalism” of his teacher Meyerhold, who saw the stage not as the copy of a real space but as an arena for performance. Eisenstein extended this idea by thinking of the shot and the sequence as an arena for action, specifically expressive movement.

By the 1930s, Eisenstein may have sensed that sound cinema would make films more theatrical in a traditional sense. Sequences would be more concentrated in one locale and focused on a few characters. Crosscutting, a mainstay of silent film, would become rarer. He accordingly began to ponder creative ways of filming two-handers. In his courses at the Soviet film school VGIK he explored ways to intensify dramatic face-offs without interruptive cutting.

These lectures are inspiring because they show you a filmmaker thinking through problems and tracing how one solution leads to new problems. A soldier returns from the war to find his wife pregnant with another man’s child. With his students Eisenstein spent weeks scrutinizing options for performance, shooting, and cutting this simple situation. A banquet is held for Dessalines, Haitian hero. How do you film his realization that his hosts are planning to kill him? How do you present the bedroom of Shostakovich’s Lady Macbeth of Mtsensk, or the claustrophobic apartment of Thérèse Raquin? How do you stage Raskolnikov’s murder of the pawnbroker in Crime and Punishment…and do it in one fixed shot? (You don’t hear much about Eisenstein the long-take man.)

The results of this line of thinking show up in his films. Alas, we have only glimpses in what remains of Bezhin Meadow (finished 1937; banned, now lost). And Alexander Nevsky (1938), still conceived on a broad canvas, doesn’t really face up to the demands of intimate scenes. It’s only in both parts of Ivan the Terrible (1944, 1946) that we can see how Eisenstein plunged into doing what most directors do: filming uninterrupted scenes of people talking to one another.

Needless to say, he doesn’t do it the way they do.


The tsar in your lap

Expressive movement is involved, but so too are other stylistic strategies. For one thing, Eisenstein rethinks analytical editing. Characters need not face one another; they can be turned to the viewer and interact by shifting their eyes. No need for over-the-shoulder reverse angles either; you can cut in or out along the camera axis. Both strategies are introduced at the start of Ivan the Terrible Part I.



More elaborately, Eisenstein may dissect a scene through what he called in his VGIK classes the “montage unit” (uzol), a cluster of shots taken from roughly the same orientation. These yield chunks of space that overlap when edited together. He diagrammed this procedure in an illustration of cherry blossoms he found in a Japanese drawing manual.


This collage of overlapping bits, anticipating Hockney’s photo paste-ups, is actualized on film in the Pskov sequence of Ivan Part I, as I discuss in my book.

Another strategy is the use of depth. While Renoir, Welles, William Cameron Menzies, and other directors were trying out deep-space staging and depth of camera focus, so was Eisenstein. Well before Welles, he and his Soviet colleagues offered grotesque wide-angle shots. Below, Old and New and China Express (Ilya Trauberg, 1929).


More rigorously, Eisenstein began to think of how to arrange his scenes along the camera axis. True, a great many of his scenes are staged laterally, with figures arrayed from left to right.


But others, particularly those at a dramatic pitch, are staged in depth. And what distinguishes Eisenstein, to my mind, is a strikingly confrontational or immersive approach. You can see it emerging in the VGIK exercises, notably in his stage designs for a hypothetical production of Thérèse Raquin. Here the paralyzed, speechless Madame Raquin terrorizes the murderous lovers with her glittering eyes. Eisenstein wanted the actors to perform on a turntable that would show her chair rotating to spy on the couple’s affair from different vantage points. At the climax, when the guilty lovers commit suicide, Madame Raquin’s chair was to break from the circle and propel itself forward, so that she would be staring furiously into the audience.

This might look gimmicky, a sort of stage equivalent for what we can easily accomplish in cinema. Don’t directors often heighten the drama by making their actors advance to the camera? But in many scenes Eisenstein moves his players toward us, then cuts further backward, letting axial cuts create an unfolding foreground. A new playing space is opened up, and the actor is free, or rather compelled, to thrust further forward, sometimes into uncomfortably big close-up.

The Soviets called axial cuts “concentration cuts,” and we mostly find them used to enlarge, usually shockingly, something far off. But Eisenstein creates something more unusual and risky.“In my work,” Eisenstein wrote,  “set designs are inevitably accompanied by the unlimited surface of the floor in front of it, allowing the bringing forward of unlimited separate foreground details.” In principle the foreground could unfold forever.

The result sometimes yields direct address, as in my Criterion Channel example, but more generally it creates a sense of characters passionately engaged in clamping their will upon others and hurling themselves not just at one another but at us. Characters confide in the camera, and–long before all today’s talk of “immersive” cinema–the camera is us.

The short lesson is that we still have a lot to learn from Eisenstein–and his films. Apart from opening up new vistas of cinema, they offer thrilling experiences. Ivan Part II, subtitled “The Boyars’ Plot,” is a dark Jacobean drama of bloody revenge and betrayal. It’s twisted enough to satisfy any connoisseur of palace intrigue. It’s also brilliantly weird as cinema. Once more the Old Man comes through.

Thanks as ever to Peter Becker, Kim Hendrickson, Grant Delin, and their colleagues at Criterion for the making this installment, which  was a bit tougher than usual. Thanks as well to old friend Erik Gunneson. Our entire Criterion Channel series is here.

The best source for Eisenstein’s VGIK classes remains Vladimir Nizhny’s Lessons with Eisenstein, my pick for one of the top ten film books ever published. Direction, Volume 4 of Eisenstein’s Selected Works in Six Volumes  (Izbrannie proizvedeniia v shesti tomakh, 1964-1969) is the source of other examples I use here, including Thérèse Raquin, from p. 622.

Of the immense literature on Eisenstein, I especially recommend Yuri Tsivian’s monograph on Ivan the Terrible in the BFI series. Kristin wrote a whole book on Ivan: Eisenstein’s Ivan the Terrible: A Neoformalist Analysis.

I discuss Eisenstein as an action director in an earlier entry. On axial cuts in Eisenstein and others, go here; Kurosawa’s use of them is discussed here.

Hockney’s photomontage Mother 1 is from 1985.

Also, too: I noted earlier that my book On the History of Film Style has gone out of print. An e-book edition, with updates and color images, is nearing completion. I hope to offer a pdf to you soon. Yes, Eisenstein is involved.

Eisenstein sketch: Ivan pleading for mercy in the Last Judgment, planned for Part III of the film.

from Observations on film art

Tribeca Film Festival 2018: la rassegna newyorkese si chiude nel segno di Martin Freeman

L'attore ci ha regalato l'ennesima, memorabile interpretazione nell'horror Cargo, produzione Netflix

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Roma, 2 maggio: #MaggiodeiLibri a Roma - Teatro Arciliuto e Giovanna d'Arco Onlus insieme contro la pedofilia

Mercoledì 2 maggio 2018, presso il Teatro Arciliuto di Roma, la Giovanna d'Arco Onlus con la partecipazione del Rotary Club Roma Centenario, in occasione della Giornata Nazionale contro la Pedofilia, presenta "iostoconletartarughe" (Emigli Editore). Interverranno l'Avv. Maria Pia Capozza (Fondatrice Giovanna d'Arco Onlus) e l'Avv. Antonella Volpe (Presidente del Rotary Club R.C.). La serata, presentata da Annapaola Ricci (giornalista di RAI1), prevede letture di alcuni brani scelti dall'omonimo libro di Simonetta Bumbi, intermezzi musicali e concerto finale.

Prenderanno parte all'evento: Priscilla Micol Marino (voce recitante), Martina Palmitesta (voce recitante), Paolo Rainaldi (chitarra), Annapaola Ricci (voce cantante), Enrico Di Troia (voce recitante), David Forti (pianoforte), Eleonora Giovannini (poetessa).

Evento inserito nella programmazione della ottava edizione del #MaggiodeiLibri Per la Giornata Nazionale contro la Pedofilia la Giovanna d'Arco Onlus invita ad Ascoltare - Prevenire - Proteggere - Dare voce e Garantire Giustizia alle vittime di questo orrendo Crimine e alle loro famiglie, perché un bambino vittima di pedofilia è un bambino che muore ogni giorno, per tutta la sua vita. I costi sociali del fenomeno degli abusi sono ingenti e sommersi. Facciamo luce sulla pedofilia, che deve considerarsi un crimine contro l'umanità perché viola per sempre la purezza dei bambini, e la Giovanna d'Arco è nata per tutelare i diritti dei minori senza distinzioni di razza, religione o cultura.

Il motto della Giovanna d'Arco Onlus è “Omnia vincit Amor” perché crediamo che se il bambino cresce in un ambiente di amore la sua struttura psico-fisica si sviluppa in modo più armonioso ed equilibrato. Per tale ragione offre consulenza e sostegno psicologico, legale e pedagogico gratuito al Numero Verde 800 171625 - Centro Ascolto Minori e Famiglia sito in via Rasella 150. La Onlus nasce nel 2001 per la tutela dei minori e nel tempo si è dedicata al contrasto di ogni forma di abuso sui minori - con particolare attenzione al fenomeno della pedofilia - ed alla educazione dei bambini. In tema di educazione la Giovanna d'Arco Onlus ha ideato il metodo Giodarcopolis di educazione ai valori della vita attraverso il gioco, che sta sperimentando coordinando le attività educative del Circolo Ricreativo Pianeta Minori e proponendo laboratori nelle Scuole di Roma. Crediamo che educare ai valori sia la strada giusta per prevenire il disagio.

Contatti Giovanna d'Arco Onlus E-mail: Sito Web: N. Verde 800 96 02 37 (lun/ven ore 10 -19) Mobile 327 380744, Fax 06 45200083 N. Verde Sportello "Centro Ascolto Minori e Famiglia" 800 17 16 25 (lun/sab ore 10-19)

Iostoconletartarughe - Serata /Evento Contro la Pedofilia

Dalle ore 20.30 AperitivoCena, e dalle ore 21.30 presentazione editoriale e concerto. AperitivoCena e Concerto Euro 25,00 Una parte dell'incasso della serata sarà devoluta a favore della Giovanna D'Arco Onlus e in particolare del Centro Ascolto Minori e Famiglia.

Si ricorda che il numero dei posti è limitato ed è consigliabile la prenotazione


Contatti Evento:


Piazza Montevecchio, 5

00186 Roma

Tel. +39 06 6879419 (dalle ore 16,00 in poi)

– mobile 333 8568464 (calls&sms)

from - storie della visione

venerdì 27 aprile 2018

Il Cinema Ritrovato al cinema

from Cineteca di Bologna
via Cinema Studi

Luca Avallone a maggio al cinema con due film

Luca Avallone, occhi cristallini come il mare e un sorriso che sa conquistare grandi e piccini è campano d'origine, milanese di nascita e romano d'adozione.

Classe 1990, inizia la sua carriera giovanissimo ne La Melevisione, programma per bambini trasmesso da Rai Yoyo dove interpreta un principe 2.0: divertente, simpatico e un po' goffo. L'esordio in prima serata avviene con la regia di Cinzia TH Torrini in “Un'altra vita”, la serie tv di 6 puntate record di ascolti in onda su Rai 1, dove come coprotagonista interpreta il bell'aviere Riccardo Raimondi, ruolo che gli conferisce il premio Oscar dei Giovani 2015 in Campidoglio. Nello stesso anno, insieme alla sua compagnia, è vincitore del premio Attilio Corsini presso il teatro Vittoria di Roma per lo spettacolo Coriolano, diretto da Simone Ruggiero, nel ruolo di Coriolano. Nell'ambito cinematografico, Luca Avallone ha partecipato al film italofrancese Hannah di Andrea Pallaoro, presentato in concorso ufficiale a Venezia 74, accanto a Charlotte Rampling vincitrice della Coppa Volpi e nel film di Ridley Scott “Tutti i soldi del mondo”.

Numerosi sono i progetti che Avallone ha in cantiere. Prossimamente, infatti, sarà nelle sale cinematografiche con due film Un fiore perEnne di Tonino Abballe ed Erika Marconi (dal 3 maggio) e Le grida del silenzio diretto da Alessandra Carlesi (dal 10 maggio).

Ma i progetti non finiscono qua. A breve, infatti, sarà tra i protagonisti del cortometraggio “L'Albero delle scarpe”, di Sebastian Maulucci selezionato al Festival di Cannes nella sezione Short Film Corner.

from - storie della visione

Street Art e Cocktail, un connubio unico allo Sky Stars Bar di Roma

Si è tenuta allo Sky Stars Bar Panoramico – il bar delle Stelle dell'A.Roma Lifestyle Hotel (via G. Zoega, 59), la presentazione della nuova drink list del bar con i suoi sette cocktail inediti, ispirati ad altrettanti murales romani, frutto dell'estro e della creatività del barmanager Alessandro Antonelli. Durante la serata, con la incantevole vista dall'alto della città di Roma, è stato possibile degustare i drink del nuovo menu in abbinamento ai piatti creati per l'occasione da Sapori dal Mondo, il ristorante dell'A.Roma Lifestyle Hotel. La sala lobby dello Sky Stars Bar ospiterà per alcuni mesi la mostra delle fotografie realizzate appositamente da Alberto Blasetti e Andrea Di Lorenzo, con gli scatti dei murales che hanno ispirato i cocktail della nuova drink list.

Alla presentazione sono intervenuti anche numerosi personaggi dello spettacolo. L'attrice Lidia Vitale, che, pur essendo astemia, ha gustato le ostriche in apertura di serata e comunque con i cocktail ci si è bagnata le labbra e ha apprezzato la trasversalità delle arti e amato l'attenzione alle periferie con la street art oggi sempre più fonte di ispirazione artistica. Presente anche la star di Centovetrine, Raffaello Balzo, sempre più dedicato alla fotografia, che ha trovato nell'hotel e nello Sky Stars Bar un luogo perfetto come location di shoot fotografici. L'attrice e presentatrice Antonella Salvucci in delizioso abito carta da zucchero e l'attrice Tezeta Abraham, reduce dal successo della seconda serie di E' arrivata la felicità. Tra i registi intervenuti, Manuela Tempesta, fresca vincitrice del Premio Studio Universal al Corto d'Argento con il suo corto Cristallo e l'attore e regista Christian Marazziti, al cinema al momento con la sua opera prima Sconnessi, che ha dichiarato: "il connubio tra arte di strada e cocktail l'ho trovata originale e geniale, io ho adorato il cocktail Cecafumo, che ha unito il burro al gusto del Campari, una bellissima sinergia di colori e profumi! Un evento davvero al di fuori delle serate classiche romane". Il regista Ciro De Caro, già apprezzato autore del film Spaghetti Story, accompagnato dall'attrice Rosa Palasciano e dalla Calabria è arrivato l'attore Lele Nucera, già vincitore del Globo D'Oro.

La nuova drink list realizzata da Alessandro Antonelli dello Sky Stars Bar prevede sette drink chiamati La Piedad; Evita!; Rabourbon; Little Diamonds; Torpigna Coffee Break; Cecafumo e Attenti ar cane. I singoli cocktail e le loro ricette:

La Piedad, con rum The Matcha, rondelle di cioccolato bianco, una stecca di cannella, lime e gomme syrup, ispirato al murales di via Prenestina 913.

Evita!, con Unicum dry orange, arancia essiccata, gomme syrup, limone essiccato, lime essiccato, semi di finocchio, fiori d'arancio, soda, ispirato al murales di via Maiolani, angolo via Fabriano, in zona San Basilio.

Rabourbon, con bourbon whisky, rabarbaro Quaglia, radice di liquirizia, pepe rosa e peel di arancia, ispirato al murales in via dello Scalo di San Lorenzo, 93.

Little Diamonds, con Campari, vodka, vermouth Carpano classico, rubino, cardamomo, ginepro, coriandolo, zagara, peel di arancia, pepe indonesiano, pepe seishuan, tè Lapsang, ispirato al murales di Via di Tor Marancia, 63.

Torpigna Coffee Break, con mezcal Illegal, mezcal Bruno, orange bitter, chicchi di caffè, fave di Tonka, corteccia di china, ispirato al murales in via Pavoni, angolo via del Pigneto.

Cecafumo, con Cutty sark, Campari, vermouth Carpano classico, miele di melata, burro Ocelli, fiori di camomilla, fiori di ibiscus, salvia, ispirato al murales di via Decio Mure nel quartiere Quadraro.

Attenti ar cane, con rum Arcane, fiori d'arancio, maraschino, loomi grattugiato, peel di pompelmo, gomme syrup, ispirato al murales in via del Porto Fluviale.

Per maggiori informazioni

Ufficio Stampa
Carlo Dutto
cell. 3480 0646089

from - storie della visione

NonSoloLetteratura: il Premio Strega è anche Mixology!

Giunge alla sua quarta edizione il Premio Strega Mixology, competizione rivolta ai più talentuosi barman e barlady italiani e organizzata dalla storica azienda Strega Alberti Benevento. C'è tempo fino al 30 aprile per iscriversi – gratuitamente - online al link www.premiostregamixology.str...

Per partecipare è necessario inviare la ricetta del cocktail specificando, per ogni ingrediente homemade, composizione e modalità di preparazione. La ricetta, con tecnica libera, dovrà contenere almeno 3 cl di Liquore Strega e non più di 5 ingredienti (non si conteggiano come ingredienti eventuali guarnizioni, zest, crusta, side e accompagnamenti).

Criteri di valutazione saranno il gusto e il bilanciamento del cocktail, la valorizzazione del liquore Strega e il legame con il tema letterario. Il cocktail dovrà, infatti, ispirarsi a uno dei 71 libri vincitori delle passate edizioni del Premio Strega, diventando, di fatto, anch'esso, un 'grande classico italiano'. La competizione premierà la ricetta che meglio interpreta il gusto inconfondibile del liquore Strega, in connessione con il mondo della letteratura.

Le pre-selezioni della gara si terranno dal 30 aprile al 10 maggio, giorno in cui saranno comunicati, in un evento a Roma, i nomi dei 5 finalisti, che saranno successivamente ospiti dell'azienda, a Benevento. Quindi, la competizione finale, giovedì 5 luglio, a Roma, in concomitanza con la serata finale della settantaduesima edizione del Premio Strega, nella consueta cornice del Ninfeo del Museo Nazionale Etrusco di Ville Giulia. A tutti i bartender finalisti saranno forniti gli ingredienti per la preparazione finale del cocktail - ad esclusione di determinati ingredienti homemade di difficile reperibilità - e l'azienda Strega Alberti fornirà ai partecipanti di Liquore Strega e di tutti i prodotti del proprio portfolio, dalla Strega Cream alla Sambuca, dal Limoncello di Sorrento al Liquore di Liquirizia Amarelli, alle grappe Falanghina e Aglianico. Durante la finale sarà allestita una zona bar, con una postazione per ogni bartender finalista.

Il vincitore del Premio Strega Mixology 2018 riceverà un viaggio comprendente volo e alloggio a Berlino dall'8 al 10 ottobre 2018 per partecipare, in qualità di barman, allo stand Strega in occasione dell'evento bar più importante in Europa, il Bar Convent Berlin.

Il Liquore Strega
Nel lontano 1860 nasce in Campania, a Benevento, lo stabilimento in cui ancora oggi si produce il liquore Strega. Lo Strega é un prodotto completamente naturale ottenuto dalla distillazione di circa 70 tra erbe e spezie, provenienti da varie parti del mondo. Con le sue intense note aromatiche, con il suo inconfondibile profumo, questo liquore crea, con gli altri ingredienti, un sorprendente contrasto fra elementi speziati ed erbacei, corposi e leggeri, senza perderne l'anima raffinata.

Per maggiori informazioni

Ufficio Stampa
Carlo Dutto
cell. 348 0646089

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Fumetti: uscito il volume 28 di THE WALKING DEAD

Se da un lato è risaputo che i veri protagonisti di THE WALKING DEAD sono gli esseri umani, è altrettanto vero che i non-morti sono la costante minaccia che spinge i sopravvissuti ad adottare strategie spesso disperate. L'entrata in scena dei Sussurratori, che vivono in simbiosi coi morti viventi e se ne servono come fossero un'arma a tutti gli effetti, ha ulteriormente sconvolto il quadro della situazione. E di quello sconvolgimento sono Rick e i suoi a pagarne le conseguenze.

Il volume 28 di THE WALKING DEAD, uscito venerdì 27 aprile e intitolato UN DESTINO SEGNATO (pagg. 144, euro 13.90), parte proprio da qui, cioè dall'impasse in cui si trovano gli uomini e le donne di Alexandria, di Hilltop e del Regno, al cospetto dell'enorme gregge di non-morti che si sta riversando su di loro.

Robert Kirkman ha scritto un nuovo e sconvolgente capitolo della sua saga, in cui viene ridefinito il rapporto tra Rick e Negan, in cui tutti i personaggi dovranno dare fondo a tutte le loro capacità per non soccombere e, in cui, purtroppo, qualcuno non ce la farà. La posta in gioco è la sopravvivenza personale, ma anche quella della vita umana in generale, minacciata dal folle disegno dei Sussurratori. UN DESTINO SEGNATO è un volume doloroso, che lascia sgomenti e apre scenari inquietanti per la saga a fumetti più longeva e amata degli ultimi vent'anni.

Appuntamento in libreria, in fumetteria e nello shop online del sito

Per informazioni:

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Civitacampomarano (CB), dal 7 al 10 giugno: CVTà STREET FEST - ecco gli artisti della terza edizione

Saranno 2501, Alberonero, MP5, Rub Kandy e SpY i cinque street artists selezionati da Alice Pasquini per la terza edizione del CVTà Street Fest, il festival che ridisegna lo spazio urbano di un borgo molisano antico, Civitacampomarano (CB), diventando uno scenario unico per l'arte di strada. Dal 7 al 10 giugno, nel paese originario di Vincenzo Cuoco, gli artisti eseguiranno il proprio intervento in aree del centro storico – pubbliche o private - messe a disposizione dalle Istituzioni locali e dagli stessi abitanti di Civita nell'arco dei quattro giorni della manifestazione. Di area lombarda sono 2501, il cui lavoro è incentrato sulla ricerca di spazi vuoti in cui la simbiosi tra spazi negativi e positivi è sempre in gioco, e Alberonero, il cui imprinting minimalista riduce il linguaggio visivo ai minimi termini. Di Napoli è originaria invece MP5, la cui arte stilistica “blanc et noir” viene utilizzata in differenti media, mentre di Potenza è Rub Kandy, alias Mimmo Rubino, che si diverte a comporre alla sua maniera gli spazi fisici e gli elementi visivi della nostra identità. Dalla Spagna, infine, viene SpY, apprezzatissimo per trasformare gli elementi urbani in commenti grafici sulla realtà facendo interferire tra loro molteplici codici comunicativi. Oltre agli interventi “live” di arte permanente che verranno realizzati sui muri del paese dai suddetti artisti, il programma di “CVTà” prevede una serie di iniziative ed eventi collaterali - offerti alla cittadinanza e ai turisti - che vanno dalle visite guidate alla musica e gastronomia. Tra le collaborazioni in atto nel 2018, quella con Chef Rubio, Peroni, Airbnb e Molise Cinema. Maggiori dettagli sulle prossime iniziative in corso nell'ambito del festival, saranno illustrate nei comunicati stampa a seguire.



L'artista milanese 2501 lavora con un'ampia varietà di mezzi, tra cui pittura, installazione, scultura, fotografia e film. Orientato alla ricerca di spazi vuoti, 2501 esperimenta con linee, forme e movimenti in composizioni libere che mostrano rigore per la comune infrazione ai tradizionali codici d'arte. All'età di 20 anni, si stabilisce a San Paolo per insegnare pittura ai bambini delle favelas, dopo aver studiato cinema e video editing a Milano e comunicazione visiva all'Università New Bahaus di Weimar, in Germania. Il suo approccio multidisciplinare lo porta ad assumere un approccio documentario che si evolve verso il progetto Nomadic Experiment, una serie di mostre internazionali e un decennale archivio digitale incentrato sulle controculture, comunità, punti di vista e esperimenti in tutto il mondo. Il suo lavoro e impegno sociale, in costante dialogo con la topografia urbana, prende principalmente la forma di murales: tra i suoi progetti più esemplari vi sono quelli realizzati a Los Angeles, Miami, San Paolo, Milano, Roma, Detroit, Chicago, Ulan Bator, New York, Atlanta, Kiev. Sempre sull'onda di una carriera che lo porta a rispondere alle chiamate di varie istituzioni artistiche e fiere in tutto il mondo, prende parte a numerosi festival artistici pubblici come O.BRA, Living Walls, ALTrove, Art United Us, Artmossphere Biennale, Walk & Talk, Corridoio di Wabash Arts, Outdoor, Mural, Traffic Design, Painted the Desert Project. La sua arte e il suo processo servono da canale investigativo tra un individuo che ha assorbito una serie di principi dall'arte classica e l'applicazione di essi in un ambiente contemporaneo. Partecipa a numerose mostre personali, tra cui La Macchina, al Museo di Arte Contemporanea di Lissone, Sull'orlo del disastro alla Wunderkammern Gallery di Roma, See You On The Other Side and Anatomy of Restlessness alla Soze Gallery di Los Angeles, Freedom of Scelta alla Celaya Brothers Gallery di Città del Messico. Utilizzando un approccio che può essere sia primitivo che sofisticato, la ripetizione del lavoro di esplorazione e di valutazione è sottolineata dalla sensibilità di 2501 alla relazione dei dettagli esigenti della superficie e del richiedente. Altrettanto importanti sono le dinamiche realizzate all'aria aperta, spazi vuoti e strutture stabilite o edifici abbandonati. La relazione simbiotica tra spazio positivo e negativo è sempre in gioco, poiché ogni elemento scambia proprietà immobiliari avanti e indietro.





Alberonero nasce a Lodi e vive a Milano. Laureato presso il Politecnico di Milano nel corso di Interior Design, Alberonero lavora con forme minimali, essenziali e sintetiche riducendo gli elementi del linguaggio visivo ai minimi termini. La preparazione nasce dallo spazio architettonico e dalla ricerca delle sensazioni che quest'ultimo può trasmettere una volta ridisegnato. Azzerando la forma ed utilizzando il quadrato come mezzo di espressione pura della singola cromia, il colore si pone come elemento centrale del lavoro. Ogni colore é capace di creare una sensazione nuova e differente rispetto al contesto ed in base alla loro disposizione, geometria e interazione si generano diverse possibilità di trasmissione sensoriale nello spazio urbano e non. Nel 2013 partecipa ad Art Basel Miami presso lo showroom di Meridiani USA reinterpretando l'immagine dell'azienda con arazzi e wallpainting. Nel dicembre 2014 a Campidarte in Sardegna lavora per “Norme di paesaggio”, una personale tra natura ed architettura, temi centrali portati avanti nello studio del paesaggio abbandonato sviluppato in Salento nell'estate 2015. Nell'inverno 2015 progetta una nuova area di gioco urbano presso l'Ex Dogana di Roma con la creazione di un campo da basket site specific per gli abitanti del quartiere. Negli stessi spazi durante primavera 2016 Alberonero partecipa a “Roma Arte Aperta” mostra collettiva al fianco di grandi maestri come Alighiero Boetti, Sol LeWitt, Jannis Kounellis ed altri. Nell' estate 2016 la ricerca si focalizza sulla relazione uomo-paesaggio con il progetto “Tre Colli” in Catanzaro per Altrove. In autunno Alberonero crea un installazione in marmo di fronte all'Arena di Verona, simbolo della città. La ricerca architettonica continua durante il 2017 con il progetto di grandi dimensioni per Farm Cultural park, centro culturale a Favara in Sicilia. Sempre in Sicilia durante l'autunno realizza una mostra personale a Catania sulla percezione del paesaggio del vulcano Etna. A fine 2017 lavora a Buenos Aires per il quartiere di Barracas.





MP5 è un'artista italiana nota per il suo incisivo stile di disegno in bianco e nero che utilizza in numerosi e differenti media. Le sue immagini danno forma a miti contemporanei che sottendono una visione critica e politicamente impegnata della realtà. Nata a Napoli, studia scenografia per il teatro a Bologna e animazione presso la Wimbledon School of Art di Londra. Attualmente vive tra Roma e Parigi. Attiva fortemente nella scena underground e nella controcultura in tutta Europa, MP5 negli ultimi dieci anni ha strettamente legato il suo lavoro soprattutto alla scena queer e femminista. Dagli studi di scenografia deriva un legame stretto e duraturo con il teatro di ricerca, rintracciabile soprattutto nelle sue installazioni audio/video, ma che continua ad influenzare anche i suoi interventi murali. Ha pubblicato illustrazioni su settimanali e magazine come Le Monde Diplomatique, Internazionale, Linus, Il Male, Il Mucchio e per case editrici come Laterza, la spagnola Norma editorial, la francese La Boite à boulle, la tedesca Schreiber & Leser. Ha inoltre disegnato per manifestazioni (tra i lavori più recenti quelli per Non Una di Meno) e per festival internazionali di danza e teatro. I suoi lavori murali di grandi dimensioni sono dislocati in tutta Europa: Spagna, Francia, Germania, Italia, Croazia, Slovenia e Svezia. Le sue opere e installazioni sono state esposte in festival e musei nazionali ed internazionali come la XII Biennale dei Giovani Artisti dell'Europa e del Mediterraneo, il Teatro di palazzo Grassi di Venezia, La Condition Publique di Roubaix, il Theatre National di Bruxelles, la Triennale di Milano e il Macro di Roma. Nel 2013 ha rappresentato l'Italia per il progetto La Tour 13 di Parigi e nel 2016 ha tenuto la sua prima mostra personale italiana alla galleria Wunderkammern di Roma. Ha collaborato con la galleria Lazarides di Londra, con la designer e gallerista Agnes B e con Il regista Abel Ferrara. Ha inoltre creato, in collaborazione con il musicista e compositore Teho Teardo, lo spettacolo di animazioni e musica Phantasmagorica, presentato in diversi festival in Europa. Nel 2016 il suo murale The Root of Evil è stato scelto da Widewalls, una delle più riconosciute community della street art, come uno dei 20 più bei murales del mondo. I suoi lavori sono stati recensiti su numerose testate tra cui Internazionale, Vogue Italia, la Repubblica, D donna, Cosmopolitan China, Juxtapoz, Rolling Stone Italia, Wooster Collective. MP5 ha pubblicato tre libri: Changes (ed. GRRRzetic 2016), Palindromi (ed. GRRRzetic 2012) e Acqua storta (dal libro di L.R.Carrino, ed. Meridiano Zero 2010, pubblicato anche in Germania con il nome “Der Frevel am Altar der Heiligen Klara”), per il quale ha vinto il premio come miglior disegnatrice italiana al Napoli Comicon.


Rub Kandy, alias Mimmo Rubino, è un artista e graphic designer. Lavora con diversi media, concentrando la sua ricerca sullo spazio pubblico, utilizzando l'ambiente come layout, giocando con gli spazi fisici e gli elementi visivi della nostra identità.






La sottigliezza non è qualcosa a cui ci ha abituato l'attuale scena dell'arte di strada. In alcune occasioni si rivela invadente come la pubblicità esterna, quella macchina ineludibile la cui esistenza viene solitamente utilizzata come argomento per giustificare la presenza di un'arte indipendente nella strada. Ma questo non è il caso di Spy. La partecipazione di questo uomo di Madrid non ti salta addosso. Piuttosto, aspetta finché non ci si imbatte in esso. Non è un monologo ma un dialogo, tra l'artista e l'ambiente, tra il passante e il pezzo. SpY ha iniziato a recitare in strada mentre era ancora un adolescente a Madrid durante la metà degli anni ottanta. All'inizio degli anni '90 si era affermato come la figura principale della scena dei graffiti di stato ancora giovane, offrendo opere con uno stile impeccabile e una solidità che ancora oggi non sono molto comuni. Anche se questo capitolo è stato chiuso da poco, SpY non ha dimenticato le sue radici. È consapevole che i graffiti sono una scuola inestimabile, vitale e artistica e, soprattutto, una formazione intensiva e prolungata nell'esercizio dell'osservazione e dello sviluppo creativo dell'ambiente urbano. Intorno alla metà degli anni Novanta, SpY sentiva di aver superato i graffiti tradizionali come mezzo di espressione. Ben presto iniziò a giocare con le infinite possibilità che l'ambiente offriva ai suoi sensi, recentemente liberato da questa metodologia ristretta. È iniziato un processo di maturazione che ha portato i suoi frutti migliori per tutto il decennio in corso. Il suo lavoro consiste nel prendere in consegna elementi urbani attraverso la trasformazione o la replica, i commenti sulla realtà urbana e l'interferenza nei loro codici comunicativi. La maggior parte della sua produzione deriva dall'osservazione della città e dall'apprezzamento dei suoi componenti, non come elementi inerti ma come una tavolozza di materiali traboccanti di possibilità. La volontà del gioco, l'attenzione al contesto di ogni pezzo e un'attitudine costruttiva, non invadente, caratterizzano senza dubbio la sua esibizione. Come i migliori esempi di arte pubblica, la partecipazione di SpY forma un tutto con il suo contesto. È nella fusione di questi due elementi, così come nell'incontro casuale tra lo spettatore e il lavoro, dove si trova il nucleo della sua proposta. Per questo motivo, quest'uomo di Madrid non produce lavoro per mostre in gallerie e si limita a esporre la documentazione grafica, che prende la forma di fotografie molto curate e di grandi dimensioni. I pezzi di SpY vogliono essere una parentesi nell'inerzia automatizzata dell'urbanita. Sono pizzichi di intenzione nascosti in un angolo per coloro che vogliono lasciarsi sorprendere. Riempiti con parti uguali di ironia e umorismo positivo, sembrano fare il sorriso passante, incitare la riflessione e favorire una coscienza illuminata.



CVTà Street Fest

DOVE: Civitacampomarano (Campobasso), sedi varie

QUANDO: 7-10 giugno 2018



ORGANIZZAZIONE: Associazione Culturale CivitArt

PATROCINI: Comune di Civitacampomarano, Pro Loco “Vincenzo Cuoco”

CON IL CONTRIBUTO DI: Pro Loco “Vincenzo Cuoco”, Comune di Civitacampomarano


BIGLIETTI: ingresso gratuito


HASHTAG: #cvta #cvtastreetfest #helpcivita

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Roma, dal 2 al 6 maggio: Karmafulminien OffOfF Theatre Generazione Disagio

Dal 2 al 6 Maggio 2018 presso l'OFF OFF THEATRE (Via Giulia, 20 – Roma), Generazione Disagio e Fondazione Luzzati - Teatro della Tosse presenta


Figli di Puttini

di e con Enrico Pittaluga, Graziano Sirressi, Luca Mammoli [foto di Laura Granelli]

Regista e co-autore Riccardo Pippa

Scene Anna Maddalena Cigni

Costumi Daniela De Blasio, Anna Maddalena Cigni / Luci Danilo Deiana

Produzione Fondazione Luzzati - Teatro della Tosse

Si ringraziano: Bruno Cesereto e Pietro Fabbri per le voci fuori campo e Niccolò Masini per la locandina

La compagnia Generazione Disagio fa il bis! Dopo il successo pre-natalizio arriva quello di maggio con "Karmafulminien", un linguaggio scanzonato, irriverente e caustico per dar voce alla generazione di mezzo!

Hanno convinto anche i più scettici, hanno strappato risate anche ai più imbronciati, hanno brindato al 2018 in un teatro che ha applaudito a lungo la loro satira sulla generazione di mezzo. Sono la folle compagnia di Generazione Disagio, nata dall'esperienza del centro sociale ZAM di Milano, che dopo il successo pre-natalizio di Dopodiché Stasera Mi Butto andato in scena all'OFF/OFF Theatre di Roma, torna in Via Giulia con un secondo e nuovo spettacolo dal titolo KARMAFULMINIEN - Figli di Puttini, di e con Enrico Pittaluga, Graziano Sirressi e Luca Mammoli, diretti dal regista e co-autore Riccardo Pippa. Pittaluga-Sirressi-Mammoli sono tre angeli irrequieti e sbiaditi, dei nostalgici estimatori dell'Empireo... Dei veri e propri parafulmini delle nevrosi moderne, mandati sul palco come incarnazione della spiritualità attuale, pronti ad assorbire come spugne il contemporaneo mal di vivere.

SINOSSI: Tre angeli irrequieti, nostalgici estimatori dell'Empireo, della contemplazione e della pace dei sensi, assorbono, loro malgrado, le angosce del genere umano. Spugne, parafulmini, idrovore del mal di vivere captano segnali di nevrosi e ritrasmettono potenti deliri e allucinazioni, convertono correnti avverse in good vibrations. Strumenti di una qualche volontà superiore, trasformano stati ansiosi in tisane e infusi, malesseri in materassi, complessi in amplessi ambosessi, fobie in fiabe e stress in strass.

Tre angeli aggressivi, pessimisti, cinici e caustici che si presentano agli umani come angeli 3.0 incarnazione della spiritualità moderna. L'uomo moderno identifica questi spiriti divini come creature funzionali alle proprie esigenze a cui votarsi per raggiungere la realizzazione dei propri desideri e bisogni terresti. Una spiritualità usa e getta e comoda, come cliccare “mi piace” in un social. Nel 2015 i tre angeli sono tirati per la giacchetta solo per prendere un bel voto all'università, rimorchiare oppure vincere al superenalotto. Un interesse momentaneo per il loro operato che getta sulle “ali” sempre più fragili dei tre, i mali e le brutture della vita contemporanea. Una condizione frustrante per queste creature celesti, che desidererebbero essere come in passato degli angeli custodi, che accompagnano l'uomo dall'inizio alla fine restando al loro fianco con fatica in tutti i passaggi della vita, figure che custodiscono l'unicità dell'individuo e la consapevolezza della sua originalità, che richiamano alle potenzialità inespresse e risvegliano, vocazioni, aspirazioni e slanci ideali.


E' un collettivo informale creatosi nel 2013 dall'incontro di Enrico Pittaluga, Graziano Sirressi, Luca Mammoli, Alessandro Bruni Ocana e Riccardo Pippa. Dopo essersi conosciuti alla Civica Scuola D'Arte Drammatica "Paolo Grassi" di Milano, hanno tutti percorso strade che li hanno portati a collaborare con diverse e importanti realtà del panorama teatrale nazionale. Anni dopo si ritrovano su proposta di Enrico Pittaluga, e a partire da una sua idea, danno vita collettivamente allo spettacolo: "Dopodiché stasera mi butto". GENERAZIONE DISAGIO nasce come esigenza artistica di dare voce a tematiche di una generazione di mezzo altrimenti non rappresentata. Mosso dalla voglia di creare qualcosa di proprio, il gruppo si distingue fin da subito per la grande capacità di coinvolgimento e di attrazione di artisti, amici e collaboratori che prestano la loro opera e i loro consigli al progetto (video maker, illustratori, costumisti, scenografi e altri attori). GENERAZIONE DISAGIO non è una compagnia teatrale fissa, ma un luogo di incontro di diversi artisti che convergono per lavorare su tematiche condivise che cambiano da progetto a progetto. Si prefigge di essere aperto e sociale, popolare e inclusivo. GD si rivolge a una nuova collettività, una identità allargata, una classe sociale nell'era dell'annullamento delle classi sociali. GD parla di una condizione comune: l'avere fatto del disagio la nostra condizione abituale. Il gruppo collabora con molte realtà artistiche e culturali e al momento porta in scena i suoi due spettacoli “Dopodiché stasera mi butto” co-prodotto dall'associazione culturale Proxima Res e “Karmafulminien – figli di puttini” prodotto dal Teatro della Tosse di Genova.


Via Giulia, 20 – Roma - Info: +39 06.89239515 - +39 389.4679285 -

Costo Biglietti: intero 25 €; ridotto 18 € Over 65 e Under 26; 10 € per gruppi – info@altacademy,it

Dal martedì al sabato h. 21,00 – Domenica h. 17,00

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Roma, 6 maggio: Nanni Moretti legge Ginzburg e Parise

Dom 6 Maggio | 11:00 | Sala Petrassi Dom 6 Maggio | 17:00 | Sala Petrassi

Nanni Moretti - Legge Ginzburg e Parise

Promozione : biglietto ridotto a 6,00 euro anziché 8,00.

Come fruire della promozione: porta questa mail al botteghino, anche su smartphone, o scrivi a

Nanni Moretti torna all'Auditorium Parco della Musica con un doppio appuntamento dal titolo “Moretti legge Ginzburg e Parise”. Domenica 6 maggio alle ore 11 e in replica alle ore 17 in Sala Petrassi, il regista, attore, sceneggiatore e produttore, vincitore di numerosi premi italiani e internazionali leggerà alcuni estratti tratti dai "Sillabari" di Goffredo Parise e da "Caro Michele" di Natalia Ginzburg. Sillabari e Caro Michele, letti da Moretti, sono due audiolibri pubblicati rispettivamente nel 2012 e nel 2016 dalla casa editrice Emons Edizioni.

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Mantova, 30 aprile: proiezione di “Quando corre Nuvolari” di Tonino Zangardi

Lunedì 30 aprile alle ore 20,30 al Cine-Teatro L'Aura (Vicolo di Pietra Papa, 64 angolo con Via Blaserna, 37, zona Viale Marconi) ci sarà un'omaggio al Regista Tonino Zangardi alla presenza di Marco Zangardi e tutto il cast del film. Le proiezioni continueranno fino a domenica 6 maggio.

Il programma completo sul sito del Cine-Teatro

Tazio Nuvolari, un uomo, un mito, una leggenda. La sua storia, la sua personalità magnetica, le sue imprese a bordo della sua quattro ruote, dopo aver riempito le pagine dei rotocalchi degli anni '30 e ispirato Lucio Dalla finisce sul grande schermo con una pellicola, diretta da Tonino Zangardi il regista romano che è mancato il 19 febbraio, intitolata “Quando corre Nuvolari”. Il film, girato nel 2016 con moltissime riprese anche nel Mantovano e che volutamente è stato realizzato in bianco e nero, grazie alla raffinata fotografia diretta da Gianluca Gallucci, sviscera a 360 gradi e per la prima volta nella storia del cinema, la vita professionale e privata del grande pilota che ha lasciato un segno indelebile nel cuore degli appassionati del mondo delle quattroruote e nel mondo delle corse. Tazio Nuvolari è stato il più grande pilota automobilistico del ‘900, per il suo coraggioso modo di guidare, per le vittorie nel mondo ottenute e per le decine di incidenti quasi mortali in cui si è salvato. La sua vita è stata una continua sfida con la morte. Tutto inizia con la 1000 miglia del 1948, quando Tazio diventa leggenda. Oltre cinquantenne, conduce la gara in testa fino a pochi chilometri dal traguardo, tradito dalla sua Ferrari 166 SC che lo abbandona definitivamente dopo aver perso il cofano del motore a Gualdo Tadino. E proprio con quest'oggetto recuperato a suo tempo da un bambino, e nascosto per anni nel casolare del nonno Mario, parte la nostra storia. La storia di Mario che viaggia verso Mantova per riportare il cofano nella città dove il Campione è vissuto fino alla sua morte, raccontando a suo nipote la grande storia di Tazio Nuvolari: il grande amore con Carolina, i suoi amici/nemici come Achille Varzi, il suo rapporto con Enzo Ferrari, l'amante segreta, l'incontro con Padre Pio e le tragedie che la morte gli ha riservato. Un lungo flashback pieno di emozioni e poesia fuori dalle corse in un'inedita storia che mai nessuno ha raccontato. Un viaggio, un sogno, una leggenda raccontata e impressa nella pellicola grazie al talento del regista Tonino Zangardi e dell'intero cast tra cui spiccano Brutius Selby, attore teatrale italo-britannico, che ricorda in maniera impressionante il grande Tazio Nuvolari e veste i suoi panni in maniera incredibile, Linda Messerklinger, la moglie di Tazio, Alessandro Haber, il "nonno" ed Edoardo Purgatori nel ruolo di Achille Varzi. Completano il cast: Antonella Bavaro, Enrico Bergamasco, Francesca Della Ragione, Andrea Dolcini, Miriam Galanti, Celeste Haber, Christian Marazziti, Daniele Monterosi, Ines Nobili, Maria Sofia Palmieri.

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Kin, il trailer del film di fantascienza con Dennis Quaid e James Franco

Esce negli States il 31 agosto Kin, film di fantascienza diretto da Jonathan & Josh Baker e interpretato tra gli altri da Dennis Quaid e James Franco. Vi mostriamo il trailer di Kin, che storia racconta del giovane Eli (Myles Truitt) in un futuro distopico, dove si trova a dover difendere padre (Quaid) e fratello maggiore (Jack Reynor) da un pericoloso criminale (Franco), con l'aiuto di una misteriosa potente arma. Registi di cortometraggi, i due esordienti autori hanno tratto Kin proprio dal loro corto omonimo, grazie all'interessamento della Lionsgate.
Nel cast anche Zoe Kravitz e Carrie Coon.

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Arrivano i prof e le altre commedie che si insinuano tra i banchi di scuola

Quante volte il cinema ci ha mostrato mondi lontani per farci volare con l'immaginazione? Tante. Quante volte il cinema ci ha mostrato mondi vicini per dare un punto di vista su cose che conosciamo benissimo? Altrettante. Le storie dei film ci portano nello spazio, in Antartide, nella foresta amazzonica, tra i fondali marini o in cima all'Himalaya, altre volte ci portano in ufficio, a casa di amici, in vacanza oppure a scuola. Ecco, la scuola è affrontata anche dalla commedia Arrivano i prof, dal 1° maggio nelle sale, diretta da Ivan Silvestrini. Ribaltando un po' la situazione che avevamo visto nel recente Classe Z in cui i peggiori studenti di un liceo erano confinati nella stessa classe, Arrivano i prof raduna i peggiori professori in circolazione per tentare di alzare la percentuale di diplomati in un istituto che detiene il record di bocciature.

La storia in realtà si ispira a Les Profs, film non distribuito in Italia, a sua volta ispirato a un comic book francese. Claudio Bisio, Lino Guanciale, Maurizio NichettiRocco Hunt, Shalana Santana, Pietro Ragusa e Maria Di Biase sono i sette rivoluzionari insegnanti che non sono stati capiti altrove e forse stavolta hanno una chance per essere rivalutati. L'obiettivo assegnato loro dal provveditore e dal preside è quello di portare le promozioni almeno al 50%. Ognuno col suo personalissimo metodo di insegnamento, potrebbe far capire ai ragazzi quello corpo docente sopra le righe tiene davvero a loro.

Vogliamo ricordare invece cinque titoli del passato che si sono insinuati tra i banchi di scuola? Ispirandoci però a Arrivano i prof, cerchiamo commedie ambientate al liceo o in una high school, quindi niente Harry Potter (è un fantasy), niente School of Rock o Io speriamo che me la cavo (studenti piccoli), niente L'attimo fuggente (drammatico). Abbiamo detto dunque commedie liceali e sentitevi liberi di allungare la lista nei commenti o di andare in presidenza a protestare. Se volete andare in bagno, non serve alzare la mano, andate pure.

Forse il più popolare film italiano tra gli studenti a ridosso della maturità. Ci ha visto lungo all'epoca Fausto Brizzi, non solo per aver concepito una storia, scritta con Marco Martani e Massimiliano Bruno, sul periodo catartico della vita di un adolescente, ma anche per la scelta astuta di ambientarla negli anni 80. Il regista catturava così l'interesse sia il pubblico di nostalgici che c'erano passati, sia dei teenager degli anni 2000. Il film ha avuto una sorta di remake due anni più tardi intitolato Notte prima degli esami - Oggi in cui l'ambientazione era contemporanea. Nicolas Vaporidis era protagonista di entrambi i titoli, mentre il ruolo principale femminile è stato interpretato nel primo film da Cristiana Capotondi, nel secondo da Carolina Crescentini.

Anche questo film è diventato a suo modo un classico. Ambientata in un liceo del Michigan, la storia ruota intorno alla comprensibile fissazione dei teenager con uno scoglio da superare: la verginità. La scuola è sempre stata il luogo dei primi amori e delle prime tempeste ormonali e qui si ironizza (non proprio finemente) sull'argomento e sull'imbarazzo degli impacciati maschietti, ma l'operazione del film è quella di esorcizzare l'ansia ridendoci sguaitamente sopra. Memorabile, che lo si voglia o meno, la scena della crostata di mele con Jason Biggs. Il film ha avuto sette sequel, quattro dei quali usciti per il mercato dell'home video, e uno spin-off.

Ok, c'è un elemento fantasy, ma non cambia i connotati di questa commedia liceale in cui c'è bullismo, pulsioni sessuali, feste sopra le righe, desiderio di rivalsa, dirigenti scolastici antipatici e lo sport. Michael J. Fox l'ha girato prima di Ritorno al futuro ma, quando i produttori hanno saputo del suo coinvolgimento in un film di Robert Zemeckis prodotto da Steven Spielberg, lo hanno congelato per farlo uscire un anno più tardi. L'attore è diventato una star e quello che sarebbe probabilmente stato un film con un lupo mannaro dimenticabile, si è trasformato in un piccolo cult.

Questo commedia è una piccola gemma che anche a più di trent'anni dall'uscita in sala continua a brillare. I banchi di scuola del film sono un luogo che non vediamo mai insieme al personaggio principale, Ferris Bueller interpretato con grande carisma da Matthew Broderick, perché lui ha altri piani. L'abilità e la sfrontatezza con cui Ferris schiva le responsabilità è un dono che ogni studente di qualunque generazione avrebbe voluto o vorrebbe avere. Il ragazzo è giovane, ma la sa lunga più di qualunque altro adulto, cade sempre in piedi ed è, come se non bastasse, idolatrato da tutti. La sua assenza a scuola lo rende ancora più popolare.

Il bullismo non ha sesso. Dopo aver trascorso l'infanzia e l'adolescenza in Africa con i suoi genitori, la quindicenne interpretata da Lindsay Lohan pensa di essere piuttosto esperta di tecniche di sopravvivenza. Ma l'espressione "legge della giungla" assume un significato del tutto nuovo per lei quando mette piede per la prima volta in un liceo e si trova alle prese con le guerre psicologiche e le regole non scritte tra cui le ragazze di oggi sono costrette a districarsi. Questo piccolo cult scritto dalla geniale Tina Fey, coglie splendidamente i drammi degli studenti rivisitandoli in chiave altamente ironica.

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The House That Jack Built: le prime immagini dell’atteso film di Von Trier che esordirà a Cannes 2018

Si inizia a parlare del nuovo film di Lars Von Trier per ragioni strettamente cinematografiche; era ora. Le polemiche sulla fine del bando a Cannes come persona non grata hanno ottenuto tutta l’attenzione, quando in realtà The House That Jack Built promette emozioni forti per gli spettatori: quelli che lo vedranno a Cannes e quelli all’uscita in sala. Probabile che non siano troppo giovani, visto che le prime immagini diffuse oggi da IFC Films fanno pensare a un possibile divieto. Scritto e diretto dal folle danese, racconta le vicende di un serial killer all’opera negli Stati Uniti durante gli anni Settanta. Il Jack del titolo, interpretato da Matt Dillon, sembra intimidire fin da queste prime immagini, perfettamente a suo agio nei panni dell’assassinio seriale. Promettente anche il ritorno di Uma Thurman in un film di Von Trier dopo la grande performance in Nymphomaniac.

Insieme a loro, nel film recitano anche Bruno Ganz, Siobhan Fallon Hogan, Riley Keough e Jeremy Davies. Appuntamento al Festival di Cannes, fra poche settimane, mentre l’uscita in sala non è ancora decisa. Qui di seguito le prime immagini del film.

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Avengers Infinity War: da oggi nei cinema USA, intanto da noi incassa un altro milione

Nei cinema italiani è arrivato con due giorni di anticipo, per sfruttare la giornata festiva del 25 aprile. Ma il grande debutto di Avengers: Infinity War, il nuovo film Marvel diretto dai fratelli Russo, è previsto per oggi con l'uscita in migliaia di sale degli Stati Uniti.
Al boxoffice italiano, il film che riunisce la numerosissima squadra di supereroi Marvel, ha già raggiunto quota 4 milioni di euro in soli due giorni di programmazione su circa 1000 schermi del nostro paese. Ai 3 milioni del giorno di debutto, si è aggiunto, infatti, un altro milione nella giornata di ieri. Al momento più di mezzo milione (534.717, per la precisione) gli spettatori italiani che hanno visto il terzo capitolo degli Avengers

Vi diamo appuntamento a lunedì per vedere insieme quali saranno stati i risultati al boxoffice di casa nostra e soprattutto degli USA. Riuscirà il film a battere qualche nuovo record? Ricordiamo che il primo Avengers aveva registrato un incasso di debutto, nel maggio del 2012, di 207,4 milioni di dollari, mentre il secondo, Age of Ultron, si era fermato poco sotto i 200 milioni, con un incasso di esordio, nel maggio del 2015, di 191.271.109 dollari.

Il Trailer Italiano Ufficiale di Avengers: Infinity War

La nostra recensione del film Avengers: Infinity War

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The Predator, rivelata la sinossi del reboot di Shane Black

The Predator, reboot del celebre franchise, esce in America il 14 settembre. Il film di Shane Black, che dell'originale Predator con Arnold Schwarzenegger nel 1987 fu uno degli interpreti, riceve adesso finalmente una sinossi ufficiale che possa placare la sete dei fan. Almeno dei fan non troppo preoccupati. Il testo recita quanto segue:

Dai più remoti angoli dello spazio alle piccole periferie urbane, la caccia bussa alla porta di casa nell'esplosiva reinvenzione della serie Predator a firma Shane Black. Adesso i più letali cacciatori dell'universo sono più forti, intelligenti e mortali che mai, dopo essersi migliorati geneticamente usando il DNA di altre specie. Quando un ragazzino per errore attiva il loro ritorno sulla Terra, soltanto una scassata banda di ex-soldati e uno scontento insegnate di scienze potranno prevenire la fine della razza umana.

La sinossi sembra intrigante perché non abbandona un certo margine di umorismo. The Predator non è il primo tentativo di reboot del marchio: qualcuno ricorderà Predators del 2010 con Adrien Brody, accolto con una certa freddezza (ma passabili incassi: 127 milioni di dollari nel mondo per 40 di costo). Questa volta però la Fox fa molto più sul serio, con un budget più sostenuto e un cast che include Thomas Jane, Jacob Tremblay, Jake Busey e persino il buon vecchio Edward James Olmos.

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Suspiria, il primo poster del remake di Luca Guadagnino

Dopo il successo di critica e pubblico di Chiamami col tuo nome, il regista Luca Guadagnino si sta coraggiosamente proponendo per un progetto ben diverso, che già non ha mancato di attirargli critiche (preventive): il remake di Suspiria, ormai in dirittura d'arrivo entro l'anno in corso, distribuito negli States da Amazon. Siamo ancora in attesa di una data d'uscita italiana, ma nel frattempo possiamo proporvi il teaser poster, arrivato dopo la presentazione di alcune sequenze al CinemaCon di Las Vegas.
Suspiria racconta di una giovane ballerina americana interpretata da Dakota Johnson, che comincia a frequentare la Compagnia Markos Tanz nella Berlino degli anni 70, prima di realizzare che la sua tutor Madame Blanc (Tilda Swinton) ha qualcosa da nascondere...

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Bohemian Rhapsody, nuove immagini di Rami Malek nei panni di Freddie Mercury

Uscirà negli States il 2 novembre Bohemian Rhapsody, biopic su Freddie Mercury, concentrato sulla sua unione con i Queen e sulla sequela di successi tra gli anni Settanta e Ottanta. Sono state diffuse in rete nuove immagini (tra cui una di EmpireRami Malek nei panni dell'iconico cantante deceduto nel novembre del 1991: l'attore reso famoso dalla serie Mr. Robot (due volte nomination ai Golden Globe) sembra essersi calato perfettamente nel ruolo, almeno dal punto di vista fisico, con una somiglianza notevole. L'avevamo già intuito tempo fa quando apparve online la prima foto, ora ne abbiamo l'ulteriore conferma. La foto di Empire vede Malek impegnato nella ricostruzione della performance dei Queen al Live Aid nel 1985.
Il cast del film di Dexter Fletcher, subentrato a Bryan Singer che ha lasciato il set a dicembre, comprende Mike Myers, Aidan Gillen e Tom Hollander, con Joe Mazzello, Ben Hardy e Gwilym Lee a interpretare gli altri membri della band.

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Tu mi nascondi qualcosa

Un film corale, una sorta di versione italiana delle romantic comedy
* * 1/2 - - (mymonetro: 2,50)

Regia di Giuseppe Lo Console. Con Giuseppe Battiston, Stella Egitto, Sarah Felberbaum, Rocio Munoz Morales, Rocco Papaleo, Olga Rossi, Alessandro Tiberi, Eva Robin's, Simon Grechi, Antonino Bruschetta, Jonis Bascir.
Genere Commedia - Italia, 2018. Durata 87 minuti circa.

Valeria aiuta il padre nell'agenzia di investigazioni Occhio Segreto, specializzata in infedeltà: ma un errore dell'agenzia fa sì che un clown, Francesco, scopra che la sua compagna lo tradisce. Valeria si sente responsabile della rottura fra i due e cerca di aiutare Francesco a superare il dolore per l'abbandono della ex compagna. Linda è un'attrice porno di successo con un fidanzato aspirante scrittore, Ezio, che riceve continui rifiuti dalle case editrici. L'insicurezza di Ezio lo porta a credere che Linda abbia una relazione con un suo compagno di set, più bello e dotato di lui. Alberto, imprenditore edile, viene ripescato in mare vicino alla costa tunisina e non ricorda nulla della sua vita precedente: comprese le sue due mogli, l'italiana Irene e la tunisina Jamila, dalle quali Alberto ha avuto un figlio a testa.

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