domenica 31 luglio 2016

Altilia Samnium Festival, 1 e 2 agosto: Stefano Sabelli in RE LEAR in prima assoluta

30 luglio / 7 agosto 2016
Altilia Samnium Festival
SHAKESPEARANDO, e non solo!
400 anni … di notti, sogni, rumori e tempeste
Ideazione: Teatri Molisani
Direzione artistica: Stefano Sabelli

Lunedì 1 agosto e martedì 2 agosto - ore 21
Compagnia del Teatro del LOTO
Stefano Sabelli
RE LEAR

studio attivo itinerante: famiglia, tempesta e follia
da William Shakespeare
tradotto da Alessandro Serpieri
e con in o.a. Pasquale Arteritano, Marco Caldoro, Piero Grant, Giulio Maroncelli, Michele Manocchio, Lorenzo Massa, Bianca Mastromonaco, Michela Ronci, Fabrizio Russo, Eva Sabelli, Gianluca Vicari

Adattamento e regia Stefano Sabelli
Impianto scenico Michelangelo Tomaro
musiche dal vivo Bukurosh Balkan Orchestra di Riserva MOAC

PRIMA ASSOLUTA

Teatro romano - Scavi archeologici di Altilia, Sepino (CB)

A quattrocento anni dalla morte del Bardo, in un'atmosfera balcanica da frantumazione di frontiere, nello scenario di Altilia Re Lear, che dopo Saul, compone il secondo capitolo del focus che la Compagnia del LOTO dedica alla decomposizione della Famiglia, alla Follia senile e alla caducità di Re e Regni. Il lavoro, nella nuova versione dell'opera tradotta da Alessandro Serpieri, sarà presentato come studio attivo e itinerante, teatralizzando in tre distinte aree del parco archeologico, tre grandi corpi e temi di questa versione del capolavoro di Shakespeare: Famiglia/Festa gitana, Tempesta/Catarsi, Follia/Ricongiungimento. Lear, stanco Re zingaro, divide il suo Regno e il suo bel Carro gitano, fra due figlie adulatrici che, come in un concorso di bellezza, si fanno incoronare con civettuolo cinismo Miss di Regioni, ormai divise. Sentenziando che “dal Nulla nasce Nulla”, il vecchio Re, ripudia però la terza figlia, quella più amata, che “nulla” aveva chiesto in dote, rifiutando lo show e le lusinghe interessate delle sorelle. È l'inizio della fine! Tutto si decompone mentre esplodono ritmate fanfare Gipsy che annunciano l'implosione del Regno. Edmund, figlio illegittimo del vecchio Gloucester, lancia le sue calunnie contro il fratellastro Edgar e contro Lear, cosa che lo rende carne assai seducente per l'avida lussuria di Gonneril e Regan, che se ne litigano le attenzioni. Lear, nel frattempo, più pazzo del suo Pazzo, non trova più luogo e sosta per il suo debordante ed invadente carrozzone da giostraio. Mentre barbarie e cecità travolgono tutto, il Grecale annuncia la tempesta in un'ampolla di vetro che scardina le menti e il nomadismo del vecchio Re perde, col Regno, la sua Rosa dei venti.

I prossimi spettacoli:

Mercoledì 3 agosto ore 21 Basilica Foro Valter Malosti LO STUPRO DI LUCREZIA di W. Shakespeare suono e programmazione luci G.u.p. Alcaro costumi Federica Genovesi produzione: Teatro di Dioniso col sostegno del Sistema Teatro Torino.

Venerdì 5 agosto ore 21
Teatro romano Simone Sala SALA plays SHAKESPEARE con la partecipazione di Stefano Sabelli a seguire La Cineteca Nazionale presenta la versione restaurata di OTHELLO di Orson Welles

Sabato 6 e Domenica 7 agosto ore 21
Teatro romano Silvia Gallerano LA LOCANDIERA o l'Arte per Vincere di Carlo Goldoni adattamento e regia Stefano Sabelli con in o. a. Claudio Botosso - Giorgio Careccia - Chiara Cavalieri Diego Florio - Giulio Maroncelli - Andrea Ortis - Eva Sabelli musiche in scena Piero Ricci scene Lara Carissimi - Michelangelo Tomaro costumi Martina Eschini - disegno luci Daniele Passeri produzione: Libero Opificio Teatrale Occidentale di TeatriMolisani soc.coop. In collaborazione con ASTI TEATRO 38

I pomeriggi del festival:
Area archeologica dalle 18 – su prenotazione SHAKESPEARE IN THE BOX Shakespeare visto dai bambini laboratori attivi coi personaggi shakespeariani

dalle 19 – su prenotazione
SHAKESPEARE APERITIVE Passeggiate archeologiche al tramonto con aperitivo prima degli spettacoli a cura di MEMO Cantieri culturali e Teatro del LOTO info prenotazioni +39 329 4593123 – memosepino@gmail.com

biglietti spettacoli
interi € 15 – ridotti € 10

Maggiori informazioni su:
www.teatrodelloto.it

Teatro del Loto
P.zza Spensieri 17 . Ferrazzano (CB)
cell: +39 335 454456 +39 333 3300850
segreteria +39 335 454456 +39 339 7766634
direzioneartistica@teatrodelloto.it - amateatro@yahoo.it
info@teatrodelloto.it



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Frodo lives! and so do his franchises

Lord of the Rings coloring book 2016

Given the saturation of fantasy, sci-fi and superhero films we experience today, not to mention how frequently we quote from Lord Of The Rings, it bears reminding now and again (not too obsessively, mind) just what a game changer Lord Of The Rings was.

Jordan Alcock

Kristin here:

A little over ten years ago, in April 0f 2006, I finished the manuscript of The Frodo Franchise: The Lord of the Rings and Modern Hollywood (University of California Press, 2007). Given that I had previously written books and essays on films by such auteurs as Sergei Eisenstein, Jacques Tati, Jean-Luc Godard, Jean Renoir, and Robert Bresson, those who knew my work were perhaps bemused by this change of direction.

I had decided to tackle this project, which proved to be an enormous but richly rewarding one, in 2002, after the release of the first part of The Lord of the Rings, The Fellowship of the Ring (December, 2001). Already it was apparent to me that Peter Jackson’s adaptation would be an enormously influential film, to the point where, whether or not one likes the movie itself, it would be among the most historically important films ever made. New Line used the internet to promote it at a time when it was still not common for a film to have its own studio-created website. The cooperation between the filmmakers and the video-game designers was unprecedented. The extended-version DVD releases, arriving only five years after the introduction of the format, had unique depth and breadth. The impact of its technical innovations, particularly in digital special effects and color grading, was enormous. The film’s success boosted the many independent producers around the world who had largely financed it. Not to mention the ways in which the movie transformed New Zealand through tourism, a small but sophisticated and thriving film industry, and a surge of national pride. The film and the franchise impacted the Hollywood industry in almost any way one could imagine.

In 2002, to believe all of this was going to happen and to commit to spending time, money, and effort in researching all these topics required something of a leap of faith. It was one I was confident in making. Uncharacteristically for a historian, I made some predictions about the lasting power of LOTR and its franchise. This risk was inevitable, given that I was writing about a lengthy ongoing event, one which clearly would last far into the future. The book begins: “The Lord of the Rings film franchise is not over, not will it be for years.” [p. XIII] Later I specified:

The franchise is not nearly over. Middle-earth-themed video games continue to appear. Additional licensed toys and collectible items are still being brought out. Fan activity remains lively in cyberspace and the real world. The phenomenon has reached into international culture in ways that go far beyond the commercial confines of the franchise. Politics, education sports, and religion all reflect the influences of the film. An extinct race of tiny people discovered on a Pacific island was instantly dubbed “hobbits” by headline writers and even the scientists who discovered them. [pp. 9-10]

I was reminded of these claims by two recent events. First, last week’s Comic-Con included, as usual, a Weta Workshop booth, and, as usual, several of its popular limited-edition collectible figures from LOTR were debuted there. Second, on June 23, Jordan Adcock posted an intriguing article, “Can fantasy films escape Lord of The Rings’ shadow?” on Den of Geek.  Yes, thirteen years after the release of The Return of the King (December, 2003) and ten after I ended the coverage in my book, the franchise goes on, as does the influence of Peter Jackson’s film. The number of products and tie-ins is far smaller than at the height of the films’ releases, but it seems to have settled down to a steady flow.

This combination suggested that it is an opportune time to point out that this film is still influencing the fantasy genre–perhaps too greatly–and that its franchise, though reduced, rolls on. I don’t think I was being terribly prescient in predicting all this, but it’s a bit of a relief to find out that I was right.

 

Collectibles, video-games, and more

Grond collectible figure, Weta Comic-Con booth 2016

Fans and collectors continue to purchase LOTR studio-licensed and fan-generated items of all sorts. Some of these are from the era of the film’s release, and some are new. A search on “Lord of the Rings” in the collectibles category on eBay generates 13,476 items, only a small percentage of which are related to products relating to the novel’s franchise or that of the 1978 Ralph Bakshi film. Some of the upscale and/or rare items sell for hundreds of dollars. There is still a demand.

In my book I made no effort to catalog all the products made to that point. In fact, I don’t think it would have been possible, unless I had had access to New Line’s records of its licensing contracts. Besides, that wasn’t part of the purpose of the book. In discussing licensed products, I was more interested in digital technology had affected what sorts of items were made. There was the motion-capture for the video games, for example. There were the DVDs–a format introduced as recently as 1997, the year when Miramax signed a contract with Saul Zaentz, thus obtaining the rights for Peter Jackson to make LOTR. (In Chapter 7 I give a little history of the introduction of DVDs and the part LOTR played in the studios efforts to move from rentals to purchases of home video.) There was the facial scanning of the actors for the action figures. There was, however, a dizzying array of hundreds, or more likely thousands of other, more conventional products licensed around the world. I once bought a lottery ticket in London not because I hoped to win a prize but because it was LOTR-themed and had a picture of Elijah Wood as Frodo on it.

Here I just want to give a few examples to show that New Line-licensed products are continuing to appear. I won’t include any Hobbit-based licensed products except in passing. Obviously the second trio of films extended the original franchise, but here I am only concerned with the longevity of the LOTR’s ability to generate more products and to influence the fantasy genre.

I mentioned the Weta Workshop collectible figures, which continue to be among the most popular products among devoted fans. The main fan-site, TheOneRing.net (Disclosure: I am a member of the staff) annually posts a video tour of the Weta booth at Comic-Con. This year’s video, Collecting the Precious-Weta Workshop Comic-Con 2016 Booth Tour (by TORn staffer Josh Long, about 18 minutes), lovingly moves over the glass cases containing the new items, including statues of Lurtz and Boromir enacting the latter’s death scene late in Fellowship. There’s also a big piece with the battering-ram, Grond. (I have a sentimental attachment to Grond, since it was the only one of the large miniatures made by Weta Workshop that I saw during my 2003 tour of facilities at Stone Street Studios. See above for the miniature version of the minature.) In watching the video, I didn’t keep count, but although over half of the figures are from The Hobbit, there are quite a few LOTR ones as well.

I have lost track of all the Middle-earth-based video games that have appeared since the last one the book covered: “The Battle for Middle-earth” (released on December 6, 2004, and, as far as I can tell, still in print). It was the fourth, and the first to concentrate on battles and strategies rather than on the plot of the movies themselves. By now here have been 22 of them, according to the “Middle-earth in video games” entry on Wikipedia, the most recent being “Middle-earth: Shadow of Mordor” (2014). Its action takes place between that of The Hobbit and of LOTR. The total given above includes “Lego The Lord of the Rings.”

Lest one think that the only products are expensive ones aimed at the most enthusiastic core fans and dedicated gamers, I should mention that there are less pricey items. Inevitably, given the recent fad for adult coloring-books, there is one based on LOTR, list price $15.99, released May 31 of this year. (See top.) I expect a Hobbit one will follow. Warner Bros. has continued to bring out a film-based LOTR wall calendar each year. You can already pre-order the 2017 one, due out on September 15.

 

 The posthumous career of J. R. R. Tolkien

The lord of the Rings The Card GAme

As I pointed out in The Frodo Franchise, there has long been a franchise based around Tolkien’s original novels, which I discussed briefly. Lest we think that the film franchise must inevitably fade, it is worth noting that HarperCollins, Tolkien’s publisher, has kept the novel-based one going for decades after the author’s 1973 death.

There are, for example, numerous games like “The Lord of the Rings: The Card Game” (judging from the comments on Amazon, this must have appeared in 2013). HarperCollins publishes its own calendar, based on Tolkien’s work as a whole rather than just LOTR. Many do center on LOTR, often featuring the work of a major Tolkien illustrator. With The Hobbit having been published in 1937, however, its 80th Anniversary is being featured for 2017, also available for pre-order.

The Tolkien-based franchise items tend to be somewhat more dignified than many of the film-derived ones. This is especially true given that many of the products consist of new or reissued works by Tolkien.

Non-fans of the books may not be aware that the Tolkien publishing juggernaut goes on as well. These are not all cobbled-together variants of existing Tolkien works. Actual new texts by him appear at intervals as his son Christopher Tolkien slowly releases editions of unfinished manuscripts by his father. By now Tolkien has far more literary works published posthumously than during his lifetime, even if one does not count Christopher’s epic assemblage of the drafts for LOTR in the twelve thick volumes of “The History of Middle-earth.” (Tolkien was a notorious non-finisher and left behind many incomplete academic manuscripts as well.)

Earlier this year there appeared The Story of Kullervo, retold by Tolkien from the Finnish epic The Kalevala. Amazingly, a second is due this year: The Lay of Aotrou and Itroun (out November 3). These poems, both with historical and formal analysis by notable Tolkien scholar Verlyn Fleiger, are not for the broad audience of Tolkien fans, but they obviously generate enough interest among core devotees and scholars to be worth publishing.

Tolkien was a talented amateur artist who occasionally illustrated his own work, most notably The Hobbit, and drew many sketches and maps to help him visualize Middle-earth. The ones for LOTR were published last October as The Art of The Lord of the Rings.

There are also, of course, as many different new editions of The Hobbit and The Lord of the Rings as the publishers can possibly justify in some fashion. Every now and then a “gift edition” with new illustrations appears. The one tied to the 80th anniversary of The Hobbit is a version illustrated by Jemima Catlin, announced for early next year. On September 22, the long-delayed facsimile of the first edition of The Hobbit is due to appear. (As I recall, it was originally supposed to be part of the 75th anniversary celebration.) This facsimile is of considerable interest to fans and scholars alike, since Tolkien revised portions of the original tale. Most notably, it contains a very different version of the famous riddles scene between Bilbo and Gollum, in which the Ring is introduced in a way completely incompatible with the premises concerning it established later by Tolkien in LOTR.

Even bits of film and audio recordings of Tolkien occasionally resurface. On August 6 at 8 pm London time, BBC Radio 4 will broadcast of “Tolkien: The Lost Recordings.” This program is based around some newly rediscovered audiotapes of outtakes from the BBC’s 1968 documentary, Tolkien in Oxford.

 

Fantastic stories and where to find them

Golden Compass poster

Jordan Alcock’s “Can fantasy films escape Lord of the Rings‘ shadow?” was inspired by the release and failure of Warcraft: The Beginning. He uses the occasion both to explain why the Jackson’s LOTR trilogy so dominates conceptions of filmic fantasy and to suggest how Hollywood might make films that won’t be compared to it and inevitably found wanting.

Alcock largely credits the film’s lingering impact to the depth and plausibility of its visual rendering of Tolkien’s invented world, Middle-earth. He spends some time describing how Tolkien, with his brilliant command of history and ancient languages, managed across his lifetime to develop a consistent, appealing continent with different races, languages, countries, and landscapes, as well as its own history. Jackson’s film manages to create “a fantasy world with both digitally-aided grandeur and a practical, lived-in feel […] Jackson recreates Tolkien’s precision of time and setting.”

Certainly the film’s production design, its New Zealand locations, and its cinematography creates a Middle-earth that impressed even the film’s harshest critics. Its treatment of the plot and characters, though less successful overall, stuck far closer to the novel than did the more recent Hobbit trilogy. (See here, here, here, and here for my comments on the strengths and failures of the three parts of the latter.) Long-time fans like me forgave LOTR a lot, including added schoolboy humor and Arwen supposedly dying, for the visuals and the music and the near-perfect casting. And, as David, who has never read Tolkien, remarked to me when we walked out of theater after his first viewing of Fellowship, “Well, it’s better than Star Wars!” Within the fantasy genre, LOTR probably is the finest achievement in modern American moviemaking. It is no wonder that subsequent films, even twelve years later, are seen by critics either as pale imitations of it or as failed attempts to create a different but equally dense and coherent fantastical world.

Alcock’s hints at how filmmakers might avoid such problems, but in the process he also admits that his solutions are nearly impossible to achieve. First, he points out that the fantasy world need not be created across several decades–and yet if it isn’t, it will not measure up.

Authors and screenwriters don’t have to go away and devote the rest of their lives [to] creating a universe as large and self-sustaining as Tolkien’s, but against such a brilliant creation done such justice, all other attempts feel a little short-termist.

I assume “done such justice” refers to Jackson’s film, the implication being that the screenwriters need not necessarily invent an entire world but might find it ready-made in a literary work. The fact that the Harry Potter serial achieved such fierce fan devotion and high BO seems to confirm that. Though not an impressive stylist, J. K. Rowling shares with Tolkien a remarkable imagination when it comes to making the Wizarding World vivid to readers. She also anchors it just enough in the real world to make it appealing and easy to relate to. Her novels bear almost no resemblance to LOTR, apart from the fact that the Dementors seem derived from the Black Riders. To a considerable extent, the strongest aspects of the film adaptation’s version of Rowling’s world parallels that of LOTR, superb design and excellent casting being perhaps foremost among them.

Creating an original screenplay with a similarly original world, however, seems an extremely tall order. To be sure, it is not impossible. George Miller’s first Mad Max film was not a fantasy but an action-revenge film shot on the cheap with an unknown star-to-be. Its success, probably based on skillful direction and an appealing actor, allowed Miller to transform Max’s ordinary Australian Outback into a distinctive fantasy world, a post-apocalyptic Wasteland. This, too, was fairly low-budget, requiring little more than a desert, a bunch of eccentric, souped-up vehicles, and a team of daredevil stunt performers. Even greater success allowed the third film a big Thunderdome set, some modest special effects, and a second star. Most recently Miller gained a blockbuster-size budget for special-effects, an Oscar-winning co-star, and a multiplication of the weird vehicles. This is not to say that Miller’s created world is as complex as Middle-earth, but it has a visceral sense of reality and a distinctive look that set it apart from any other films, fantasy or not. But how often can you generate a Mad Mad-style franchise from almost nothing?

Alcock doesn’t mention it, but fairy tales have become a fallback option for Hollywood fantasy. Such films, adapting the originals into versions aimed at adults, have largely failed to catch on. (Given the recent failure of The Huntsman: Winter’s War, we might suspect that the success of Snow White and the Huntsman was due largely to the star power of Kristen Stewart, fresh off the Twilight series.) Fairy tales are sketchy stories with fantastical events and minimal characterization. They usually either take place more-or-less in our world or else spend little time describing the look of Faerie.The designers are left to their own imaginations to create conventional settings (most such films) or bizarre ones (Burton’s Alice films).

Following in the footsteps of the LOTR and Harry Potter filmmakers, finding a novel or other literary property with the built-in popularity to carry a big-budget special-effects film seems the way to go. Despite the plethora of fantasy novels since LOTR appeared in the 1950s, choosing just the right one has proven a considerable challenge.

New Line’s adaptation of The Golden Compass, the first book in Philip Pullman’s brilliant His Dark Materials trilogy, was creditable but not exciting enough to create a successful film, let alone a franchise justifying the expense. Perhaps the novel was too little known in the US. The same could be true for The BFG, another British children’s classic, which is doing even worse at the box-office. (The studio could at least have had the sense to rename it The Big Friendly Giant, though that probably would not counteract what I suspect was the public’s mistaken impression that the film was aimed strictly at children, and very young ones at that.)

Alcock carries on his speculations.

So how does a different fantasy film emerge from the shade that Middle-earth put over all the competition? Frankly, it’d have to be another masterpiece to do it. The problem is the cohesion of vision or sincerity of intent from these other would-be franchises.

“Make a masterpiece” is excellent advice but rather difficult to follow. It doesn’t always work, either. Probably the two best mainstream American films I saw last year were Mad Max: Fury Road and Pixar’s Inside Out. Both were fantasies. Neither, as far as I know, drew any comparisons to LOTR from critics or fans, so they did escape its shadow. Both were highly praised by critics and won Oscars. They may or may not be considered masterpieces in the long run, but they certainly could count as such in the context of contemporary Hollywood. One made lots of money and may eventually spawn a sequel, given Pixar’s growing penchant for such things. The other, given its hefty budget, probably did not make a profit, or at any rate not one that Warner Bros. would consider large enough to justify taking the franchise to a fifth film–unless, perhaps, Miller went for a lower-budget project. So making a masterpiece may help distance a film from LOTR, but it does not guarantee a more practical sort of success.

On the issue of vision or sincerity mentioned above, Alcock touches on one subject that I think helps explain why it’s extremely hard to produce successful fantasies that have not the slightest whiff of Middle-earth about them. His point also explains why we seem to be stuck in a dismal summer where every week the same set of interchangeable films come out. He discusses Hollywood’s failure to follow up the LOTR with a fantasy franchise that would avoid the inevitable comparisons to LOTR.

Just think of The Golden Compass, New Line’s attempt to create a new fantasy franchise out of Philip Pullman’s His Dark Materials, much more lukewarmly received and whose box office led to New Line’s end as an independent company. Now there’s food for thought–would Warner Brothers [sic], who own New Line as all but a label today, have really greenlit Lord of the Rings in its ultimate form?

I think we know that the answer to that question is almost certainly no.

In fact, LOTR actually did fail to get greenlit in its final form, though at a different major studio. As I describe in The Frodo Franchise, in 1998 Harvey Weinstein was planning to produce LOTR as a two-feature film directed by Jackson and with a budget of $140 million. When the project was a year and a half into the scripting and design process, Weinstein was called into Michael Eisner’s office at Disney, parent company of Miramax. Eisner demanded that he cut the film to one feature, made for $75 million. Jackson balked and persuaded Weinstein to put the project into turnaround for two weeks. Famously Jackson pitched it to Bob Shaye, founder and co-president of New Line, a man who knew the value of a franchise with a built-in fan base and proposed to make LOTR as three features.

Today’s New Line, a mere production unit of Warner Bros., could not undertake such a project on its own accord, and today’s Warner Bros. surely would not. With studios opting for the most established formulas, a film comparable in originality to LOTR being made, especially with all three parts shot simultaneously, would be little short of a miracle.

The only circumstance in which such things can happen would be an adaptation of a book so successful that it virtually guarantees box-office success. Warner Bros. undertook the Harry Potter series under such circumstances, given the overwhelming popularity of the book. That the resulting series of films pleased established fans and new audiences probably owes much to the fact that Rowling took an active role in consulting on the scripting and other aspects.

Today’s largely unappealing lineup of summer films (and I am writing here of mainstream Hollywood films, not including such original independent fare as James Schamus’ excellent Indignation) has been punctuated so far by two entertaining and satisfying items: The BFG and Pixar’s Finding Dorie. Both fantasies, one an undeserved box-office failure, the other a record-breaker. Which goes to show, I suppose, that good, non-LOTR-influenced fantasy (whatever its box-office record) rests with auteurs and Disney/Pixar.

 

Is television the answer?

David Roger accepts BAFTA

Like numerous other writers, Alcock offers Game of Thrones as a model for what fantasy films with richly realized worlds might be.

If Middle-earth has a “successor,” it’s Game of Thrones. Based on George R. R. Martin’s books, the TV series has come far closer to Lord of the Rings‘ immersive world-building and cultural impact than any other fantasy, and perhaps suggests how Lord of the Rings might be adapted today.

He is far from the only writer to offer Martin’s books and the TV series based on them as an example of successful world-building. Many would say, to be sure, that the shadow of Tolkien’s and Jackson’s influence hovers over it, but perhaps that does not matter. It has brought respected long-form fantasy to TV, just as LOTR brought it to the big screen. It has gradually achieved critical acceptance, garnered a healthy number of awards, and contributed familiar tropes to modern culture, even for those unfamiliar with the books or series. I myself gave up on the novel after reading the first volume and have seen no episodes of the series. Already by the end of the first book it seemed to me that Martin was starting repeat his own devices, and if he was doing that within one book, what would later volumes be like? I certainly can’t see it as literature on a level even remotely approaching that of LOTR or even Harry Potter. I have not seen any episodes of the HBO series and hence cannot judge it. From what I can tell, it does not escape the shadow of Jackson’s LOTR, but that’s probably a matter of opinion.

Many fans who long to see an adaptation of Tolkien’s The Silmarillion have suggested that long-form television would be a more plausible medium than theatrical film. I consider The Silmarillion utterly unfilmable, except possibly in the hands of a brilliant animator, but that’s another issue. The point is that television, and especially powerful cable channels like HBO, are seen as the venue for long films that would be unlikely to be greenlit as high-budget theatrical features.

Despite appearances, I am not a keen fan of fantasy literature and films. The only fantasy novels (apart from children’s books) I have enjoyed enough to reread are LOTR, the Harry Potter series, and Susannah Clarke’s Jonathan Strange & Mr Norrell. The seven-part TV series based on the latter ended its American run on BBC 2 just over a year ago. I believe it is somewhat parallel to the LOTR film in being a reasonably successful–artistically at least–adaptation of a major work of literature It also bears no trace of Tolkien’s influence.

How does it escape? If you asked someone who had read both Martin’s books and Clarke’s whether they had read Tolkien, he or she would probably guess that Martin had and would have no idea whether or not Clarke had.

Martin admits his debt to Tolkien freely. “I revere Lord of the Rings, I reread it every few years, it had an enormous effect on me as a kid. In some sense, when I started this saga I was replying to Tolkien, but even more to his modern imitators.”

Clarke also was a Tolkien fan, but I have never seen anyone compare JS&MN to LOTR, either the original novel or the TV series. For one thing, she had other, quite different influences well, as described in a reader’s guide on her publisher’s website.

During an illness that required her to rest a great deal, Clarke re-read Tolkien’s The Lord of the Rings, and when she finished she decided to try writing a novel of magic and fantasy. She had long admired the fantasy writing of Ursula Le Guin and Alan Garner, but also loved the historical fiction of Rosemary Sutcliff and novels of Jane Austen. These various influences were to come together in a novel which is part magical fantasy, part scrupulously researched historical novel, with teasing faux-academic footnotes referencing a bibliography of magical books entirely of her own invention.

Clarke also has a literary skill that elevates her above most writers in the genre. Her approach was not to invent an imaginary world à la Middle-earth, but to begin by setting her story in the actual English history of the Regency era. Into that she inserted two magicians seeking to revive the tradition of Faerie-derived English magic and use it to aid their country during the wars with Napoleonic France. Her seamless blend of real historical figures and events with her own inventions can leave many nonspecialist readers wondering which is which.

I have already written about the TV adaptation of Clarke’s book, pointing out both what I consider some problems with the adaptation of the narrative and some real strengths of the series. As with LOTR, the adaptation’s strengths have much to do with the design, the special effects, and the acting. Indeed,the series won two BAFTA TV Craft awards, for production design (above, designer David Roger accepts his award) and special effects. In some ways, it could have been to TV what LOTR was to film, though it was far less successful with audiences and thus will no doubt have concomitantly less influence.

The elusive “masterpieces” of fantasy that Alcock suspects might escape from the shadow of Jackson’s LOTR could be either films or TV series. But unless the studios greenlight more imaginative fare, that shadow will persist for a long time.


On the point about whether Warner Bros. would greenlight a LOTR trio of films today. I discuss studio executives’ decisions about which fantasy films to make, specifically in relation to Warner Bros. and Jack the Giant Slayer, in “Jack and the Bean-counters.” In my 1999 book, Storytelling in the New Hollywood, I suggested that Hollywood’s originality and risk-taking had declined so much, even by then, that many classic and successful films could not be greenlit; I suggested Witness, Chinatown, The Fugitive, and Alien as fairly recent examples. By now the system has become even more exclusionary.

The idea that series TV offers the advantage of more time to play out the narrative of a long book is not  true in all cases. Including credits, JS&MN runs a total of 406 minutes, while LOTR runs 558 minutes in its theatrical edition and an extra two hours in the extended home-video release. (In the 50th Anniversary edition, Tolkien’s novel runs 1029 pages without the appendices. The first edition of JS&MN is 782 pages.) Ironically, in the wake of LOT’s success, New Line optioned JS&MN as a possible successor to Jackson’s film. The Golden Compass took precedence, and eventually JS&MN became available for the BBC to adapt. Made as a trilogy, with a higher budget, it would have looked great on the big screen.

Gandalf in The Lego Movie

Wildstyle, Gandalf, and Batman in The Lego Movie (2014)

Last Modified: Sunday | July 31, 2016 @ 12:38   open printable version open printable version

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Sotto le stelle del cinema

La programmazione di Piazza Maggiore riprende mercoledì 3 agosto con Mi chiamo Renato. I 90 anni rock&gol dello stadio di Bologna di Emilio Marrese, Paolo Muran e Cristiano Governa.

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via Cinema Studi

sabato 30 luglio 2016

Pausa estiva

In occasione dell'estate, gli uffici della Cineteca rimarranno chiusi le prime due settimane di agosto mentre la Biblioteca Renzo Renzi e i suoi servizi riapriranno regolarmente martedì 6 settembre.


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via Cinema Studi

Remembering Jack Davis

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We were deeply saddened to learn of the recent passing of legendary illustrator Jack Davis. First as a founding member of Mad magazine’s “usual gang of idiots,” and later as one of the preeminent commercial illustrators of his generation, Jack brought smiles to millions over the course of his nearly seventy-year career.

Working with Jack on revisiting his classic design for Stanley Kramer’s It’s a Mad, Mad, Mad, Mad World was one of the highlights of my own career. It was amazing to see the high standard of quality he maintained fifty years after creating the design for Kramer’s film. Jack’s style had evolved somewhat over the years, of course, but his work was just as bold and vibrant at eighty-eight as it was at thirty-eight.

I was also struck by his generous spirit. After the project, we were interested in purchasing the drawings Jack made for our release. Jack eschewed any payment for himself, asking only that we make a donation to the congregation he’d been a loyal member of for so many years. He didn’t need the money, he told me—life had been good to him, and now he wanted to give back. To the millions of us who grew up on his work, of course, Jack had already given far more than his share.



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Paul Dano debutta alla regia col film indipendente Wildlife

L'attore ha scritto anche la sceneggiatura assieme alla compagna Zoe Kazan.

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Joe Carnahan scrive per la Sony l'adattamento del videogame Uncharted

Il regista si occuperà solo della sceneggiatura perché è impegnato a dirigere Bad Boys 3.

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'Renato Zangheri, il sindaco professore' in Piazza

In Piazza Maggiore il film dedicato a Renato Zangheri, sindaco di Bologna dal 1970 al 1983. Introducono gli autori Mauro Bartoli e Lorenzo K. Stanzani.

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Avengers: Infinity War sarà un solo film

Contrariamente a quanto annunciato in precedenza, la prevista seconda parte sarà un altro film degli Avengers, ancora senza titolo.

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Morgan Freeman sarà il magico Drosselmeyer ne Lo schiaccianoci della Disney

L'attore nel film live action della Disney The Nutcracker and The Four Realms, in un ruolo, ovviamente, carismatico. Nel cast anche la prima ballerina Misty Copeland.

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Al via il concorso letterario premio SenzaBarcode BloggAmi - Racconti per il web

I° premio SenzaBarcode, BloggAmi - Racconti per il web, concorso letterario. Scadenza 01 settembre 2016, premiazione 25 settembre 2016.

Abbiamo tante cose da raccontare, ma quante riusciamo a dirne con 1000 parole? BloggAmi ti sfida a raccontarti al web. L'incipit non poteva non essere una delle frasi che più ci rappresenta: non omologabile.

Abbiamo sempre meno tempo -o voglia- di leggere ma la nostra anima ha sempre desiderio di parole, fiabe, racconti, favole e di sognare un po'. Allora perché non provare a sintetizzare e trasmettere il nostro pensiero con profondità e sintesi?

Scrivere è fare la sintesi di se stessi

BloggAmi è il primo premio letterario che SenzaBarcode vuole dedicare a tutti coloro che hanno il coraggio di esprimersi. Scrivere è la terapia più introspettiva, sana i graffi del cuore e disseta la mente. A volte violenta così tanto i nostri sensi da lasciarci come svuotati, pronti però a rinascere con più vigore.

Tutti si meritano, almeno una volta nella vita, di scrivere.

Ed è per questo che SenzaBarcode vuole unire i più alti sentimenti e pensieri ed il web con la sua gelida velocità e implacabile giudizio.

Per partecipare è sufficiente avere qualcosa da raccontare, farlo in italiano e seguire le istruzioni del regolamento che trovate a fondo della pagina. I lavori dovranno essere inviati entro le ore 23.59 del 1 settembre 2016, una giuria -la redazione di SenzaBarcode per consentire l'anonimato- valuterà i lavori ad insindacabile giudizio. Saranno contattati solo i 15 autori ritenuti meritevole e premiati i primi tre. I 15 riceveranno attestato di partecipazione, invito al gala di premiazione e eventuali regali.

Sheyla Bobba, direttore di SenzaBarcode.it e presidente dell'omonima associazione culturale, avrà l'onore di consegnare i premi ma è esclusa da ogni valutazione.

L'autore del racconto vincitore si aggiudica come premio una borsa di studio del valore di 1500€ per la partecipazione a tutti i 10 moduli di Academy SenzaBarcode, al secondo classificato una borsa di studio del valore di 750€ per partecipare a 5 moduli a scelta di Academy SenzaBarcode e al terzo classificato una borsa di studio del valore di 300€ valida per 2 moduli a scelta.

È prevista -presumibilmente a dicembre 2016- la pubblicazione di una raccolta dal titolo BloggAmi, racconti per il web contenente i 15 racconti finalisti.

Non siate timidi, vivetevi e raccontateci quella parte nascosta dentro di voi... BloggAmi!

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venerdì 29 luglio 2016

Did You See This?

What’s Happening on Hulu

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This week on Hulu, we’re basking in the summer sun with Too Dang Hot, a free festival of cinematic scorchers. Ranging from an intimate Swedish psychodrama to a Japanese New Wave thriller, this selection of sweat-drenched titles includes Yasujiro Ozu’s Passing Fancy, Akira Kurosawa’s Stray Dog, Henri-Georges Clouzot’s The Wages of Fear, Yoshitaro Nomura’s Stakeout, Ingmar Bergman’s The Silence, Nagisa Oshima’s Japanese Summer: Double Suicide, and Les Blank’s Burden of Dreams.

Also featured in this sizzling lineup is the 1991 film Heat Wave, the penultimate work by legendary director Hideo Gosha. Unavailable on disc, this compelling crime drama centers on a young woman who follows in her late father’s footsteps by joining the gambling underworld, only to come face-to-face with his killer at a game. Shot by renowned cinematographer Fujio Morita and featuring a score by frequent Kurosawa collaborator Masaru Sato, Heat Wave is a merciless look at the wages of vanity and corruption.

Watch the film below, or over at Hulu—and remember, if you subscribe to Hulu for just $7.99 a month, you can see more than 900 Criterion films commercial-free, anytime.



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Emilio D'Alessandro, l'autista di Kubrick: "Voleva girare un film sulla battaglia di Cassino"

Non era solamente il suo autista. Emilio D'Alessandro per Stanley Kubrick era un amico, un confidente, un punto di riferimento. Alex Infascelli ha raccontato questa straordinaria storia nel suo documentario S is for Stanley che, dopo il David di Donatello, continua a girare con successo per l'Italia e per il mondo. A presentarlo al Fiuggi Film Festival è stato proprio il “protagonista” D'Alessandro i cui occhi, ancora oggi, quando parla del suo amico Stanley, si fanno lucidi e pieni emozione.

Signor D'Alessandro, quando Alex Infascelli le ha proposto questo documentario ha accettato subito?

No, non ho accettato subito. All'inizio dissi ad Alex: “Con tutto il rispetto, ma se vuoi fare un documentario, lo devi fare a perfezione e senza una parola contro Stanley, perché lui con me è stato sempre una persona gentile”. Ed inoltre pretesi di vedere il film prima che fosse presentato al pubblico. Devo essere sincero: alla fine sono rimasto molto soddisfatto.

Cosa pensava Stanley Kubrick dell'Italia?

Ha sempre avuto un grande rispetto per l'Italia. Provava profonda stima per l'arte italiana, la musica, la pittura, il cinema. Ma nutriva anche un po' di paura. Ogni volta che io venivo in vacanza in Italia, mi diceva di stare attento alla Mafia. Questo perché in televisione, all'estero, si parlava molto delle azioni mafiose in Italia e questa cosa lo impauriva e lo preoccupava.

C'è qualcosa che non viene raccontato nel film di Infascelli che le piacerebbe raccontare?

No, niente in particolare. Alex ha fatto le sue scelte e penso che abbia deciso un buon lavoro, con i tagli e gli inserti giusti. Infatti l'ho ringraziato per questo e non sono un caso i premi che ha vinto.

Che sentimenti prova ancora per il suo rapporto con Kubrick? Che emozioni le ha lasciato?

La cosa che più emoziona e commuove è pensare che è morto troppo presto, a 71 anni. La sua morte fu improvvisa e inaspettata e mi lascia ancora molta tristezza. E' per questo che ci è voluto così tanto tempo prima che io mi aprissi al pubblico. Se non mi avessero spinto per il libro (Stanley Kubrick e me, da cui è tratto il documentario, n.d.a.), sarei stato ancora in silenzio. Per rispetto di Stanley.

Da quello che sa, quali progetti aveva Kubrick? Quali non è riuscito a realizzare?

Si sa, sono molti. Io chiaramente ricordo A.I. - Artificial Intelligence, che poi ha fatto Spielberg, il Napoleon. E poi aveva in mente di fare Pinocchio, chiaramente a modo suo, e un film di guerra in Italia. Voleva raccontare la battaglia di Cassino.



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Lights Out - Terrore nel buio: un video esclusivo dedicato al produttore James Wan, re dell'horror contemporaneo

Il film diretto da David F. Sandberg arriva nei cinema italiani il 4 agosto.

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Quattordicesima edizione di MoliseCinema dal 2 al 7 agosto

Partirà il prossimo due agosto la quattordicesima edizione di MoliseCinema, festival delle immagini in movimento che si tiene nella splendida cornice del paese di Casacalenda.

Nel territorio più volte descritto e raccontato dalla penna appassionata di Francesco Jovine, anche quest'anno si avrà un ricco programma fatto di proiezioni, incontri, dibattiti, eventi ufficiali e collaterali. A far da demiurgo ci sarà il direttore artistico Federico Pommier Vincelli che, con il suo ottimo staff, continua il focus di qualità sui cortometraggi con la sezione Paesi in corto, caratterizzata dalla proiezione di innumerevoli opere originali provenienti da tutto il mondo. È questa la sezione che più dichiara la mission del Festival, di fatto una manifestazione che punta su una precisa forma espressiva e sui giovani talenti del panorama internazionale che, in passato, hanno lietamente vissuto la vetrina di Casacalenda come trampolino di lancio.

Con la sezione Paesi in lungo gli spettatori potranno godersi le migliori pellicole dell'ultimo anno di cinema italiano nell'Arena, struttura che si adagia nella piazza centrale del paese sfruttando la naturale e suggestiva cornice donata dall'architettura del piccolo borgo. Tra gli ospiti la brava e talentuosa Eleonora Danco, uno dei volti femminili più importanti del cinema italiano, Isabella Ragonese, e poi l'attore Davide Giordano, i registi Mario Balsamo, Francesco Miccichè e l'ideatore, autore dei "The Pills" Luca Vecchi.

Tra gli eventi collaterali, che caratterizzeranno la ricca drammaturgia di MoliseCinema, segnaliamo la mostra di Paolo di Paolo dal titolo “Un mondo di cinema”, in cui si potrà apprezzare l'immaginario vivo e da lanterna magica del cinema anni Cinquanta, con scatti “rubati” a Marcello Mastroianni, Kim Novak, Anna Magnani, Raquel Welch; interessante anche la zoomata sul mondo del web e sulla serialità televisiva, con molti contributi video, interviste e dibattiti tra cui un focus sulle figure di Don Draper e Frank Underwood, protagonisti delle serie cult Mad Men e House of Cards. Inoltre ci sarà una retrospettiva sul cinema e l'arte di Luigi Comencini. Non resta dunque che attendere il due agosto per vivere una manifestazione che da sempre propone contenuti di qualità in un “mondo” raccolto, suggestivo e affascinante.



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Al posto tuo: in anteprima il poster della commedia con Luca Argentero, Stefano Fresi e Ambra Angiolini

Il film di Max Croci arriva al cinema il 29 settembre prossimo.

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Zach Galifianakis, Kristen Wiig e Owen Wilson nel nuovo scatenato trailer di Masterminds

Nella commedia di Jared Hess anche Jason Sudeikis nei panni di un bizzarro killer.

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VENEZIA 73: fuori concorso 'Monte di Amir Naderi', suo primo film girato in Italia

Sarà presentato Fuori concorso nella selezione ufficiale della 73. Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica di Venezia, il lungometraggio 'MONTE', diretto da Amir NADERI e interpretato da Andrea Sartoretti e Claudia Potenza. Il film, primo progetto italiano di Amir Naderi, è prodotto da Carlo S. Hintermann, Gerardo Panichi, Rino Sciarretta e Eric Nyari e co-prodotto da Citrullo International Zivago Media Cineric Inc Ciné-sud Promotion in collaborazione con Rai Cinema.

In un passato remoto, in un villaggio semi-abbandonato ai piedi di una montagna vive Agostino con la moglie Nina e il figlio Giovanni. La montagna si erge come un muro contro i raggi del sole, che non arrivano mai a illuminare la loro terra, ridotta a pietre e sterpaglia. Il film racconta la storia di quest'uomo e della sua famiglia, la loro sfida quotidiana per abbattere la montagna, la sua forza ancestrale e riportare la luce.

Amir Naderi è considerato una delle figure più influenti del nuovo cinema iraniano. Dopo aver ambientato gli ultimi lavori in Iran, Stati Uniti e Giappone, realizza per la prima volta un film in Italia. Monte è stato girato quasi interamente sulle montagne dell'Alto Adige, a oltre 2.500 mt d'altezza sul gruppo montano del Latemar, e in Friuli Venezia Giulia, con il coinvolgimento di un cast e una troupe italiani. Il film è anche frutto di una produzione in gran parte italiana che vede il coinvolgimento delle società Citrullo International, Zivago Media, che lo hanno realizzato insieme con l'americana Cineric e la francese Ciné-sud Promotion. La pellicola ha inoltre ricevuto un sostegno in fase di produzione dalla IDM Film Commission dell'Alto Adige, dalla Film Commission del Friuli Venezia Giulia e dal Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo - Direzione generale per il cinema.

Per rendere qualcosa possibile in ogni momento, paga con il tuo cuore, abbi fede e sii paziente. Non mollare finché non ci arrivi. Perché questo è il dono dell'essere umano: la sfida”. Così Naderi parla di Monte, un film sulla sfida di vivere in alta quota, che è poi la condizione in cui sono stati catapultati anche gli attori e tutta la troupe che ha lavorato alle riprese. Una vera cinematografia estrema per un set ambientato in alta montagna, in un paesaggio incontaminato e in condizioni atmosferiche e logistiche spesso molto difficili, dove è stato ricostruito dal nulla un intero villaggio medioevale.

L'Italia, con la sua cultura, la sua lunga storia e il suo background complesso, è uno dei paesi più interessanti al mondo. Sono convinto che più di qualsiasi altro paese abbia prodotto geni che hanno cambiato il corso della civiltà. Questa è la ragione per cui questa volta ho scelto di girare il mio nuovo film qui”.



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Isola del Cinema di Roma: 'Lo chiamavano Jeeg Robot' di Gabriele Mainetti vince il Premio Groupama Assicurazioni Opera Prima e Seconda

Si è svolta la sera di mercoledì 27 luglio nell'Arena de L'Isola del Cinema a Roma, la cerimonia di premiazione del Premio Groupama Assicurazioni Opera Prima e Seconda, assegnato a Lo chiamavano Jeeg Robot di Gabriele Mainetti (leggi QUI l'intervista di Close-Up allo stroyboard artist del film, Marco Valerio Gallo). Il premio, ideato dal main partner della XXII edizione de L'Isola e rivolto ai cineasti esordienti o alla loro seconda esperienza dietro la macchina da presa, è stato conferito da una giuria d'eccezione - composta da Gloria Satta (giornalista de Il Messaggero), Stefano Amadio (giornalista di Cinemaitaliano), Arianna Finos (giornalista de La Repubblica), Gabriele Niola (critico cinematografico per MyMovies), Antonio Urrata (direttore generale Fondazione Ente dello Spettacolo) – che ha decretato la pellicola vincitrice tra le sei in concorso: con Lo chiamavano Jeeg Robot, anche Assolo di Laura Morante, L'attesa di Piero Messina, La macchinazione di Davide Grieco, Pecore in erba di Alberto Caviglia, Suburra di Stefano Sollima.

Sempre all'osannato film del regista romano, al suo primo lungometraggio, è andato il Premio del Pubblico.

Nel corso della cerimonia, condotta da Emanuela Tittocchia, sono stati inoltre assegnati i seguenti premi:

Premio L'Isola del Cinema regista rivelazione: Pecore in erba di Alberto Caviglia

Premio L'Isola del Cinema per la migliore interpretazione maschile: Claudio Santamaria per Lo chiamavano Jeeg Robot

Premio L'Isola del Cinema per la migliore interpretazione femminile: Greta Scarano per Suburra

Premio L'Isola del Cinema miglior attrice non protagonista: Giulia Elettra Gorietti per Suburra

Premio L'Isola del Cinema miglior attore non protagonista: Libero De Rienzo per La Macchinazione

Premio speciale L'Isola del Cinema alla carriera: Giorgio Colangeli per L'attesa

Premio speciale L'Isola del Cinema alla sceneggiatura: Daniele Costantini, Laura Morante, per Assolo

Festival di particolare interesse culturale, L'Isola del Cinema è realizzato con il contributo di Roma Capitale in collaborazione con la SIAE ed è inserito nell'edizione 2016 dell'ESTATE ROMANA: Roma, una Cultura Capitale.

L'ISOLA DEL CINEMA
XXII edizione | 10 giugno – 4 settembre
Isola Tiberina – Piazza San Bartolomeo all'Isola / Roma
Tel: 06 58333113



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'Respiro' in Piazza Maggiore

Venerdì 29 luglio 'sotto le stelle del cinema' di Piazza Maggiore Respiro di Emanuele Crialese, con Valeria Golino. Introduce Giacomo Manzoli. 



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via Cinema Studi

Anche Nick Jonas nel remake di Jumanji

Non solo una carriera da solista per uno dei Jonas Brothers: si unisce al cast composto da Dwayne Johnson e Jack Black.

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Altilia Samnium Festival, (CB), 30 luglio: Manuela Kustermann e Melania Giglio in DICHIARO GUERRA AL TEMPO

30 luglio / 7 agosto 2016
Altilia Samnium Festival
SHAKESPEARANDO, e non solo!
400 anni … di notti, sogni, rumori e tempeste
Ideazione: Teatri Molisani
Direzione artistica: Stefano Sabelli

Sabato 30 luglio - Ore 21
La Fabbrica dell'Attore – Teatro Vascello e Festival La Versiliana
Manuela Kustermann - Melania Giglio
DICHIARO GUERRA AL TEMPO

Tratto da I Sonetti di William Shakespeare a cura di Daniele Salvo, musiche Pink Floyd, David Bowie, Queen, Rolling Stones, Joni Mitchell, Peter Gabriel, Cat Stevens, costumi Anna Mode e Silvia Aimonino - luci Valerio Geroldi

Basilica Foro - Scavi archeologici di Altilia, Sepino (CB)

Due donne giacciono sprofondate negli abissi del tempo. Una in epoca elisabettiana, l'altra in epoca moderna. Abitano la stessa stanza. Non si vedono, non si parlano direttamente, ma sicuramente si percepiscono. La stanza è la stanza della memoria. Ovunque, manoscritti, versi, perpetue parole, spartiti musicali. I versi appartengono a William Shakespeare. Nella stanza dell'immaginario del grande poeta ci si può anche smarrire. Là ci sono pochi oggetti, lo spazio è denso, percorso da sussurri e voci dimenticate, memorie di antiche interpretazioni, ombre in transito e riflessi di luce abbaglianti. Il poeta è testimone instancabile di un mondo che non c'è più, una realtà costruita con dedizione, fede, potenza espressiva, serietà, competenza e valori indiscutibili.Il poeta frequenta il futuro nella vita di ogni giorno, si batte per la verità, cade in deliquio, trema, sviene per un istante e in quell'istante elabora universi, sogna l'infinito e tenta di decifrarne la grammatica. Così è la scrittura di Shakespeare, scrittura “vivente”, tracciata nell'inconscio dei suoi interpreti. Così è la sua Poesia. Questo viaggiatore dell'illusione e del sogno parla una lingua di cristallo, si misura con ogni possibile realtà, ogni forma di tradimento e, come dal fondo di un pozzo, si affanna a parlare a tutti gli uomini ancora “vivi”, tramite versi che ci parlano delle paure di un vecchio, degli incubi notturni di un Re lasciato solo dalle figlie, delle notti d'amore di una Regina, degli affanni di un giovane principe, dei pensieri di un grande condottiero... La stanza che ospita quest'uomo ha grandi pareti di fumo che soffrono dell'instabilità propria dei sogni e quindi mutano continuamente. Proprio perché è “strumento divino”, proprio perché dialoga con gli angeli, il Poeta non deve solo divertirci (di-vertere = distrarre da), ma ha la possibilità di aiutarci a ritrovare la nostra grazia perduta, la nostra innocenza, a lungo vagheggiata e rimpianta, cancellata inesorabilmente dal cinismo e dalla superficialità della nostra vita quotidiana. Così le due donne iniziano un dialogo senza fine, dove, da due diverse dimensioni, s'interrogano ancora e ancora sulla vera natura dell'amore. Sul confine tra amore e amicizia. In che cosa differiscono l'amore passionale e quello ideale? Quando possiamo parlare di affinità elettive? Shakespeare nei suoi sonetti indaga tutti i possibili aspetti dell'amore. E l'amore stesso diviene così lo strumento d'eccellenza per conoscere se stessi, l'altro, il mondo, la poesia, la bellezza e la caducità. Una conversazione infinita, dove il gioco dei sentimenti è vissuto fino in fondo e porta le due donne ad osservare con dolcissima compassione la fatale caducità del nostro tempo terreno. Perché è proprio il Tempo, con il suo inganno, il suo orrore, il suo splendore, a rappresentare il vero grande tema dei Sonetti di Shakespeare. Amore e Tempo. Entrambi caduchi. Entrambi infiniti. E noi sempre in guerra. Con entrambi.

I prossimi spettacoli:

Lunedì 1 e Martedì 2 agosto ore 21
Teatro romano - Basilica Foro
Stefano Sabelli
RE LEAR
di William Shakespeare
studio attivo itinerante
tradotto da Alessandro Serpieri
prima assoluta
e con in o.a. Pasquale Arteritano, Marco Caldoro, Piero Grant, Giulio Maroncelli, Michele Manocchio, Lorenzo Massa, Bianca Mastromonaco, Michela Ronci, Fabrizio Russo, Eva Sabelli, Gianluca Vicari
adattamento e regia Stefano Sabelli
musiche dal vivo Bukurosh Balkan Orchestra di Riserva MOAC
scene Michelangelo Tomaro – costumi Marisa Vecchiarelli
produzione: Libero Opificio Teatrale Occidentale di TeatriMolisani soc.coop.

Mercoledì 3 agosto ore 21
Basilica Foro
Valter Malosti
LO STUPRO DI LUCREZIA
di W. Shakespeare
suono e programmazione luci G.u.p. Alcaro
costumi Federica Genovesi
produzione: Teatro di Dioniso col sostegno del Sistema Teatro Torino.

Venerdì 5 agosto ore 21
Teatro romano
Simone Sala
SALA plays SHAKESPEARE
con la partecipazione di Stefano Sabelli
a seguire
La Cineteca Nazionale
presenta la versione restaurata di
OTHELLO
di Orson Welles

Sabato 6 e Domenica 7 agosto ore 21
Teatro romano
Silvia Gallerano
LA LOCANDIERA o l'Arte per Vincere
di Carlo Goldoni
adattamento e regia Stefano Sabelli
con in o. a. Claudio Botosso - Giorgio Careccia - Chiara Cavalieri Diego Florio - Giulio Maroncelli - Andrea Ortis - Eva Sabelli
musiche in scena Piero Ricci
scene Lara Carissimi - Michelangelo Tomaro
costumi Martina Eschini - disegno luci Daniele Passeri
produzione: Libero Opificio Teatrale Occidentale di TeatriMolisani soc.coop.
In collaborazione con ASTI TEATRO 38

I pomeriggi del festival:
Area archeologica
dalle 18 – su prenotazione
SHAKESPEARE IN THE BOX
Shakespeare visto dai bambini
laboratori attivi coi personaggi shakespeariani

dalle 19 – su prenotazione
SHAKESPEARE APERITIVE
Passeggiate archeologiche al tramonto con aperitivo prima degli spettacoli
a cura di MEMO Cantieri culturali e Teatro del LOTO
info prenotazioni +39 329 4593123 – memosepino@gmail.com

biglietti spettacoli
interi € 15 – ridotti € 10

Maggiori informazioni su:
www.teatrodelloto.it

Teatro del Loto
P.zza Spensieri 17 . Ferrazzano (CB)
cell: +39 335 454456 +39 333 3300850
segreteria +39 335 454456 +39 339 7766634
direzioneartistica@teatrodelloto.it - amateatro@yahoo.it
info@teatrodelloto.it



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Chris Evans potrebbe essere il dottor Jekyll

L'attore in trattative per il progetto della Lionsgate ispirato alla serie BBC di Anthony Moffat del 2007.

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giovedì 28 luglio 2016

Anche Meryl Streep nel sequel di Mary Poppins con Emily Blunt?

Per le due attrici sarebbe il terzo film insieme dopo Il diavolo veste Prada e Into the Woods

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Repertory Pick: People on Sunday in Washington, D.C.

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This weekend, the National Gallery of Art in Washington, D.C., will screen the 1930 silent film People on Sunday, an exuberant ode to Weimar Berlin made by an astonishing array of German filmmakers who would go on to major careers in Hollywood, including directors Robert Siodmak and Edgar G. Ulmer, screenwriter Billy Wilder, and assistant cinematographer Fred Zinnemann. Anchored by a cast of nonprofessional actors, the film blends elements of fiction and documentary as it charts the shifting relationships of five young Berliners on a leisurely summer outing.

Those in the D.C. area can see this timeless portrait of city life on Sunday afternoon, with live musical accompaniment by guitarist Matthew Nolan and pianist Rachel Grimes. In the meantime, revisit film scholar and author Noah Isenberg’s liner notes for our release of People on Sunday, and watch our Three Reasons video on the film.



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La Disney pianifica anche il reboot di Rocketeer

Nell'originale recitavano Alan Arkin e una bellissima Jennifer Connelly

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Festival di Venezia 2016 - Il programma completo

E' stato ufficializzato il programma completo della 73a Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica di Venezia, che accoglierà critici, addetti stampa e fan dal 31 agosto al 10 settembre. Ecco il programma completo, diviso per categorie:

IN CONCORSO

THE BAD BATCH, di ANA LILY AMIRPOUR (Usa, 115')
UNE VIE, di STÉPHANE BRIZÉ (Francia, Belgio, 119')
LA LA LAND, di DAMIEN CHAZELLE (Usa, 127')
THE LIGHT BETWEEN OCEANS, di DEREK CIANFRANCE (Usa, Australia, Nuova Zelanda, 133')
EL CIUDADANO ILUSTRE, di MARIANO COHN, GASTÓN DUPRAT (Argentina, Spagna, 118')
SPIRA MIRABILIS, di MASSIMO D'ANOLFI, MARTINA PARENTI (Italia, Svizzera, 121')
ANG BABAENG HUMAYO (THE WOMAN WHO LEFT), di LAV DIAZ (Filippine, 226')
LA REGIÓN SALVAJE, di AMAT ESCALANTE (Messico, 100')
NOCTURNAL ANIMALS, di TOM FORD (Usa, 115')
PIUMA, di ROAN JOHNSON (Italia, 98')

FUORI CONCORSO

OUR WAR, di BRUNO CHIARAVALLOTI, CLAUDIO JAMPAGLIA, BENEDETTA ARGENTIERI (Italia, Usa, 68')
I CALLED HIM MORGAN, di KASPER COLLIN (Svezia, Usa, 91')
ONE MORE TIME WITH FEELING (3D), di ANDREW DOMINIK (Gran Bretagna, 112')
THE BLEEDER, di PHILIPPE FALARDEAU (Usa, Canada, 93')
THE MAGNIFICENT SEVEN, di ANTOINE FUQUA (Usa, 130')
HACKSAW RIDGE, di MEL GIBSON (Usa, Australia, 131')
THE JOURNEY, di NICK HAMM (Gran Bretagna, 94')
À JAMAIS, di BENOÎT JACQUOT (Francia, Portogallo, 86')
MILJEONG (THE AGE OF SHADOWS), di KIM JEE WOON (Corea del Sud, 139')
GANTZ:O, di YASUSHI KAWAMURA (Giappone, 95')

ORIZZONTI
(Concorso internazionale dedicato a film rappresentativi di nuove tendenze estetiche ed espressive)

LE RESTE EST L'OEUVRE DE L'HOMME, di DORIA ACHOUR (Francia, Tunisia, 14')
TARDE PARA LA IRA, di RAÚL ARÉVALO (Spagna, 92')
DADYAA, di BIBHUSAN BASNET, POOJA GURUNG (Nepal, Francia, 17')
STANZA 52, di MAURIZIO BRAUCCI (Italia, 13')
KING OF THE BELGIANS, di PETER BROSENS, JESSICA WOODWORTH (Belgio, Paesi Bassi, Bulgaria, 94')
LAAVOR ET HAKIM (THROUGH THE WALL), di RAMA BURSHTEIN (Israele, 110')
MOLLY BLOOM, di CHIARA CASELLI (Italia, 20')
LIBERAMI, di FEDERICA DI GIACOMO (Italia, Francia, 89')
SAMEDI CINEMA, di MAMADOU DIA (Senegal, 11')
KOCA DÜNYA (BIG BIG WORLD), di REHA ERDEM (Turchia, 100')



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The Great Wall: Matt Damon nel trailer italiano del super kolossal di Zhang Yimou

Il film, la maggiore produzione mai realizzata in Cina, uscirà in Italia nel febbraio 2017.

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The Beatles: Eight Days a Week. nuovo trailer del documentario di Ron Howard sui Fab Four!

Cresce l'attesa per il film che arriverà nelle nostre sale il 15 settembre.

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Hacksaw Ridge, il trailer del film di Mel Gibson con Andrew Garfield che sarà al Festival di Venezia

L'australiano torna alla regia con una storia vera ambientata durante la Seconda Guerra Mondiale.

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Premio Solinas presente alla prossima Mostra del Cinema di Venezia: Da Venezia Classici a due film in concorso a orizzonti

Il Premio Solinas vede la sua presenza alla 73a Mostra del cinema di Venezia in tre diversi e importanti momenti che vanno da Venezia Classici a Orizzonti.

Nella sezione Venezia Classici ci sarà la versione restaurata del film La Battaglia d'Algeri in occasione del 50° anniversario del Leone d'oro, vinto dal film nel 1966. La pellicola di Gillo Pontecorvo, scritto da Franco Solinas ricevette anche tre nominationOscar come miglior film straniero, miglior regia e miglior sceneggiatura.

La battaglia di Algeri è ambientato durante la guerra che dal 1954 oppose l'esercito francese agli indipendentisti algerini, fino alle proclamazione dell'indipendenza dell'Algeria nel 1962. Il film fu proibito in Francia fino al 1971 a causa della difficoltà delle autorità francesi a riconoscere la realtà storica efficacemente resa dall'opera di Pontecorvo e Solinas. Il restauro è realizzato da Istituto Luce Cinecittà e Cineteca di Bologna, in collaborazione con Surf Film Srl e Casbah Entertainment, presso il laboratorio L'Immagine Ritrovata. A 30 anni dalla prima edizione del Premio Solinas – fondato tra gli altri da Gillo Pontecorvo per ricordare lo scrittore e sceneggiatore Franco Solinas – il restauro di questo film, che non smette di essere attuale e innovativo, ci regala grande emozione.

Presenti nella sezione ORIZZONTI: Il Più Grande Sogno Vincitore del Premio Solinas Experimenta 2015. Soggetto e sceneggiatura di Michele Vannucci e Anita Otto per la regia di Michele Vannucci prodotto da Giovanni Pompili. Una produzione Kino produzioni con il contributo del Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo.

Liberami Vincitore del Premio Solinas Documentario per il Cinema 2014 in collaborazione con Apollo 11 di Federica di Giacomo e Andrea Zvetkov Sanguigni. Regia di Federica di Giacomo. Prodotto da Mir Cinematografica con Rai Cinema.

Il Più Grande Sogno di Michele Vannucci:

A 39 anni Mirko è appena uscito dal carcere: fuori, nella periferia di Roma, lo aspetta un “futuro da riempire”, possibilmente in modo onesto. Quando viene eletto a furor di popolo Presidente del comitato di quartiere, decide di sognare un'esistenza diversa. Non solo per sé e per la propria famiglia, ma per tutta la borgata in cui vive.

Il più grande sogno di Mirko però è difficile da mettere in pratica, specie se tuo padre è un piccolo criminale. Il rapporto con le figlie è tutto da costruire e il passato è una porta sempre troppo facile da riaprire.

Questo film racconta di un “bandito” che si inventa custode di una felicità che neanche lui sa bene come raggiungere. È la storia di un sogno fragile e irrazionale, capace di regalare un futuro a chi non credeva di meritarsi neanche un presente.

Prodotto da Giovanni Pompili. Una produzione Kino produzioni con il contributo economico del Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo In collaborazione con Laser Film, Upupa srl.

Liberami di Federica di Giacomo:

Un film sul ritorno dell'esorcismo nel mondo contemporaneo. Il nostro mondo. Ogni anno sempre più persone chiamano “possessione” il loro malessere, in Italia, in Europa, nel mondo. La Chiesa risponde all'emergenza spirituale nominando un numero crescente di preti esorcisti ed organizzando corsi di formazione. Padre Cataldo è un veterano, tra gli esorcisti più ricercati in Sicilia e non solo, celebre per il carattere combattivo ed instancabile. Ogni martedì Gloria, Enrico, Anna e Giulia seguono, insieme a tantissimi altri, la messa di liberazione di padre Cataldo e cercano la cura ad un disagio che non trova risposte né etichette. Fino a dove ognuno di noi, credente o meno, è disposto ad arrivare purché qualcuno riconosca il nostro male? Cosa siamo disposti a fare per essere liberati qui ed ora? È la storia dell'incontro fra la pratica esorcista e la vita quotidiana dove i contrasti tra antico e contemporaneo, religioso e profano, risultano a tratti inquietanti a tratti esilaranti. Un film non sulla religione ma su come la religione può essere vissuta.

Una produzione Mir Cinematografica, con Rai Cinema in coproduzione con Opera Films con France 3 Via Stella con il sostegno di Sicilia Film Commission – Procirep Angoa – CNC con il supporto de l'atelier di post produzione Milano Film Network film riconosciuto di interesse culturale dal Ministero dei Beni e Delle Attività Culturali e del Turismo – Direzione Generale Cinema.



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In viaggio con Cris Nania. Alla scoperta di un musicista "poeta e marinaio"

Un disco dalla lunga lavorazione, già pubblicato, che cresce nel consenso dei suoi ascoltatori, dal titolo "...del mare, del sogno, dell'amore...". Video che su youtube superano le centomila visualizzazioni, premi e riconoscimenti. E' un grande momento per la carriera di Cristoforo Nania, noto anche come "Cris", cantautore e musicista scoglittese. Va a gonfie vele, e dove potrebbe arrivare, "lo scopriremo solo vivendo", risponde sorridendo Cris.

Accanto al suo nome, gli appellativi "poeta" e "marinaio" sono ricorrenti. Nella sua ricerca musicale suoni blues che vengono da lontano si fondono con quelli marini, evocativi, della nostra isola; le note si mescolano a parole che raccontano i viaggi, l'amore, le passioni e le disperazioni - la musica di Cris ha grande attenzione verso la società odierna e i suoi drammi. Abbiamo avuto così l'onore di conversare a lungo con Cristoforo Nania...

d: Sei nato a Scoglitti, un tuo famoso brano si intitola Navigare e ti definisci un “marinaio”. Da dove proviene questa tua descrizione da “navigatore”?

r: Sono nato in un borgo marinaro e mi chiamo Cristoforo, un destino segnato non ti pare? Mi definisco marinaio al di là del fatto di essere andato davvero per mare su navi, ma in quanto spirito libero e andare dappertutto, in quanto aver vissuto su spazi infiniti, e di viverli ancora questi spazi mentalmente, in quanto uomo di mare, pronto ad ogni esperienza.

d: Il mare è un tema preponderante della tua narrazione musicale: puoi raccontarci come nasce questo rapporto, come influisce nella tua musica, in che direzione porta la tua ispirazione?

r: Amo il mare per tutto ciò che la nostra mente gli dà a rappresentare. Non c'è una direzione, si va e basta.

d: Spesso hai fatto riferimento ai tuoi viaggi per il mondo. Più volte poi sei stato in Cina, suonando anche a Pechino. Nel tuo peregrinare, quale posto ha influenzato di più le tue scelte musicali? E quale invece vorresti ancora conoscere?

r: Non c'è un posto in cui non pensi di ritornare, li amo tutti, perché sono comunque state delle scelte, casuali o volute, ed in tutti i posti dove sono andato è rimasta parte di me e mi è rimasta parte di essi. Avendo conosciuti amici africani residenti a Pechino, si è pensato di andare nel loro paese di origine che è lo Zambia.

Le mie scelte musicali hanno radici antiche. Nascono in me ancora giovanissimo, seguendo il flusso musicale del jazz di new orleans, per poi mutare in blues, ancora oggi la mia radice portante, e innamorandomi della musica italiana dei vari De André, Dalla, De Gregori. In effetti nasco alla scuola genovese ed ancora oggi mi definisco di quella scuola.

d: La scuola genovese, che ha donato il cantautorato più celebre della tradizione italiana. Chi è, per te, il maestro, il riferimento, l'ispirazione maggiore?

r: Risposta quasi ovvia! Il Grande Fabrizio! [De André ndr]

d: Sei affezionato sinceramente alle tue origini, il richiamo della terra siciliana è fortissimo, continuo, nei tuoi brani. Penso – per esempio – a Tu sai di Sicilia. Qual è il tuo rapporto con l'isola?

r: Tu sai di Sicilia è un inno alla mia terra, alle donne di sicilia, è uno spot per la mia isola per chiunque ascolti le parole. La Sicilia è la casa madre a cui tornare sempre, e la sposa che ti accoglie al ritorno del viaggio, è l'amante che ti aspetta di nascosto per donarsi con passione, La Sicilia, terra di amore e contraddizioni.

d: In precedenza l'hai già definita come femminea, “puttana” e “vergine” al tempo stesso. Vuoi spiegarci meglio questo concetto?

r: Ho definita la mia terra “puttana”, in quanto conquistata ed alle volte stuprata da ogni genere di popolo, da nord e sud del mondo, e “vergine” perché pur nella sua veste di donna per tutti ha fatto innamorare i suoi conquistatori per la purezza che è insita in essa.

d: Oggi la Sicilia sembra vivere una difficile condizione. Qual è la tua percezione sullo stato delle cose?

r: Oggi la sicilia vive un momento di abbandono, come di vedova, guardata con occhio malevolo da quelle tristi comari da vicolo della politica attuale.

d: I tuoi ritmi musicali spesso sfociano nel blues. La creazione della melodia è molto ricercata, l'effetto è trascinante. Nei testi invece si ricorre a nostalgie e, a volte, anche la tristezza coglie l'ascoltatore. Sembra davvero uno spirito blues, in cui si fondono speranza e profondità di pensiero.

r: È uno spirito blues, che con la sua forza e malinconia ben sa come esprimere il proprio dolore la propria gioia. I testi narrano quello che sono stato e che sono, pieni di delusione ma anche di speranza.

d: Ricordo un'intervista radiofonica in cui citavi Vitti na crozza, e raccontavi di come noi siciliani siamo capaci di raccontare storie tristi, essendo allegri…

r: E si, noi siciliani siamo una razza speciale, gente che sa parlare della morte con estrema leggerezza, creando ritornelli gioiosi attorno a ciò che di brutto ci circonda.

d: Il tuo quindi è un blues siciliano ancorato alla nostra tradizione? Riusciresti a dare una definizione del tuo genere?

r: Il mio genere... qualcuno esagerando mi definisce "poeta", bontà loro, che mi danno questo onere e questo onore. Io mi definisco un cantautore o alle stregua dei vecchi cantastorie pur nella attuale modernità.

d: Musica e poesia, nella tradizione cantautorale, si fondono e legano indissolubilmente. Cos'è per te la poesia? Quale poeta ti ha ispirato maggiormente?

r: La poesia, per me, è semplicemente l'arte di trasporre le proprie emozioni sulla carta. Possono essere altrettanto meravigliose quella di un bambino come pure quella di un Vate. È importante cosa sanno trasmettere.

d: L'effetto ottenuto è anche merito del gruppo che ti sostiene, la Locanda di Cris, che ti accompagna e collabora, e arricchiscono la tua esperienza musicale. Sono quasi tutti musicisti del luogo. Siete una band puramente sicula!

r: Si una band prettamente sicula con elementi di grande valore musicale. Gente di Vittoria, di Ragusa e di Modica.

d: In passato hai fatto spesso ricorso ad un tema, quello del percorso, della ricerca: di cosa è alla ricerca il cantautore e l'uomo Cristoforo Nania?

r: Hai presente il filosofo con la lanterna? Anche io come lui, cerco l'uomo, me stesso, cerco sempre il senso delle cose e della vita

d: Nella tua musica non manca l'impegno sociale; mi riferisco in particolare a due brani, “esodati” e “migrano”, in cui affronti due temi complicati. Qual è la tua opinione su due temi così importanti, come le migrazioni e la perdita del lavoro?

r: Migrano è una storia di oggi, un testo che racconta la storia di questi disperati che cercano fortuna in una altra parte di mondo. Lasciando il certo per l'assolutamente incerto. Scommettendo tutto quello che hanno, compresa la loro vita. E che spesso e sovente perdono sia la scommessa che la vita. Personalmente sono contrario a questo assurdo tracimare di uomini.

Esodati non è che la storia di un uomo ancora in età da lavoro, storia che si rifà all'attualita in Italia, un uomo che perde il lavoro per colpa altrui e che si sente sconfitto dal sistema, ma nelle parole del testo vi è chiara una forte voglia di rivalsa e di ricominciare. E quindi un messaggio comunque positivo.

d: Spesso canti l'universo femminile. Lodi la sua bellezza e sensualità. In alcuni brani sembra esserci nostalgia, passione. Qual è il tuo rapporto, da artista e da uomo, con le donne?

r: Ah! Le donne, un mistero tutto da scoprire, e non sono bastati secoli, sino ad oggi a carpirne i segreti. Le odio e le amo, come ogni uomo di questo mondo, facendoci sentire o grandi o piccini. Il mondo è femmina e noi dipendiamo da esse.

d: Infine, sembra essere molto importante la distribuzione della tua musica sul web. Sei iscritto ad una piattaforma che propone autori non sotto grandi etichette, indipendenti. La tua musica è ascoltabile su app musicali, i tuoi video sono su youtube. Qual è il rapporto che gli artisti ormai hanno con la tecnologia? E con il “mare” di internet, dove tu sembri a tuo agio, da buon marinaio?

r: Bè, se non stai al passo con i tempi...allora sei davvero fuori da ogni contesto. Quindi approfittare dei social e di qualsiasi altro mezzo atto alla divulgazione nel mondo.

d: Per finire: dove potrebbe arrivare la navigazione di Cris, quali mari solcherà e in quali lidi approderà?

r: Me lo richiederai fra qualche tempo? Come diceva il grande Battisti...lo scopriremo solo vivendo...

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VI PRESENTO JACK QUERALT - IO, IL CINEMA E LE DONNE: UN APPETITO INARRESTABILE!

L'attore spagnolo nella capitale per promuovere il suo film italiano diretto da Riccardo Sesani in Canto Finale accanto a Brando Giorgi e Jun Ichikawa.

"Credo nel karma della reincarnazione ... sono un'anima antica con tante vite vissute e molto tempo fa sono stato un gladiatore di Pompei dove ho salvato migliaia di italiani. Ho girato l'Italia, ho visitato il Colosseo, facendo del bene e l'immagine che avevo in quella vita è molto simile a quella che ho adesso… è per questo che l'Italia mi accoglie con le braccia aperte".  Esordisce così Jack Queralt, con questa prefazione alla nostra intervista.....  "Sono un guerriero della luce, cerco la spiritualità e quello che sono dentro di me. Conosci te stesso nella meditazione e nel silenzio. La maggior parte della gente si perde nel buio e non trova la strada per arrivare alla luce”.

1) CHI E' JACK QUERALT? SONO UN CONQUISTATORE DEL MONDO, SONO UN AMANTE DELLA VITA, UN' ANIMA LIBERA E UN UOMO CHE SI LASCIA GUIDARE DALL'IMPULSO DEL CUORE ( PER CIO' CHE SENTO): SONO UNA PERSONA MOLTO UMILE CON GRANDI SOGNI, ILLUSIONI E TANTO AMORE DA DARE. AMO IL CINEMA ED IL CINEMA E' LA MIA VITA. AMO LA BELLEZZA DELLE PERSONE, AMMIRO LE GRANDI PERSONE, QUELLE PERSONE CHE SONO ARTISTI CONSACRATI E MI PIACE IMPARARE DA LORO, ASCOLTARLI E CONDIVIDERE CON LORO SENTIMENTI SIA A LIVELLO ARTISTICO CHE A LIVELLO UMANO. HO LASCIATO L'EGO DA UNA PARTE ANCHE SE QUESTO NON PUO' SPARIRE PERCHE' FA PARTE DI NOI, NON LO NASCONDO MA NEANCHE POSSO POTENZIARLO, PERCHE' ALTRIMENTI MI ROVINO. CI DEVE ESSERE UN EQUILIBRIO!

2) SEI UN NARCISISTA? NO AMO ME STESSO, MA NON IN MANIERA NARCISISTICA. AMO IL MIO INTERIORE E LA CRESCITA CHE NE DERIVA. CURO LA MIA PERSONA PER STARE BENE CON ME STESSO E  PER IL LAVORO CHE FACCIO.

3) COSA SIGNIFICA PER TE ESSERE ATTORE? POTER ESPRIMERE ED ENTRARE NEL PENSIERO UNIVERSALE DI TANTI ESSERE UMANI CHE VIVONO SU QUESTO MONDO ED ESSERE PARTE CON IL TUTTO PERCHE' MENTRE SEI NELLO SCENARIO SEI QUEL PERSONAGGIO E SEI FUORI DI TE.

4) C'E'  UN PERSONAGGIO PARTICOLARE A CUI SEI PIU' AFFEZIONATO?  SI. IL PERSONAGGIO DI UN FILM WESTERN CHE HO FATTO  E CHE STA TRIONFANDO IN AMERICA (SIX BULLETS TO HELL) CHARLIE CRUZ ALIAS BAD BOY DISTRIBUITO PER USA E CANADA. MI PIACE LAVORARE SUI PERSONAGGI THRILLER  E PSICOLOGICI, QUELLI CHE ESPLORANO LA MENTE UMANA. MI PIACEREBBE FARE UN UOMO CON 2 FACCE COME DOTTOR JEKILL E MR HYDE. NEL FILM DI CAPA NEGRA EL BANDOLER, HO INTERPRETATO UN PERSONAGGIO CHE DI GIORNO ERA UN VENDITORE AMBULANTE CONQUISTATORE DI DONNE ( SONO UN AMANTE PERFETTO, SONO LIBERO NON AMO LA MONTONIA, MI CAPITA SPESSO NELLA VITA MA ANCHE NEL CINEMA) E DI NOTTE ERA UN GIUSTIZIERE COME UN BANDOLER ( VESTITO DI NERO COME ZORRO). IN QUESTO FILM SONO  ATTORE  E PRODUTTORE. USCITA NOVEMBRE 2016 SPAGNA.

5) HAI LAVORATO NEL NOSTRO PAESE COME TI SEI TROVATO IN ITALIA ? CHE DIFFERENZE TROVI NEL LAVORO TRA QUI E LA SPAGNA E QUALI ALTRI PROGETTI HAI ? LA PARTE DELLA MIA CARRIERA PIU' IMPORTANTE L' HO AVUTA  IN ITALIA PERCHE'  HO VISSUTO QUI 5 ANNI. QUI MI SENTO A CASA E GLI ITALIANI MI HANNO APERTO LE LORO PORTE. HO IMPARATO TANTO CON GENTE DELLA VECCHIA SCUOLA, HO LAVORATO CON TERENCE HILL.... LAVORARE CON LUI E' STATO UN ONORE PERCHE' DA PICCOLO HO VISTO TUTTI I SUOI FILM INSIEME A BUD SPENCER, CHE OGGI CI HA LASCIATO PURTROPPO..... TROVARMI SUL SET CON LUI MI E' SEMBRATO UN SOGNO.  SONO L'UNICO CHE GLI HO SALVATO LA VITA SUL SET  DI DON MATTEO. E' STATO UN MITO PER ME. QUI IN ITALIA HO TROVATO LA  MIA FORTUNA. SENTO PIU'  CREATIVITA' E SE ANCHE C'E' TANTA  CONCORRENZA GLI ADDETTI AI LAVORI HANNO VISTO IN ME IL TALENTO E LA PROFESSIONE. IN SPAGNA NON MI HANNO CONSIDERATO COME QUI. ORA INVECE DOPO IL LAVORO FATTO NEL VOSTRO PAESE, ANCHE LA MIA PATRIA  HA PIU' RISPETTO DEL MIO LAVORO D'ATTORE. INFATTI HO GIRATO UN CORTOMETRAGGIO CON IL REGISTA  E PRODUTTORE DANI VILLANUEVA CHE HA VINTO LA PALMA D'ORO A CANNES 2016. L'ULTIMO CORTOMETRAGGIO CHE SI PRESENTA QUEST'ESTATA IN SPAGNA E' PRODOTTO DA LUI. (EL IDOLO)

6)CANTO FINALE, UN PROGETTO TUTTO ITALIANO, DOVE SEI PROTAGONISTA, RACCONTACI QUESTA ESPERIENZA.  E' BASATO SULL' ILLUSIONE E SUI SOGNI, L'AMORE PER IL CINEMA E PER UNA  RAGAZZA ( CHIARA INTERPRETATA DA JUNI ICHIKAWA ). NELLA STORIA IL PROTAGONISTA , (CLAUDIO) SI RENDE CONTO CHE LA COSA PIU IMPORTANTE NELLA VITA E' L'AMORE.

7)C'E ‘QUALCOSA DI TE NEL PERSONAGGIO? SI QUESTO SOGNO CHE IL PERSONAGGIO HA DI LAVORARE NEL MONDO DEL CINEMA, E' UGUALE ANCHE PER ME, QUINDI HO DATO PARTE DI ME AL PERSONAGGIO, HO TRASMESSO LA MIA  PASSIONE PER IL  CINEMA. QUESTO PERCORSO CHE LUI FA NEL FILM, IL CONFRONTO CON IL FRATELLO (INTERPRETATO DA BRANDO GIORGI) ED IL SOGNO DI FARE COME REGISTA UN FILM SUL PICCOLO PRINCIPE E L'IDEA DI UN BAMBINO SOGNATORE. ANCHE IO COME IL PERSONAGGIO HO IL MIO MONDO INTERIORE ATTAVERSO IL QUALE VOGLIO CAMBIARE LA REALTA' ESTERNA , PERCHE' QUANDO TU CAMBI IL TUO IO SEI CAPACE DI CAMBIARE QUALSIASI COSA... SE TU RICONOSCI TE STESSO E NE SEI COSCIENTE ED APRI LA TUA COSCIENZA CON IL TUO UNIVERSO E VIVI CON QUESTA TUA IDEOLOGIA..... IL RESTO VIENE DA SE , SE TU NON CI SEI  IL MONDO SE NE FREGA. SE TU VIVI CON LA PARTE DIVINA IL MONDO TI AMA. PERCHE' SEI PARTE DELLA BELLEZZA DI QUESTO MONDO.

8) PARLIAMO DELLA TUIA VITA E DEL TUO  RAPPORTO CON LE DONNE? SONO STATO UN DON GIOVANNI HO AVUTO TANTE DONNE E MILF PERCHE' ( E QUASI SEMPRE DONNE PIU' GRANDI DI ME) SONO STATO UN TOYBOY,  MI USAVANO PER IL SESSO; VOGLIO DIRE CHE HO AVUTO PIU' RAPPORTI PASSIONALE, CARNALI CHE SENTIMENTALI. TANTE VOLTE SI CONFONDE L'AMORE CON LA PASSIONE DEI SENSI. STORIE MAGICHE CHE PERO' ALLA FINE SONO FINITE PERCHE' NON TROVAVO IN LORO, L'AUTENTICITA' DI UN RAPPORTO VERO, (LA DONNA DELLA MIA VITA). ERANO STORIE BASATE SUI SENSI PIU' CHE SUI SENTIMENTI.

9) COSA TI HANNO LASCIATO QUESTE STORIE?  HO CAPITO MOLTE COSE DA QUESTE STORIE, SONO DIVENTATO UN UOMO. HO IMPARATO AD ESSERE UN PADRE ( HO AVUTO UN FIGLIO CHE HA 2 ANNI). HO FATTO TANTA EMPATIA, HO IMPARATO MOLTE COSE SULLA VITA.. CERCO UN' AMORE PIU' COMPLETO, SPIRITUALE, DOVE CI SONO I VALORI, DOVE C'E' LAMORE PURO, COMPLETO E RISPETTO. CREDO IN DIO, CREDO IN GESU' MA NON PER QUELLO CHE DICE LA CHIESA. CREDO CHE CON LA VITA CHE VA AVANTI, OGNUNO DEVE RIEMPIRE IL SUO SPIRITO DI BELLEZZA PER ARRIVARE ALLA LUCE E A GESU'. NOI SIAMO DIO. CERCO LA BELLEZZA SPIRITUALE NELLE PERSONE. LA FEDE CHE OGNUNO PORTA DENTRO DI SE'. LA DIVINITA' E DENTRO DI NOI.

10) NELLA SCALA DEI TUOI VALORI COSA METTI AL PRIMO POSTO? LA COSA PIU IMPORTANTE PER ME E' L'AMORE UNIVERSALE ( amore per il cinema, amore per la vita, per le persone, per gli animali, per tutto quello che ha vita è ed ha speranza: ognuno ha il suo percorso ed il mio è con le persone che hanno amore, bellezza ,spiritualità e umiltà) Imparo molto da mio figlio, lui mi ha fatto capire cose l' amore vero, mi fa vedere che Dio esiste. Mi fa crescere e mi fa essere così piccolo e allo stesso tempo innamorato di lui ogni secondo. Credo che non ho mai conosciuto Amore più grande fino ad ora e soffro perche purtroppo lo vedo poco.



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Barbera anno quinto: un Festival di Venezia senza Buco e che mostra denti e unghie

Una Mostra che ha arraffato tutto l'arraffabile, equilibrano esigenze da vetrina con l'imprevedibilità dell'arte.

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Ghostbusters nei cinema di Roma, Milano e di tutta Italia

Tutti i cinema d'Italia che hanno in programmazione il nuovo film con acchiappafantasmi al femminile.

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La Notte del Giudizio Election Year nei cinema di Roma, Milano e di tutta Italia

Tutti i cinema d'Italia che hanno in programmazione il terzo capitolo della saga di La Notte del Giudizio.

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Lolo - Giù le mani da mia madre: in anteprima il poster italiano della commedia con Julie Delpy e Dany Boon

Il film diretto dalla stessa Julie Delpy arriva nei cinema italiani il 1 settembre prossimo.

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Festival di Venezia 2016: Il programma ufficiale della 73esima Mostra del Cinema - In aggiornamento

Ecco tutti i film del concorso e dell'altre sezioni ufficiali che saranno presentati al Lido dal 31 agosto al 10n settembre.

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Uscite al cinema, 28 luglio 2016

Tre nuove pellicole vi attendono in sala da giovedì 28 luglio 2016: il reboot in rosa del cult Ghostbusters, diretto da Paul Feig; il terzo capitolo della saga thriller/horror de La notte del giudizio; il rocambolesco e spassoso ritorno di Jackie Chan nei panni di un detective spericolato!

GHOSTBUSTERS
Regia: Paul Feig; Genere: Fantascienza, azione, commedia; Cast principale: Melissa McCarthy, Kristen Wiig,Leslie Jones, Kate McKinnon, Chris Hemsworth, Cecily Strong, Charles Dance,Michael Kenneth Williams, Andy Garcia, Matt Walsh; Data di uscita: 28 luglio.

Breve sinossi: Nuovo cast, nuovi avversari e tanti rimandi per il reboot “in rosa” del cult diretto da Ivan Reitman nel 1984. Le scrittrici Abby ed Erin pubblicano un saggio sulla teoria in merito alla reale esistenza dei fantasmi: così inizia, per le amiche, una nuova vita da Acchiappafantasmi!

LA NOTTE DEL GIUDIZIO – ELECTION YEAR
Regia: James DeMonaco; Genere: Thriller, horror; Cast principale: Frank Grillo, Elizabeth Mitchell,Mykelti Williamson, Joseph Julian Soria, Betty Gabriel, Terry Serpico, Edwin Hodge, Kyle Secor, Liza Colón-Zayas, Ethan Phillips, Adam Cantor, Christopher James Baker, Jared Kemp; Data di uscita: 28 luglio.

Breve sinossi: Terzo capitolo del seguitissimo franchise thriller/horror: stavolta, durante “la notte dello Sfogo”, la senatrice Charlie Rohan, contestatissima e in carica per le prossime elezioni presidenziali, dovrà portare a casa la pelle, braccata da un'irrefrenabile orda di criminali senza scrupoli.

SKIPTRACE – MISSIONE HONG KONG
Regia: Renny Harlin; Genere: Azione, commedia; Cast principale: Jackie Chan, Johnny Knoxville,Bingbing Fan, Eric Tsang, Michael Wong; Data di uscita: 28 luglio.

Breve sinossi: Un detective di Hong Kong è determinato a consegnare alla giustizia un temibile boss mafioso. Ma quando sua figlia si mette nei guai con l'uomo sbagliato, per il detective Chan sarà l'inizio di una collaborazione inattesa, sulla scia di una serie di rocambolesche e strampalate avventure!



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Nuovi Film al Cinema dal 28 luglio 2016

Ghostbusters, La notte del giudizio Election Year, Skiptrace Missione Hong Kong.

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'Mommy' in Piazza Maggiore

Giovedì 28 luglio 'sotto le stelle del cinema' di Piazza Maggiore l'intenso e pluripremiato film di Xavier Dolan, Mommy.



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Mackenzie Foy protagonista de Lo schiaccianoci in live action della Disney

La giovane attrice di Interstellar scelta per il film diretto da Lasse Hallstrom.

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Fiuggi Film Festival: presentata la rivista "Credits - storie dai titoli di coda"

Al Fiuggi Film Festival è stato presentato il numero 0 della rivista Credits - storie dai titoli di coda, semestrale cartaceo diretto da Angelo Astrei ed edito da Associazione Culturale Effe3.
Questo nuovo progetto editoriale è interamente dedicato a tutti quei professionisti che lavorano all'ombra del regista e dei divi del cinema, a tutte quelle personalità i cui nomi passano velocemente nei titoli di coda e (quasi) mai rimangono impressi nella memoria degli spettatori. Figure fondamentali, quindi, la cui importanza però rimane sempre in secondo piano, se non addirittura invisibile.
"Con Credits vogliamo portar fuori qualcosa che non si vede" - ha dichiarato il direttore Angelo Astrei al numeroso pubblico di Piazza Trento e Trieste, cuore del Fiuggi Film Festival. "Era giusto giusto che venisse puntata una luce su queste figure. Noi l'abbiamo fatto e abbiamo scoperto che dietro ogni nome c'è una storia da raccontare".
Si tratta dunque di un magazine "anomalo ed innovativo", come l'ha definito il moderatore dell'incontro Nico Parente, che non vuole far forza solo sui suoi contenuti, ma anche sull'aspetto grafico. L'art director della rivista Alessandro Rossi ha precisato: "Nell'epoca del digitale, una rivista cartacea può sembrare un paradosso. Ma noi abbiamo deciso di utilizzare la carta CoralBook White per le 104 pagine del volume, con interno da 170 grammi e copertina da 300. La sua qualità consente un'esperienza che, oltre ad essere visiva, è tattile e sensoriale, un'esperienza di cui il web ci ha privato. È questo il motivo per cui non abbiamo mai avuto il minimo dubbio sul fatto che il magazine dovesse essere cartaceo".
La veste grafica ha di conseguenza un ruolo fondamentale e il numero 0 della rivista, dedicato alle Maestranze del cinema, si è avvalso del lavoro di quattro fotografi e due illustratori per raccontare al meglio le 13 storie che lo compongono. Storie che spaziano dal mondo del doppiaggio (Domitilla D'Amico) a quella della produzione (Simone Isola e l'assistente di produzione di Franco Cristaldi), passando per il "trucco e parrucco" (Rocchetti) e gli effetti speciali (Cruciano e Gomez), ed arrivando al restauro cinematografico e al design delle locandine.
Il numero 0 di Credits - storie dai titoli di coda è acquistabile (al prezzo di 18 euro) on line, alle prossime presentazioni della rivista in tutta Italia e "in luoghi di vendita indipendenti che rispettino un'elevata coerenza qualitativa", come ha tenuto a sottolineare il direttore Astrei, che poi ha concluso: "È stato possibile affrontare i costi di CREDITS grazie al lavoro intellettuale dei redattori e dei raccontati. Lavoro svolto con passione e che non ha prezzo".



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