This month, we’re bringing two heartrending masterpieces to the United Kingdom in their Criterion editions: Martin Scorsese’s The Age of Innocence, a tale of forbidden romance in Gilded Age Manhattan, and Edward Yang’s Yi Yi, an epic portrait of a family in contemporary Taipei.
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Since its under-the-radar release in 2007, Ronald Bronstein’s directorial debut, Frownland, has been admired by a generation of young filmmakers for its uncompromising vision, which has earned comparisons to the intense dramas of Mike Leigh and John Cassavetes. Shot on 16 mm, Bronstein’s film is a bleak but unforgettable character study about a New York door-to-door salesman, played with compassion and ferocity by Dore Mann. Watch this influential work of DIY cinema now in a new digital transfer on the Criterion Channel on FilmStruck, accompanied by a new, in-depth conversation between Bronstein and one of his New York film contemporaries, Josh Safdie.
Also up this week: a discussion of Wong Kar-wai’s Chungking Express; two otherworldly explorations of love and death by Thai master Apichatpong Weerasethakul and emerging Canadian filmmaker Connor Jessup, one long, one short; one of the greatest films of the silent era; a spotlight on filmmaker Rebecca Miller; and a double feature of brilliant comedies fueled by audacious narrative turns.
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Observations on Film Art No. 17: Narrative Motifs in Chungking Express
Wong Kar-wai’s Chungking Express (1994) captures the whiplash rhythms and tenuous connections of urban life in a bifurcated story that follows two heartsick Hong Kong cops (Takeshi Kaneshiro and Tony Leung) who cross paths at the Midnight Express take-out restaurant stand, where the ethereal pixie waitress Faye (Faye Wong) works. In this month’s episode of Observations on Film Art, a Channel-exclusive series that takes a look at how great filmmakers use cinematic devices and techniques, scholar David Bordwell isolates the recurring motifs that wind throughout the film and shows how Wong uses them to unite the story’s seemingly unrelated halves.
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Tuesday’s Short + Feature: Lira’s Forest and Tropical Malady
Animal spirits enact rituals of love and death in this pair of sylvan fables by the director and the subject of this month’s new Meet the Filmmakers episode, Connor Jessup and Apichatpong Weerasethakul. Jessup’s short Lira’s Forest (2017) follows an ailing woman who receives a visit from a mysterious spirit and undergoes an otherworldly transformation. Apichatpong’s Tropical Malady (2004) chronicles the tender romance that blossoms between two young men in the Thai countryside, then plunges into the jungle where their love story is reconfigured as the tale of a hunter’s search for a legendary tiger. For more on these two filmmakers, check out our recent interview with Jessup on the Current.
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The Passion of Joan of Arc: Edition #62
Spiritual rapture and institutional hypocrisy come to stark, vivid life in one of the most transcendent masterpieces of the silent era. Chronicling the trial of Joan of Arc in the hours leading up to her execution, Danish master Carl Theodor Dreyer depicts her torment with startling immediacy, employing an array of techniques—expressionistic lighting, interconnected sets, painfully intimate close-ups-to immerse viewers in her subjective experience. Anchoring Dreyer’s audacious formal experimentation is a legendary performance by Renée Falconetti, whose haunted face channels both the agony and the ecstasy of martyrdom. SUPPLEMENTAL FEATURES: three scores: Richard Einhorn’s Voices of Light, one by Goldfrapp’s Will Gregory and Portishead’s Adrian Utley, and one by composer and pianist Mie Yanashita; an audio commentary from 1999 by film scholar Casper Tybjerg; an interview from 1995 with actor Renée Falconetti’s daughter and biographer, Hélène Falconetti; and more.
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Adventures in Moviegoing with Rebecca Miller
Filmmaker, visual artist, actor, and novelist Rebecca Miller sat down with us to share a personal history of moviegoing that stretches back to childhood. Miller’s parents, playwright Arthur Miller and photographer Inge Morath, initiated her into art-house cinema at an early age, fostering the eclectic taste that would go on to inform her creative life. Miller is fascinated with movies that stay anchored in emotional realism while violating the codes of naturalism. Here she explains how her work in various art forms has influenced her filmmaking, and selects a series of favorites that speak to her abiding interest in evoking psychic states on-screen, including John Cassavetes’s Opening Night, Agnès Varda’s Vagabond, and Jane Campion’s Sweetie.
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By Rebecca Miller
In conjunction with our latest Adventures in Moviegoing episode, we’re presenting two films by director Rebecca Miller, who transitioned from visual art to filmmaking with her 1995 directorial debut, Angela, a haunting tale of a young girl who retreats into her fantasies to cope with her emotionally volatile mother. Miller’s vivid evocations of complex psychological states are a hallmark of her subsequent features, including the 2005 drama The Ballad of Jack and Rose, a devastating look at the twilight of the 1960s counterculture in which Daniel Day-Lewis plays a Scottish farmer whose discovery of new love throws his intensely close relationship with his teenage daughter into chaos.
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Friday Night Double Feature: The Phantom of Liberty and Tampopo
When Juzo Itami set out to make a movie about human appetite and culinary culture, he couldn't figure out how to string together the episodes he had imagined, until he remembered The Phantom of Liberty, which struck him as “the kind of film where the last thing of the scene before leads to the next event—that kind of quick-change thing.” Luis Buñuel’s penultimate film is an audacious satire of bourgeois norms, from the hypocrisy of conventional morality to the arbitrariness of social arrangements, as told through a series of non sequiturs. Inspired by Buñuel’s “quick-change” structure, Itami interspersed the story of Tampopo’s eponymous heroine with the erotic exploits of a gastronome gangster and a string of standalone skits, spicing the broth of his “ramen western” with comic flavor.
New York. “Today’s manliest movie stars—mostly buffed-up superheroes like your Chrises Hemsworth, Pratt, and Evans—are scientifically enlarged and formed by state-of-the-art training and diet regimens,” writes Vern in the Village Voice. “Guys like Steve McQueen, Lee Marvin, Charles Bronson, and Jim Brown arrived in Hollywood already hardened and callused. Marvin and Bronson both earned Purple Hearts in World War II. McQueen had been a Marine, a carnival barker, and a lumberjack. Brown’s physique was forged in the gauntlet of professional and college football. These guys don’t look sculpted—they look chiseled out of a boulder. . . . Their ‘era of onscreen machismo’ (1960–1975), as a release terms it, is the topic of the Quad’s exciting series Action Figures: Prime Cuts From McQueen, Marvin, Bronson, and Brown, featuring fifteen crime, western, and war films, all but a few of them screening on 35 mm.” Today through April 12.
“There's something preternaturally destructive about Lee Marvin, something dangerous,” writes Greg Cwik in the Notebook. “For all the pain he inflicted on screen, he seemed to be carrying his own, an ineffable kind, something that seeped into his performances. He could play a cipher, a heavy, a gruff hero, and to these roles he brought a sort of unspoken set of morals. He always had an impetus in which his character believes, a reason to kill and steal. He always had a palpable motivation.” Above: Marvin in Robert Aldrich’s Emperor of the North (1973).
“Even though experts selected Alfred Hitchcock’s 1958 masterpiece as the greatest film of all time in Sight & Sound magazine’s decennial poll, there is considerable controversy over the best way to see it,” writes Ben Kenigsberg in the New York Times. “If you really want to see Vertigo as original audiences saw it, you have to catch it in I.B. Technicolor, an obsolete 35-millimeter process in which colors were applied directly to film prints using dyes, yielding rich images that have barely faded over time. The Metrograph offers purists a chance to see Vertigo in this format starting on Sunday.”
The Tribeca Film Festival’s added a few events to the lineup of its seventeenth edition running from April 18 through 29:
With Blue My Mind (2017), screening tomorrow at the IFC Center as part of the What The Fest!? genre festival running through Sunday, Lisa Brühlmann “constructs a violent, yet beautiful vision of teengirl-dom that is surprisingly gory, and still emotionally resonant,” writes Dana Reinoos at Screen Slate.
Yesterday’s “goings on” roundup opened with reviews of Personal Problems, “a ‘meta-soap opera’ from 1980 by writer Ishmael Reed, producer Steve Cannon, and director Bill Gunn that is only now getting its first theatrical release—in a brand-new restoration at Metrograph,” as Michael Blair describes it for BOMB.
Bedatri D. Choudhury for the Notebook: “Personal Problems was made on a tiny budget with an all African American crew—an assortment of people who were never black enough or light enough or easy enough for mainstream Hollywood. . . . Of course, Personal Problems is a narrative on the 1980s New York City and its African American life, but it also documents the systemic exclusion of colored bodies from mainstream American cultural products.”
For Jon Dieringer at Screen Slate, “within its long list of interpersonal concerns, Personal Problems is notable for its mellow pace, with each roughly ninety-minute segment containing only a dozen or so scenes. Whether they play with stage-like dramatic precision or a vibrant improvisation, the effect is always incisively truthful and alive. It's a necessary work, and one of the major repertory revivals of this or any other year.”
Ongoing: New Directors/New Films 2018.
Los Angeles. Dilcia Barrera, Associate Curator for Film Programs at LACMA, talks with Landon Zakheim, festival co-director of the Overlook Film Festival, about the selection of four classic horror movies screening on each Tuesday in April at the museum. Zakheim notes that his team “decided to take a bit of a chronological tour through some of the anniversaries of rarely screened haunted classics”:
New Orleans. “As Overlook has evolved, our focus has turned to new independent voices presenting fresh work, but we always love being able to share old favorites,” Zakheim tells Barrera. The Times-Picayune’s Mike Scott has the lineup for the second edition: “In all, forty films—twenty-three features and seventeen shorts—will screen as part of Overlook 2018, which is scheduled to run from April 19 to 22. The festival, headquartered at the Bourbon Orleans Hotel in the French Quarter—and which organizers describe as a ‘horror summer camp’—will also include parties, interactive events, virtual reality and live performances.”
Chicago. Wang Bing may be at the Courtisane Festival in Ghent right now, but his 2016 documentary Bitter Money sees a week-long run starting today at Facets Cinémathèque. “Wang considers the textile industry in the eastern city of Huzhou, where (according to a final title card) more than 300,000 laborers live,” writes the Reader’s Ben Sachs. “Despite its air of desperation, Bitter Money is never less than engrossing. Wang keeps you on your toes by shifting focus from one subject to another when you least expect it, and the cumulative effect of the various portraits is an eye-opening.”
Meantime, for Newcity, Ray Pride picks out five highlights from the April calendar.
Houston. In the New York Times, Michael Hoinski notes that “before he wrote The Looming Tower: Al-Qaeda and the Road to 9/11, winner of the 2007 Pulitzer Prize for nonfiction, and before he wrote Going Clear: Scientology, Hollywood, & the Prison of Belief, a 2013 National Book Award finalist, [Lawrence] Wright was working on Cleo, a play about the sordid love affair between Elizabeth Taylor and Richard Burton during the filming of the 1963 epic Cleopatra. . . . On April 6, Cleo will finally debut onstage, when the Alley Theater, in Houston, hosts the theatrical world premiere. The production, directed by Bob Balaban, the theater and screen actor, shall sate one of Mr. Wright’s earliest desires.”
Toronto. Radical Empathy: The Films of Agnès Varda, the retrospective running at TIFF Cinematheque through April 17, features a sidebar of four films by her husband Jacques Demy. “Demy’s marriage to Varda formed not only an unequaled partnership in the history of cinema—other filmmakers have coupled, but none has produced anything like their combined body of work—but also a felicitous balancing of nouvelle vague and Left Bank Group sensibilities,” writes James Quandt. “Varda was more associated with the latter, which included Alain Resnais, Chris Marker, and Georges Franju, while Demy was frequently bracketed with the former, sometimes uncomfortably—especially when his films, beloved and championed by Godard, exhibited a gay sensibility.”
Cannes. “Martin Scorsese will receive the Carrosse d’Or (also known as the Golden Coach), handed out by the French Directors’ Association (SRF), at the opening ceremony of the fiftieth Directors’ Fortnight,” reports Fabien Lemercier for Cineuropa. This year’s edition runs from May 9 through 19.
Lemercier also notes that Cristian Mungiu will “serve as the godfather” of the Institut français’s Fabrique Cinéma, celebrating its tenth anniversary this year at the seventy-first Cannes Film Festival running from May 8 through 19.
Brussels. Cinea has announced that this year’s Summer Film School, happening from July 8 through 14, will present “rare 35 mm prints from the extensive collection of the Royal Belgian Film Archive” with the selection focusing on Brian De Palma and Éric Rohmer. “In a special evening program, Prof. David Bordwell will present four master classes on four of his favorite film historical topics.”
Cairo. “Egyptian independent producer Mohamed Hefzy has been appointed president of the Cairo Film Festival with a mandate to revamp and relaunch the prominent Arab fest which has been losing luster due to political turbulence, terrorism, and the recent launch of a rival event in a Red Sea resort.” Nick Vivarelli reports for Variety. The fortieth anniversary edition of the festival will run from November 15 through 24.
For news and items of interest throughout the day, every day, follow @CriterionDaily.
When Universal Pictures released King of Jazz into cinemas across the United States in 1930, producer Carl Laemmle Jr. and everyone else involved thought, or at any rate hoped, that they had made a must-see prestige musical about the most popular bandleader of the day: Paul Whiteman, the king of the title. Junior Laemmle, as he was called by everyone in Hollywood, had been given the post of head of production at Universal two years earlier, at age twenty, by his father, Carl Sr., as though this massive job were a pony or a Meccano set. Now, like the inveterate poker player he was, Junior took what he thought was a good hand with King of Jazz—a big name for the marquee, a flashy hook in the form of early Technicolor, a chance to ride the “revue” craze that was sweeping Hollywood—and pushed in all his chips.
And what Universal and Junior and Whiteman and everyone else got was a busted flush. As James Layton and David Pierce write in their soup-to-nuts production history, the final bill for King of Jazz was a staggering two million in 1930 dollars, and while every cent is visible on-screen, the movie stiffed cold. It was a costly mistake for Universal, a studio whose finances always provided its biggest cliff-hangers.
But over the years, King of Jazz has come to be loved as a unique piece of Hollywood recklessness, as a record of stage acts whose memory might otherwise have died with their audience, as the apex of early Technicolor and a time capsule of American popular music. A succession of musical and comic acts staged and strung together with vivid originality by Broadway veteran John Murray Anderson (for his sole screen-directing credit), the film has historical importance for several reasons, one being that it’s the movie debut of a crooner named Bing Crosby. Der Bingle sings “Music Has Charms” (“though it’s classy or jazz”) over the credits and appears in several sequences with the Rhythm Boys, a vocal group that often performed with Whiteman. Crosby might have made an even bigger impression had he not gone on a bender during filming, cracked up his car (on Hollywood Boulevard, no less), and been sentenced to sixty days in jail, having had the poor judgment to crack wise with the judge. A furious Whiteman replaced him with the decidedly less charismatic John Boles for what would have been the singer’s one solo, “The Song of the Dawn.” Still, those ears, that ease of manner, and that glorious voice make the rest of the Rhythm Boys recede into the background.
And Crosby is far from the movie’s only claim to significance. The five-minute opening sequence consists of the first Technicolor cartoon, animated by Woody Woodpecker creator Walter Lantz; it shows Whiteman on a lion hunt in Africa, soothing the beast with a solo supplied by famed jazz violinist Joe Venuti. Another landmark: when Whiteman’s orchestra appears inside a gigantic piano, and chorus girls dance in perfect synchronization for the grand “Rhapsody in Blue,” we are hearing and watching that George Gershwin composition being performed with the same conductor and by nearly the same musicians who played its debut, the main difference being no Gershwin at the piano.
Anderson had made his name with innovative theatrical revues that challenged conventions at every turn, with intricate lighting design and poetic concepts for individual numbers. He was known for a fanatical (and expensive) attention to detail, down to spending long days of rehearsal time teaching his chorus girls the precise way he wanted them to walk. King of Jazz reflects many of Anderson’s most cherished stage ideas, including the “scrapbook” construction, which came from a production called Murray Anderson’s Almanac. (In a bit of foreshadowing that no one heeded, that revue, while highly regarded, had also flopped.) The movie also utilizes Anderson’s longtime collaborator Herman Rosse as production and costume designer. For this project, Rosse created elaborate, soaring sets that contained few props or furniture, the better to focus attention on the performers.
Together, the duo used early color supremely well, although the two-color process takes some getting used to. The Technicolor company usually insisted that all light be white, for fear the colors would shift, but Anderson and Rosse demanded colored lights, a technique they had frequently used in their stage shows, to deepen and intensify the pastel hues characteristic of two-color. The forerunner of the beloved three-strip Technicolor used for much of the classic-film era, two-color renders white actors’ complexions in rosy shades of pink and does a great job with greens and reds. But most yellows are impossible, and true blue is basically out of the question, which is why “Rhapsody in Blue” is rendered in silver and teal. The effect is somewhat abstract but, when restored to its original luster, also very beautiful. As Layton and Pierce point out, Rosse’s costumes for the film use multiple shades of the same color to bring out textures and contrasts. This paid off particularly well for “Rhapsody in Blue,” where he used gray and silver throughout the set to make the various shades of teal and turquoise more suggestive of the title hue.
The final film unspools like an impossibly huge stage production, complete with Irish vaudevillian Charles Irwin acting as emcee, as well as humorous “blackout” skits between the production numbers, which onstage would have permitted scenery and costume changes. Many performers came from the stage and did numbers that they had honed for years. One such example is “My Ragamuffin Romeo,” performed by Marion Stadler and Don Rose: a rag-doll number—a sort of acrobatic dance—that finds Stadler being pushed, pulled, and otherwise contorted into a number of jaw-droppingly flexible positions. Another is “Happy Feet,” a dance performed by the Russell Markert Dancers (who later became Radio City’s Rockettes) and the Sisters G, Berlin cabaret stars who dance energetically and sing in a mix of English and German. Their presence offers a spooky dose of Weimar in this otherwise aggressively American production.
Other showstoppers include “Monterey,” a romantic Mexican number with John Boles and the Markert Dancers, with the object of Boles’s affections played and sung by the stunning Jeanette Loff, who at the time seemed destined for a stardom that never came (her career fizzled, and she died twelve years later); and “A Bench in the Park,” which features the Rhythm Boys as well as the Brox Sisters, a celebrated vocal act of the twenties. “My Bridal Veil” is rather static but may be the best showcase for Rosse’s costume designs, featuring a series of wedding dresses through the years, and climaxing with Loff walking up a staircase wearing a veil made of real Brussels lace—the whole thing a treat for any student of fashion history.
Undeniably, King of Jazz comes with the limitations of its time. The most obvious problem for any modern audience is that it’s disconcerting, at a minimum, to encounter a film with the word jazz in its title with no visible acknowledgment of African American musicians, and the music’s black roots alluded to only in the highly stereotypical cartoon and the introduction to “Rhapsody in Blue,” when the dancer Jacques Cartier does a “voodoo” number in head-to-toe black body paint. Admittedly, the movie was in tune with the prevailing contemporary attitude. George Gershwin may have asserted that jazz “is black and white. It is all colors and all souls unified in the great melting-pot of the world.” But the big “Melting Pot” finale (a version of which Anderson had done onstage before) winds up being a tour of Europe, as Germans in lederhosen, Scots in kilts, Volga boatmen, and various other European nationalities in matching parade costumes come on-screen in succession. Each group performs an ethnic number of some sort, after which the designated ethnicity descends into a literal, gigantic, gold-painted pot. Certainly this is rare cinematic spectacle; it was filmed on one of the largest indoor sets ever constructed, and Layton and Pierce estimate that each nationality winds up with about 125 dancers onstage, plus the entire Whiteman orchestra on a revolving platform. Nevertheless, it’s hard to get over a melting pot whose sole ingredient is vanilla. And there’s the uneasy matter of the Cartier performance, a version of which he’d presented in two different Broadway shows. His dancing is remarkable—he had even drawn a good review from Harlem Renaissance poet Countee Cullen—but Cartier’s role as the painted representative of jazz’s African origins reminds modern audiences of the way black performers were sidelined to accommodate the era’s stereotypes.
Meanwhile, though Whiteman frequented Harlem clubs and counted Duke Ellington, Fletcher Henderson, and Eubie Blake as friends, music scholars still debate whether what the man known as King of Jazz played was actually jazz. He limited improvisation and arranged his numbers in the style he preferred. “I could never understand why jazz had to be a haphazard thing,” he said. When the movie was made, Whiteman’s style of what he called “symphonic jazz” was at its height: he offered syncopated dance music, popular songs given the orchestral treatment, and orchestral music lightly jazzed up. Whiteman is a classic example of the mainstreaming of something that began as edgy, bohemian, and black. When his orchestra played Paris in 1926, one American journalist wrote earnestly, “It is to be hoped that all French and other misguided jazz-players will go to hear Mr. Whiteman, and learn that jazz is not a riot of noise but something much more insinuating and subtle.” In later years, that kind of praise would sound damning. Whiteman, however, filled his band with talented jazz musicians and paid them high salaries. The cornetist for a time was the great Bix Beiderbecke, but alas, he had departed before the movie was made.
But it was that very mainstream palatability that Universal was banking on when it signed Whiteman to a contract in 1928 and put its prolific comedy director Wesley Ruggles
in charge of draping a movie around the portly star. Whiteman disliked the first script, a considerably fictionalized biopic, complete with a romance. His primary objection: he didn’t want to act. During the ensuing arguments, Ruggles jumped ship for RKO, where, Layton and Pierce write, his own musical film Street Girl “was shot, cut, and released before any cameras would roll on King of Jazz.”
Next in the director’s chair was Paul Fejos, the “Magyar Genius,” who’d helmed the poetic Lonesome (1928), a triumph of location shooting, and had just shot the dazzling Broadway for Junior. Unfortunately, Fejos also didn’t have much affinity for the Whiteman project, although at least he agreed a love story wasn’t the way to go. “But what on earth will you do with him?” Fejos asked about Whiteman. “He’s a man inordinately fat.” Time ticked on and costs mounted, even after Fejos departed and Anderson was brought on to create a revue, Universal having given up on making an actor out of Whiteman.
In the end, those production delays cost the movie more dearly than anyone could have foreseen. By the time King of Jazz made its bow, Hollywood had indulged its eternal tendency to run a trend into the ground, and revues were such a drug on the market that some other musicals were being advertised with taglines like “Positively not a revue!” There was also the little matter of what happened on Wall Street on October 29, 1929. The worst of the Great Depression was in the future, but the effects of the crash were already being felt.
The critics were mostly dismissive, although the frequently dunderheaded Mordaunt Hall of the New York Times liked it, and Herman Rosse wound up winning an Oscar for his work. But the wide audience the big budget anticipated simply wasn’t there. Universal didn’t release another musical until the exotically titled Moonlight and Pretzels in 1933.
The revue format did allow Universal to recut the film for foreign markets, splicing in the likes of Bela Lugosi, Swedish and Hollywood star Nils Asther, and Japanese character actor Tetsu Komai to introduce the numbers for various countries. The movie was surprisingly successful abroad, helping to salve some of the financial wounds. In 1933, as Universal’s finances remained precarious, King of Jazz was recut for the American market and rereleased, and while it once again failed to set the box office on fire, this time it did turn a profit.
The experience did nothing to alter Junior’s taste for bold projects, as demonstrated by James Whale’s 1931 Frankenstein, which wasa spectacular success, and the artistic daring of movies like Frank Borzage’s Little Man, What Now? (1934), a scathing critique of fascism produced well before Hollywood became comfortable with anti-Nazi themes. In hindsight, however, the Whiteman project was another instance of Junior’s persistent budget creep. Universal’s deficits grew over time until another out-of-control musical, Whale’s Show Boat, caused a chain reaction that in 1936 resulted in the Laemmles’ losing control of the studio they’d built. Meanwhile, John Murray Anderson went back to the theater, returning to Hollywood occasionally for jobs such as staging the finale of Esther Williams’s first starring feature, Bathing Beauty (1944).
As for King of Jazz, Junior and Anderson’s grand mutual folly: it disappeared. The film never circulated on the 16 mm nontheatrical market. It was never licensed for television. In 1971, Whiteman’s widow, Margaret Livingston, asked Universal about the status of King of Jazz and was told the studio had neither a print nor a printable negative—since the two-color process was obsolete, the fact that the company still had a negative, albeit from the shorter 1933 rerelease, didn’t matter. If you wanted to watch King of Jazz, that was that. You couldn’t. When the British Film Institute held a season of musicals in 1954, all it could show was a four-minute trailer.
But passionate archivists and private collectors persisted in searching for this legendary piece of music and film history. When King of Jazz began to resurface in the sixties, it came back in fragments that were gradually reassembled like a dinosaur skeleton. Each rediscovered scene whetted appetites for more. One nitrate print was used by British late-night film host and collector Philip Jenkinson to make 16 mm copies; that print later turned up in the holdings of Raymond Rohauer, the controversial collector known for acquiring the libraries of artists such as Buster Keaton. Meanwhile, a shortened, cobbled-together VHS release in the eighties widened the film’s fan base but failed to do its beauty justice.
A movement to name King of Jazz to the National Film Registry, spearheaded by writer and film historian David Stenn and Ron Hutchinson of the Vitaphone Project, resulted in the film’s addition to the list in 2013. That in turn helped justify the expense of a restoration by NBCUniversal, which involved evaluating some sixteen different picture elements (four of which were used) from about ten different sources. I saw the film in 2016 at the Museum of Modern Art in New York with a capacity crowd that applauded every number as though they were back on Broadway in 1930. Many films have cults; few films have been saved from oblivion by those cults. It’s safe to say that King of Jazz is at last finally receiving the rapturous reception it was denied for more than eighty years.
Farran Smith Nehme has written about film and film history for the New York Post, Barron’s, the Wall Street Journal, Film Comment, the Village Voice, and Sight & Sound. She writes about classic film at her blog, Self-Styled Siren. Her novel, Missing Reels, was published in 2014.
"Voglio ricordarmela cosí com'era. Voglio ricrodare ogni cosa cosí com'era."
Rimettere mano dopo quindici anni dalla sua apparente conclusione a un oggetto di culto assoluto come lo è X-Files è molto più pericoloso di quanto se ne possa immaginare. Anche se l'artefice di tale revival è lo stesso ideatore Chris Carter che ha saputo riportare sul piccolo schermo l'intero cast, assicurando un certo livello di qualità artistica allo show e scuotendo nuovamente la passione sopita, ma mai esaurita di tutti i fan della serie. Ora che il revival conta due nuove stagioni, dopo l'entusiasmo e l'incoraggiamento scaturito dalla visione della decima stagione, è necessario indagare con accuratezza sui pregi e i difetti di questa undicesima.
Quel che maggiormente aveva sorpreso in maniera positiva era il profilo a volte esplicitamente canzonatorio che Chris Carter aveva tenuto nel corso della decima stagione, nella quale aveva sapientemente ricollocato gli agenti Mulder e Scully (esiste in televisione una coppia di protagonisti più famosi dei due interpretati da David Duchovny e Gillian Anderson?) al centro della sezione X-Files, mai del tutto chiusa, e di una trama orizzontale incentrata sulla sorte di loro figlio William (Miles Robbins), dato in adozione da Scully per salvaguardarlo dagli indecifrabili piani del governo; un personaggio, quello di William, che diventa di colpo il cuore pulsante della storyline, ragazzo ribelle e incompreso, in perenne conflitto con un mondo che non gli appartiene e dal quale desidera allontanarsi prima che accada il peggio. Il giovane è dotato di incredibili poteri, è un esperimento di laboratorio partorito dalla cinica mente di C.G.B. Spender, in arte ‘l'uomo che fuma' (William B. Davis), che vuole condannare l'umanità a un atroce destino, verso una nuova colonizzazione di matrice aliena.
Carter rinnova e tenta di rafforzare il rapporto genitoriale tra Mulder, Scully e William, strutturato prima mediante una forsennata ricerca del figlio perduto e suggellato da una definizione dolorosa e, al netto di quanto proposto, forse inutile, sicuramente grossolana: una sceneggiatura fin troppo logica e prevedibile, capace di attrarre l'interesse dello spettatore solo nei minuti finali di stagione, non valorizza quanto di buono costruito nelle ultime due stagioni (va inclusa anche la nona, l'ultima prima che venisse proposto il revival, considerato che il leggendario ‘gran finale aperto' chiosava sui tre in attesa di comprendere cosa avesse in riservo per loro il futuro), in cui si auspicava una risoluzione ben assimilata al tessuto poetico e introspettivo di cui la serie tutta s'è da sempre vestita. Perché è questo ciò che maggiormente viene meno con questa undicesima stagione, ovvero quel velato e fascinoso lirismo, quell'attitudine ad appigliarsi alla meraviglia, al piacere e al rischio della scoperta, anche sfruttando elementi di genere abbastanza abusati (il progetto del super-soldato). Stavolta Carter si accontenta di poco, del minimo, e la narrazione scivola via senza attecchire, senza sorprendere, sicuramente priva di quella vibrante verve: William non ci pensa su due volte a far esplodere (letteralmente!) i suoi inseguitori, Mulder e Scully si concedono il lusso di non dannarsi l'anima per la perdita del loro amato figlio (ma nessuna paura, perché Dana è di nuovo incinta e questa volta il padre è davvero Fox), mentre la risoluzione finale tra Mulder e l'acerrima nemesi, ‘l'uomo che fuma', spazza via ogni tentativo di costruire un climax degno dell'evento come una leggera e improvvisa folata di vento.
Questa undicesima stagione di X-Files non ha peso, non intriga, non strazia l'anima come dovrebbe. Ci riesce solo nei classici episodi autoconclusivi (che, per fortuna, rappresentano la maggioranza, ma in questo modo si rischia di ridurre la serie a prodotto per i soli fan insaziabili di amarcord), nei quali la penna di Chris Carter riesce sempre a sprigionare quella agognata magia. Ma non basta. Così come non basta l'ennesimo finale aperto, perché un personaggio come il William qui visto a X-Files non serve affatto; perché pare che sia stato confermato l'addio dalla serie di Gillian Anderson e un X-Files senza l'agente Scully perderebbe la propria essenza logica e concettuale; perché il sentimento è vivo e pulsa, ma uno show di tale caratura presuppone sempre una scrittura all'altezza. Così si rischia di rovinare tutto, così si rischia di uccidere personaggi ancora oggi amati. E' questa la triste Verità. Speriamo almeno che l'agente Scully torni sulla sua decisione e ci ripensi…
(The X-Files); genere: fantascienza, thriller, mistery; sceneggiatura: Chris Carter; stagioni: 11 (in forse); episodi undicesima stagione: 10; interpreti: David Duchovny, Gillian Anderson, Mitch Pileggi, Joel McHale, William B. Davis, Miles Robbins; musica: Mark Snow; produzione: Ten Thirteen Productions, 20th Century Fox Television, 20th Century Fox Television; network: FOX (U.S.A., 3 gennaio-21 marzo 2018), FOX (Italia, 29 gennaio-2 aprile 2018); origine: U.S.A., 2018; durata: 60' per episodio; episodio cult undicesima stagione: 11x10 – My struggle IV (11x10 - Il figlio perduto)
La Passione rappresenta l'espressione più alta della fede che si realizza attraverso il sacrificio del figlio di Dio per gli uomini. Si può essere credenti o meno ma nessuno può negare una grandissima forza narrativa agli eventi che duemila anni fa si svolsero a Gerusalemme legati al martirio di Cristo. Momenti che hanno ispirato ed influenzato per secoli migliaia di artisti: forse perchè il destino di un Dio che si spoglia del suo carisma per umiliarsi tra gli uomini è quanto di più vicino all'ambizione di ogni artista che aspira alla creazione -quasi divina- attraverso una sua opera d'arte.
Anche il Cinema non ha potuto non confrontarsi con il mito della Passione, e qui di seguito troviamo alcuni spunti cinematografici che segnalano come la settima arte abbia arricchito anche l'immaginario- già forte e radicato- della Settimana Santa.
1. MATERA
Il paese lucano, prossima capitale europea della cultura, dove per secoli si incontrarono nei suoi Sassi e nelle sue chiese rupestri i culti di Oriente ed Occidente fu scelta da Pasolini come location ideale per fare da sfondo agli eventi della Passione per il finale del suo Vangelo secondo Matteo. Sempre a Matera girò La Passione di Cristo anche Mel Gibson.
2. MARIA MADDALENA
Nel percorso di Dio che si fa Uomo un ruolo centrale è rappresentato dal personaggio femminile della Maddalena, che veicola da sempre il significato più sottile e profondo della fragilità della tentazione e della vanità. L'opera magistrale a riguardo è L'Ultima tentazione di Cristo di Martin Scorsese. Trenta anni fa quando il film uscì stimolò un grande dibattito. Interessante sull'argomento è da vedere anche Mary di Abel Ferrara. Uscito una dozzina di anni fa ci offre altri spunti di riflessione interessanti.
3. SPIN-OFF
Se nel curioso Il Ladrone diretto da Festa Campanile con Enrico Montesano si racconta la storia del “ladrone buono” crocifisso insieme a Gesù Cristo e redento dalla misericordia divina, nel kolossal Barabba la vicenda trae spunto da chi fu graziato dal popolo di Gerusalemme e preferito al Nostro Signore.
4. RAPPRESENTAZIONI POPOLARI
Anche le processioni e le celebrazioni popolari legate alla liturgia della Settimana Santa hanno offerto motivo di spunto a differenti soggetti cinematografici. Se ne La Passione del compianto Mazzacurati il tema centrale del film ruota proprio intorno al “backstage” di una processione del Venerdì Santo in un paesino dell'entroterra toscano, sempre in Toscana e ambientato sullo sfondo di una Via Crucis troviamo anche l'episodio di Amici Miei Atto Secondo che ironizza sul personaggio del Melandri che scopre la fede in età matura solo perchè innamoratosi di una ragazza baciapile. Completamente diverso è il ruolo semantico delle celebrazioni pasquali che accompagnano il racconto nel recente L'Attesa, così come per il prezioso Acto da Primavera - girato dal maestro Oliveira nei primi anni Sessanta - che ci racconta il rito della Via Crucis secondo la tradizione lusitana.
5. NOIR
Nel film Semana Santa ambientato a Siviglia sullo sfondo delle celebrazioni liturgiche della Passione avvengono una serie di omicidi a colpi di “banderillas” compiuti dal misterioso membro di una Confraternita. Non possiamo non citare anche Il padrino parte III quando la resa dei conti finali della saga dei Corleone avviene al teatro Massimo di Palermo durante una rappresentazione di Cavalleria Rusticana, l'opera lirica verista di Mascagni che si svolge proprio nei giorni di Pasqua.
6. BUNUEL
Il regista aragonese fu sin da bambino affascinato dal rito del Venerdi Santo caratteristico del suo paese di origine, Calanda, quando ancora oggi si suonano per 24 ore centinaia di tamburi nella piazza centrale del borgo. La registrazione audio di parte di questo culto la troviamo montata nella colonna sonora di Nazarin. Se ne L'Illusione viaggia in tranvai troviamo proprio in una sequenza un “pastoral - una sacra rappresentazione messa in scena secondo il canone messicano - non possiamo non chiudere questo articolo senza citare il finale di Viridiana, quando i mendicanti a tavola nel surreale finale del film ricalcano con un geniale “detournament” le pose plastiche del Cenacolo di Leonardo da Vinci.
L'attore francese Philippe Boa, protagonista di “Sogni a Orologeria” nato da un'idea di Vitaliano Loprete con la sceneggiatura e la regia di Francesco Colangelo è stato premiato come miglior attore al Cortoreggio 2018 del Reggio Calabria FilmFest.
Il corto s'interroga su cosa accade nella vita di un personaggio famoso quando si spengono i riflettori attraverso la storia di Boa, che vanta una straordinaria carriera di attore alle spalle che lo ha visto protagonista di fiction e film come “Il mercante di stoffe”, “Un caso di coscienza” e “Il maresciallo Rocca” per diverse stagioni, trasmettendo al pubblico le più intime emozioni di un uomo che lotta per realizzare il proprio sogno, ci riesce, e poi viene tradito dalla sorte che gli toglie tutto.
Un racconto che attraversa, con raffinata delicatezza, tematiche forti come l'amicizia, la solidarietà, l'amore tradito, il dolore per la caduta e il desiderio di morte e l'inizio di una rinascita.
Oltre al protagonista, Philippe Boa, che recita sé stesso, la pellicola, girata interamente a Roma in location originali come il Contesta Rock Hair, marchio italiano dall'anima rock che conta undici saloni dedicati all'hair styling, è interpretata da un cast di giovani attori di assoluto talento come Enrico Oetiker, Alessandro Massini, Georgia Manci, Veronica Bettarelli, Alessandro Coppola, Daniela Ayala, Ivo Ambrosi, Giuseppe Vancheri, la ballerina della Rai, Miriam Della Guardia. Valentina Morgia è l'aiuto regia, straordinaria la fotografia, a cura di Federico Annicchiarico, e suggestive le musiche del cantautore The Niro.
Da domenica 1 aprile 2018 torna su Rai1 l'attesissima terza edizione della fiction “Questo nostro amore 80”,regia di Isabella Leoni, con protagonista Manuela Ventura, ancora una volta nei panni di Teresa Strano. Dodici episodi in sei puntate.
La ricordiamo sin dal debutto della prima serie la signora Strano, moglie-madre siciliana emigrata a Torino negli anni del boom del Belpaese.
E' la signora della porta accanto Teresa che si affaccia al mondo emancipato e più moderno con il pudore e la paura di mostrare persino la propria femminilità, a far breccia nei telespettatori.
Emerge pian piano fino ad assurgere un ruolo di prim'ordine, con sorprendenti risvolti che nel corso del tempo hanno catturato il pubblico che l'ha amata sin da subito.
Magnifica interprete, l'attrice catanese Manuela Ventura è molto legata al personaggio che l'ha resa popolare al grande pubblico: “Teresa è un personaggio scritto bene, a cui viene data una sorprendente possibilità di cambiamento, un ruolo che mi ha permesso di utilizzare sfumature diverse.
In lei ho ritrovato quella riservatezza e quella determinazione, in perfetto equilibrio, che fanno anche parte di me. Anche il rapporto che s'instaura tra Teresa Strano ed Anna Ferraris è motore di tanti cambiamenti, un rapporto che ci permette di parlare di solidarietà femminile, di comprensione e di sostegno tra donne. Direi un bell'argomento.
Poi la grande curiosità e ironia che anima questo personaggio che adoro, una donna che senza troppo timore va incontro alla vita, con la giusta dose di coraggio e semplicità che spero continui ad essere la chiave di relazione con il pubblico.”.
L'attrice non rivela anticipazioni, cosa accadrà in casa Strano negli anni '80 sarà una sorpresa riservata ai telespettatori. Di certo sarà un periodo intenso, in un'altalena di gioie e difficoltà, che interesserà tutti i protagonisti: “Assisteremo a numerosi stravolgimenti, ritrovandoci negli anni '80 faremo un salto temporale di dieci anni rispetto alla serie precedente, con nuovi personaggi, i piccoli che diventano grandi e altri aspetti che si trasformano. Entriamo in un periodo di mutamento degli stili e delle prospettive di vita. Una storia comunque che continuerà a coinvolgerci, a stupirci e a commuoverci.”.
Nel cast tutti gli altri protagonisti Anna Valle, Neri Marcoré, Nicola Rignanese, Dario Aita, Aurora Ruffino, Marzia Ubaldi, affiancati da nuovi personaggi, giovani e promettenti attori.
“Su questo set per la famiglia Strano le novità sono proprio all'interno del nucleo familiare, i gemelli e Cicciuzzo li troveremo già cresciuti e poi l'arrivo di una nuova figlia, la bellissima Rosa”.
E' cambiata la regia, la terza serie è diretta da Isabella Leoni: “E' stata un'emozione e al tempo stesso una scommessa quella di continuare con la terza serie –ammette la Ventura- però 'QUESTO NOSTRO AMORE ' si è rivelata una fiction capace di creare un legame quasi affettivo con i personaggi e le loro avventure tra quanti ne hanno seguito le vicende attraverso il piccolo schermo. Tutti noi del cast eravamo molto legati al progetto costruito durante le serie precedenti grazie all'ottimo lavoro fatto con il regista Luca Ribuoli col quale sono nate le basi, sono cresciute le storie, le relazioni, la scoperta di questi protagonisti.
Ora è un nuovo film, diverso com'è giusto che sia. Sono contenta di essere stata ancora su questo set che mi ha dato tanto, stavolta con la guida di Isabella Leoni. Il suo sguardo è stato fondamentale. Il suo è stato un approccio attento al lavoro svolto prima e proprio per questo ha saputo, con grande sensibilità e intuito, condurci per mano creando una squadra affiatata, affrontando con cura i nuovi snodi, dando il suo personale contributo nel raccontare, attraverso i microcosmi familiari, l'inizio di un nuovo decennio con i relativi mutamenti culturali e sociali.”
Conclude l'attrice: “Sono sicura che questa terza serie piacerà ancora all'affezionato pubblico di Rai 1”.
“Sì, condividiamo il Tao Award che ci è stato attribuito. E' sempre bello ritrovarsi con Anna, è una donna e un'attrice che stimo molto, segno di un'amicizia nata tra Teresa Strano e Anna Ferraris ma che ci accomuna anche oltre il piccolo schermo”.
Associazione Culturale No Profit
Presidente Iolanda La Carrubba, Vicepresidente Emiliano Scorzoni
è lieta di invitarvi all'AperitivoCinePoetico
un evento in collaborazione con Angela Donatelli
presente la RadioWeb Valigia Blu
a cura di Fabio Sebastiani e Emiliano Scorzoni
CLUB 55 via Perugia 14 Pigneto (Rm)
INGRESSO LIBERO
Tessera associativa annuale del CLUB 55 euro 2,00
PROGRAMMA:
Moderano Iolanda La Carruba, Emiliano Scorzoni, Angela Donatelli
Presentazione EscaMontaEditorial Plaquette Poetica “Emozioni e pensieri di versi” di Carlo Bernardi in copertina opera di Mario La Carrubba Plaquette Poetica “Inconcludendo” di Irene Sabetta prefazione a cura di Tiziana Colusso in copertina opera di Alessio Marzilli presenti gli autori
Info sul progetto EscaMontaEditorial: https://escamontage.wordpress.com/2...
Musica Live a cura del Cantutore Amedeo Morrone e presentazione del progetto “PoesiCanzone” https://escamontage.wordpress.com/2...
Ospite in Musica: Alessandro Salvioli
Ospite in poesia: Giorgio Linguaglossa CinemArte incontro con l'Artista e Storico d'Arte Valerio d'Angelo Incontro con il regista e autore Marco Tullio Barboni leggerà uno stralcio dal suo ultimo libro “A spasso con il Mago” Viola editrice vincitore del Premio della giuria Città di Cattolica ed. 2018 Proiezione del cortometraggio “Il grande forse” con Philippe Leroy e Roberto Andreucci
Reading con i poeti: Silvia Bove, Marzia Badaloni, Alessandra Carnovale, Claudio Comandini, Davide Cortese, Roberto Maggi, Luciana Raggi, Monica Martinelli,Maurizio Marzucco e i poeti presenti in sala
Presentazione del progetto Editoriale “AntologiaDoppia Botta e Risposta” da un'idea di Angela Donatelli e Iolanda La Carrubba due poeti si confrontano su un argomento scelto da uno dei due…
Nell'Antologia sono previsti diversi poeti. A voi la scelta dell'argomento e del duo!
Un sentito ringraziamento a tutti coloro che hanno arricchito le diverse attività EscaMontage tra gli altri: Giorgio De Rossi e la sua Galleria d'Arte a Trevignano Romano, la Biblioteca Aldo Fabrizi di Roma, Diego Abatantuono, Vincenzo Salemme, Silvia Scola, Antonio Catania, Stefano Fresi, Alessandro Benvenuti, Fulvio Grimaldi, Mariella Anziano, Nicola Acunzo, Silvano Agosti, Aureliano Amadei, Mario Carbone, Davide Demichelis, Giuseppe Bonito, Marco Tullio Barboni, Mauro Casciari, Giò Di Giorgio, Germain Droogenbroodt, Ugo De Angelis,Eleonora Mazzoni, Agostino Raff, Fabio De Luigi, Lisa Bernardini, Alexian Santino Spinelli, Ginco Portacci, Carlo Dutto, Iole Chessa Olivares, Emanuele Carioti, Massimo Pacetti, Anita Tiziana Napolitano, Gianni “Marok” Maroccolo, Simonetta Bumbi, Fabio D'Alessio, Rita Pacilio, Giovanni Cavaliere, Francesco Del Grosso, Roberto Piperno, Lina Morici, Stefano Grossi, Gaetano Di Vaio, Daniele Ferrari, Mario La Carrubba, Marco Onofrio, Daniele De Angelis, Davide Cortese, Giorgio Ginori, Angela Donatelli, Massimo Lauria, Amedeo Morrone, Dona Amati, Ciro De Caro, Alessandro greyVision, Fabio Traversa, Antonio Natale Rossi, Tiziana Lucattini, Serena Maffìa, Ugo Magnanti, Rosario Romeo, Tomaso Binga, Luigi Sardiello Tiziana Marini, Francesco Spagnoletti, Monica Martinelli, Cinzia Marulli Ramadori, Marco Pagliarin, Valerio Di Gianfelice, Debora La Monaca, Antonella Rizzo, Matteo Mingoli, Alessandro Da Soller, Domenico Sacco, Nicola Macchiarlo, Mauro Morucci, Chiara Mutti, Giuseppe Nibali, Alessandro Salvioli, Mauro Corona, Luigi Corsi, Fernando Della Posta, Patrizia Nizzo, Alcidio, Davide Matera, Flaminia Cruciani, Marcello Matera, Lucia Pompili, Tommaso Putignano, Daniela Quieti, Laura Quinzi, Cosimo Ruggieri, Silvana Baroni, Marzia Spinelli, Angelo Onorato, Patrizia Stefanelli, Fabio Morici, Renato Fiorito, Luca Benassi, Antonella Covatta, Valerio d'Angelo, Simone Di Conza, Irene Sabetta, Luca Masculo Legato, Manuela Faini, Silvia Capo, Alphaville Cineclub
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N.B. il programma può subire variazioni
È in arrivo Bob & Marys, la black comedy firmata dal regista e sceneggiatore Francesco Prisco. Interamente ambientato a Napoli, il film dipinge con tinte grottesche la surreale esperienza vissuta, o meglio subita, da Roberto (Rocco Papaleo) e Marisa (Laura Morante), una coppia sposata da oltre vent'anni.
Si sono conosciuti da giovani, quando conducevano una vita tutta rock & roll, sempre in viaggio all'insegna del divertimento più sfrenato.
Adesso, però, l'avventura è finita. Tutti i loro sogni entusiasmanti e i progetti di uno sfavillante percorso insieme sono stati scacciati dal grigiore di una vita quieta e ordinaria, fatta di amore svigorito e occasioni perse. Tanto che decidono di abbandonare quel poco di caos cittadino che rimaneva nelle loro vite per trasferirsi in periferia, nella tipica villetta dotata di giardino e di un affaccio particolare:
Già, "affaccio esclusivo sul quartier generale della malavita", come nota Roberto. Col senno di poi, però, non ci avrebbe scherzato così alla leggera...
Lui, istruttore di scuola guida, e lei, operatrice volontaria, non possono neanche immaginare la piega che sta per prendere la loro vita… Una notte dei criminali irrompono in casa loro e la riempiono di pacchi dal contenuto misterioso, ma tutto fa pensare a un'operazione illegale. I malviventi sembrano conoscere Roberto e Marisa alla perfezione, anzi, è proprio grazie a un accurato studio delle vittime che si compie la cosiddetta "Accùppatura". Il termine identifica un'attività del mondo criminale napoletano poco conosciuta: consiste nel costringere delle persone qualunque, insospettabili, a custodire in casa merce illecita mentre sono tenute sotto scacco, così che non denuncino l'accaduto. Ma lasciamo che siano direttamente le parole dell'avvocato Aiello a spiegarci meglio in cosa consiste questa pratica criminale.
Paradossalmente, sarà proprio l'adrenalina e la tensione della situazione a far ritrovare a Roberto e Marisa l'energia ribelle e combattiva di quando erano giovani. Ispirato a una storia vera che ha letteralmente folgorato il regista, Bob & Marys uscirà in sala il prossimo 5 aprile. In attesa di poterlo vedere sul grande schermo, vi portiamo sul set con un video backstage esclusivo per sbirciare come ha preso vita il film!
Kim Jee-woon (The Good, the Bad, the Weird) has completed production on Inrang (working title), a remake of the Hiroyuki Okiura’s 1999 animated thriller Jinroh: The Wolf Brigade (image above), reports Korean Film News (via Rubén Collazos at Cine maldito). “Set in the near future, the film takes place in a world where the governments of South and North Korea are on the cusp of reunification, following seven years of preparation. When demonstrations opposing the unification turn more violent, a special police force is formed to combat them.” The cast features Gang Dong-won, Han Hyo-joo and Jung Woo-sung.
Miranda July has lined up Evan Rachel Wood, Gina Rodriguez, Richard Jenkins, and Debra Winger for her untitled heist feature. From the Hollywood Reporter’s Borys Kit and Mia Galuppo: “The script centers on a woman named Old Dolio, whose life is turned upside down when her parents, amateur con artists, invite an outsider to join their biggest heist yet. Wood is Old Dolio, while Jenkins and Winger are the shady parents who are confronted by the mistakes of their poor parenting. Rodriguez is the woman who learns of the family's secrets and is brought into the fold.”
“Jason Schwartzman and Cherry Jones are boarding Amy Poehler’s feature directorial debut Wine Country,” reports reports Deadline’s Anthony D’Alessandro. The story “follows longtime friends who head to Napa for the weekend to celebrate a fiftieth birthday.” Also in the cast are Poehler herself, Tina Fey, Rachel Dratch, Ana Gasteyer, Paula Pell, Maya Rudolph, and Emily Spivey.
Also, Robert Downey Jr. and an army of producers have “announced the entire cast for Universal’s live action-animated hybrid The Voyage of Doctor Dolittle which is due out on April 12, 2019.” Joining Downey, Jr., Ralph Fiennes, Emma Thompson, Tom Holland, and Selena Gomez will be Antonio Banderas, Michael Sheen, Harry Collett, and Jim Broadbent in live action roles. Marion Cotillard, Octavia Spencer, Kumail Nanjiani, Rami Malek, Craig Robinson, John Cena, Carmen Ejogo, and Frances De La Tour “will all provide voiceovers.”
Bill Nighy, Caleb Landry Jones, and Jay Baruchel are joining Andrea Riseborough, Tahar Rahim, and Zoe Kazan in Lone Scherfig’s next movie, reports Andreas Wiseman for Deadline. The currently untitled project formerly known as Secrets from the Russian Tea Room “will chart the story of a group of people going through the worst crises of their lives. An opulent Russian restaurant in New York City will provide much of the movie’s backdrop. Characters include an ER nurse who runs an eclectic therapy group (Riseborough); an ex-con turned restaurant manager (Rahim); a mother looking to avoid her abusive cop husband (Kazan); a young man in desperate need of a job (Landry Jones); a lawyer with high ethics but low self-esteem (Baruchel); and the owner of the restaurant and the grandson of Russian immigrants (Nighy).”
Adam Sandler and Jennifer Aniston are re-teaming for Murder Mystery, a Netflix comedy to be directed by Kyle Newacheck, reports Variety’s Justin Kroll. “The story follows a New York cop (Sandler) and his wife (Aniston), who become prime suspects in the murder of an elderly billionaire while vacationing in Europe.”
The Tracking Board’s Jeff Sneider’s also reported on this story, adding in passing that “Sandler has also been eyed to replace Jonah Hill as the lead in the Safdie brothers’ next film Uncut Gems, but he hasn’t officially signed on at this time.” As Rodrigo Perez notes at the Playlist, Uncut Gems “is a Martin Scorsese-produced Safdies picture that takes place in the corrupt world of New York City’s diamond district, with Hill originally set to play the lead. Uncut Gems was written by the writer/directors along with their regular collaborator Ronald Bronstein who co-wrote the brother’s last picture, the anxiety-inducing crime drama Good Time starring Robert Pattinson. Bronstein has co-written on several of their directorial efforts including Heaven Knows What and Daddy Longlegs.” And his 2007 directorial debut, Frownland, is now streaming on the Criterion Channel on FilmStruck.
Back to Kroll, who reports that Scarlett Johansson is “in final negotiations” to star in Taika Waititi’s Jojo Rabbit, which is “set during World War II and centers on a young German boy who finds out that his mother, to be played by Johansson, is hiding a Jewish girl in their home.”
Craig Zobel (Z for Zachariah) will direct The Hunt, “a spec script written by Lost and The Leftovers co-creator Damon Lindelof and Nick Cuse,” reports Variety’s Dave McNary. No details on the story yet, but “Jason Blum will produce for his Blumhouse Productions alongside Lindelof,” so it may be spooky.
Also, Olivia Munn is joining Justin Theroux and Anthony LaPaglia in Justine Bateman’s feature debut. “Violet follows a rising film executive who lives according to the Voice (Theroux) in her head, until unexpectedly realizing the truth—it’s been lying about everything. LaPaglia portrays her boss, who dilutes her confidence in a way similar to the Voice.”
Kevin Macdonald (The Last King of Scotland) will direct Guantanamo Diary, “which follows the tribulations of forty-five-year-old Mohamedou Ould Slahi, a man who was a suspected terrorist and had been incarcerated at Guantanamo bay for fifteen years without ever being charged with a crime or having the opportunity to defend himself in court.” Anita Busch has more at Deadline.
TheWrap’s Umberto Gonzalez reports that cinematographer and director Reed Morano (Meadowland, The Handmaid’s Tale) is “in talks” to take on Keeper of the Diary, which would be “about Otto Frank’s search for a publisher for the diary his teenage daughter kept while they hid from the Nazis during the German occupation of the Netherlands. Anne Frank died in a concentration camp just weeks before it was liberated; Otto was the only member of his family to survive the Holocaust.”
SERIES
Jay Roach, “who won an Emmy for Game Change, HBO's dramatization of the 2008 presidential election,” will direct an adaptation of Michael Wolff’s bestselling Fire and Fury: Inside the Trump White House. Lesley Goldberg has the story in the Hollywood Reporter.
Tobias Menzies (Game of Thrones) “has closed a deal to play Prince Philip in Season 3 of Netflix’s The Crown,” reports Deadline’s Mike Fleming Jr. “This is the role that Paul Bettany had been in early talks to play before he abdicated for unspecified reasons.”
Liu Cixin’s bestselling, award-winning 2008 novel The Three-Body Problem is “set in China and, in brief, is about aliens readying to invade Earth,” writes Yohana Desta for Vanity Fair, and Amazon aims to turn it into a three-season series. “How much will that cost? A smooth $1 billion. That may be a drop in the bucket compared to Jeff Bezos’s net worth, but it’s also a hefty enough sum to make this potential adaptation one of the most expensive shows of all time—and that’s before production even begins.”
Alex Gibney is developing a documentary series based on Jeff Benedict and Armen Keteyian’s new biography, Tiger Woods, reports Variety’s Justin Kroll.
Frank Miller (Sin City) and screenwriter and producer Tom Wheeler (Puss in Boots) are “writing a book and TV series based on it simultaneously,” reports Deadline’s Nellie Andreeva. “Cursed is a re-imagining of the Arthurian legend, told through the eyes of Nimue, a teenage heroine with a mysterious gift who is destined to become the powerful (and tragic) Lady of the Lake.” Netflix has ordered up ten episodes.
Also, Sissy Spacek is joining Julia Roberts, Bobby Cannavale, and Stephan James in Amazon’s Homecoming, “a psychological thriller that centers on Heidi (Roberts), a caseworker at a secret government facility, and a soldier (James) eager to rejoin civilian life.”
Augustine Frizzell (Never Goin’ Back) will direct the pilot for HBO’s “Kids-meets-Trainspotting” series Euphoria, which “follows the true story of a teenager who was murdered outside a club,” reports Deadline’s Peter White. “It chronicles the lives of the teens from the club a year after the tragedy and the paths they take to cope and escape reality.”
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"Ho deciso di andare perché se fossi rimasto, non avrei più avuto pace." - Donald Crowhurst."
Donald Crowhurst, velista dilettante, decise nel 1968 di partecipare alla Golden Globe Race del Sunday Times, con la speranza di diventare il velista più veloce a circumnavigare il globo in solitaria senza soste.
La storia della pericolosa navigazione solitaria di Crowhurst e delle difficoltà da lui affrontate nel viaggio mentre la sua famiglia attendeva il suo ritorno, rimane uno dei misteri più duraturi della storia recente.
A portare sul grande schermo questa incredibile storia vera è il regista Premio Oscar James Marsh con il film Il Mistero di Donald C., che vede Colin Firth nei panni di Crowhurst e Rachel Weisz in quelli di sua moglie Clare.
In attesa di vedere il film al cinema, dal 5 aprile prossimo, ve ne mostriamo in anteprima un nuovo trailer in italiano:
Che bello è quando la cronaca cinematografica di dà l'occasione di parlare di un attore che ti sta molto a cuore, e che ti sta a cuore non solo perché ti piace e ti è simpatico, ma anche perché è uno che di solito viene vitupetato più di quando meriti, a dispetto di scelte becereamente alimentari che pure lo hanno reso uno dei più pagati al mondo (il quarto, per la precisione) e dei più bankable, ovvero capace di regalare le maggiori garanzie di ritorno agli investimenti della produzione.
L'attore in questione è quello che, pochi giorni fa, Drew Barrymore ha definito più talentuoso di Hugh Grant e Jake Gyllenhall, ovvero Adam Sandler.
Oramai legato a doppio filo a Netflix, proprio per il marchio leader dello streaming mondiale Sandler tornerà a far coppia con l'attrice con cui ha diviso il successo di Mia moglie per finta, Jennifer Aniston.
Il film che li vedrà di nuovo assieme s'intitola Murder Mystery, è scritto da uno specialista di film d'azione come James Vanderbilt e sarà diretto da Kyle Newacheck, uno dei creatori della sitcom Workaholics.
La trama è quella di un poliziotto di New York e sua moglie che, nel corso di un viaggio in Europa, diventano sospettati di un omicidio che non hanno commesso.
Ma non è tutto.
Ad ulteriore testimonianza di come Sandler sia un attore più versatile di quanto si pensi, e che ami esplorare questa sua caratteristica, ecco che lo potremmo ritrovare al posto di Jonah Hill come protagonista del nuovo film dei fratelli Safdie, quelli del Good Time con Robert Pattinson che è stato in concorso a Cannes prima di uscire in Italia.
Prodotto da Martin Scorsese, questo film s'intitola Uncut Gems, ed è ambientato nel distretto dei diamanti di New York, dove si seguono le vicende - con tutta probabilità criminali - di un protagonista di nome Howard Ratner.
In attesa di saperne di più su entrambi i progetti, facciamo comunque il tifo per Adam Sandler.
Una strana coppia, uomo e donna, che indaga partendo da un’intesa rivedibile, fino a trovare un equilibrio necessario alla soluzione positiva dell’inchiesta. Non che sia sempre un mondo migliore, quello che il thriller al cinema ci regala, e nemmeno si ristabilisce sempre lo stesso equilibrio con cui la storia era iniziata. Più di ogni altro genere, il thriller, declinato spesso nel più cupo noir, propone un mondo e dei protagonisti lungo mille sfumature di un’ideale scala etica. Non c’è bianco e nero, chi indaga può non essere troppo diverso da chi commette un delitto. Il thriller esorcizza il lato oscuro nascosto dentro ognuno di noi, non esalta eroi, ma cerca di conoscere meglio uomini difettosi, in cui non è impossibile identificarci, o ritrovare quello che saremmo potuti diventare se solo avessimo scelto male in uno dei tanti bivi che la vita ci sottopone.
I segreti di Wind River è l’ultimo esempio delle potenzialità universali di un genere, tanto più capace di raccontarci e raccontare il mondo, tanto più si concentra su un microcosmo. In questo caso siamo in una riserva indiana del Wyoming, in uno degli angoli rurali d’America, durante un freddo inverno. Il nome del posto, che poi è quello del titolo del film, Wind River, ben rappresenta le condizioni estreme in cui ci troviamo. Esordio alla regia per Taylor Sheridan, eppure ideale conclusione di una sua trilogia sulla moderna frontiera americana, iniziata con due gioielli da lui scritti: Sicario e Hell or High Water.
La giovane recluta dell FBI Elizabeth Olsen e l’esperta guida tracker di un’agenzia federale, Jeremy Renner, sono nipoti ed eredi di tanti come loro, fra idealismo e scetticismo alle prese con un delitto che li ossessiona, con un’ambiente intorno che ne segna vite e umori.
Potremmo iniziare questo viaggio con la più celebrata novellina investigatrice, Clarice Starling, scelta per raccogliere aiuto su un indagine per identificare un serial killer direttamente da Hannibal Lecter, ex psichiatra e criminologo rinchiuso da molti anni in un manicomio criminale. Indagatore, questa volta della mente criminale, a diventare a sua volta sostenitore attivo del Male. Parliamo naturalmente de Il silenzio degli innocenti, in cui Jodie Foster, con i suoi tailleur impeccabili e un terrore che diventa conoscenza e addirittura rispetto reciproco, nel padre di tutti i thriller contemporanei con serial killer. Un film diretto nel 1991 dal compianto Jonathan Demme, tratto dal romanzo del 1988 di Thomas Harris. Per l’American Film Institute è uno dei cento migliori film di tutti i tempi.
Arrivando nel pieno degli anni ’90, il cinema ha adattato l’immaginario di uno dei grandi autori di thriller degli ultimi decenni, Jeffrey Deaver, i cui romanzi contengono spesso raccapriccianti dettagli, rituali brutali e una messa in scena da parte del (serial) killer che prevede volentieri arti mozzati, ritrovamenti solo parziali di cadaveri. Il collezionista d’ossa è il film, che presenta agli spettatori uno dei personaggi più amati dai lettori, il criminologo tetraplegico Lincoln Rhyme, vittima di un incidente molto grave accaduto durante l’esame di una scena del delitto. Siamo a New York nel 1999, e c’è una giovane e brillante agente, Angelina Jolie, che colpisce Rhyme e lo porta a sceglierla come suoi occhi e braccia per aiutarlo a fermare una serie di omicidi. Denzel Washington è il carismatico protagonista, mai più tornato al cinema, secondo alcuni per una fine poco efficace, e molto diversa rispetto al libro.
Se vogliamo passare a condizioni climatiche diverse, a quella neve così cinematografica e adatta a declinare umori e paure, possiamo restare nella seconda metà degli anni ’90, attraversare l’Oceano e arrivare in Europa, per l’esattezza in Danimarca. Non è un’investigatrice professionista, ma se la cava molto meglio di loro; è una giovane dinamica nata in Groenlandia, ma residente a Copenhagen. Quando muore il suo amico e vicino, un bambino di 6 anni, riesce a mettersi nei panni di quel giovanissimo compagno di giochi: Il senso di Smilla per la neve è legato ancestralmente alle sue radici del grande freddo del Nord. Ancora si tratta di una vicenda racconta prima in un romanzo, di Peter Hoeg, adattato poi dal mestierante scandinavo Bille August. Lo sguardo limpido è quello di una giovane e splendida Julia Ormond.
Restiamo nelle grandi piacere innevate, questa volta di Fargo, Minnesota (1998), per un film diverso dagli altri, per ironia e caratterizzazione di ogni ruolo, anche quelli di contorno, ma che presenta sempre un clima che segna gli eventi e una donna che indaga. Certo, è originale la Marge Gunderson capo della polizia locale al settimo mese di gravidanza, interpretata da Frances McDormand. Altrettanto sopra le righe i criminali da strapazzo coinvolti in un rapimento, messo in scena da un venditore di macchine per rientrare da una situazione finanziaria molto complessa. Rimangono i volti degli interpreti, da Peter Stormare a William H. Macy, passando per Steve Buscemi e John Carroll Lynch.
Quell’amore per la cura di ogni volto che accomuna il nostro excursus nel mondo del thriller a una serie che ha smosso le acque un po’ ristagnanti degli ultimi tempi: True Detective.
Anche qui l’ambientazione è cruciale: nella prima stagione le paludi malsane e pregne di caldo umido della Louisiana, nella seconda, meno riuscita e applaudita, le strade ben più conosciute di Los Angeles e della California. In attesa di una terza parte, che ancora una volta rinnoverà interpreti e storia, dobbiamo dare il merito a Nic Pizzolato, creatore e sceneggiatore, di aver rimesso al centro il fattore umano, i personaggi, le loro imperfezioni e debolezze, lasciando in secondo piano la storia e l’indagine stessa.
Una lezione molto chiara a Sheridan per I segreti di Wind River che, con pochi dialoghi e pochi personaggi, ma tratteggiati con straordinario seppur laconico acume, rende mirabile la storia di una marginalità come tante alla periferia dell’Impero americano. Un’altra storia di una frontiera che continua a dividere gli Stati Uniti fra vincitori e sconfitti, prede e anime perse in fuga.
L’appuntamento è al cinema dal 5 aprile con I segreti di Wind River, insieme a Jeremy Renner ed Elizabeth Olsen.
Se la politica e l'attualità degli Stati Uniti vi interessano, siete sul pezzo in fatto di best seller letterari e avete sentito il desiderio di essere informati su fatti e misfatti dell'amministrazione Trump, allora conoscete senz'altro "Fire and Fury: Inside the Trump House", il libro di Michael Wolff che ha registrato in patria un record di vendite (oltre un milione di copie) , arrivando in cima alla classifica dei titoli più venduti del New York Times.
Visto il successo dell'opera - che è incentrata sui primi tempi della presidenza di Trump e contiene circa 200 interviste, in primis all'ex stratega della Casa Bianca Steve Bannon - era inevitabile che Hollywood bussasse alla porta dell'autore, e adesso sembra proprio che un film ci sarà.
A dirigerlo, stando a The Hollywood Reporter, sarà Jay Roach. Il regista di Ti presento i miei e di Austin Powers: il controspione, non è nuovo ai political drama, avendo diretto Game Change, in cui Ed Harris era John McCaine e Julianne Moore Sarah Palin. E se Candidato a sorpresa percorreva la strada della commedia (pur narrando la rivalità fra un deputato repubblicano e uno democratico), L'ultima parola: la vera storia di Dalton Trumbo fotografava con lucidità e realismo una brutta fase della storia politica degli Stati Uniti. Inoltre, nel curriculum del regista c’è il bipic dedicato a Lyndon B. Johnson All The Way.
Roach ha insomma le carte in tavola per dirigere il film, che non ha ancora una distribuzione ma vedrà sia il regista che Michael Wolff nelle vesti di produttori esecutivi. Va detto che l'adattamento non c’entra nulla con la miniserie tv legata alla HBO e dedicata alla battaglia fra Donald Trump e Hillary Clinton che proprio Roach avrebbe dovuto firmare. Per la stessa HBO Jay aveva diretto Game Change, vincitore di 3 Golden Globe e sorta di sequel di quel Recount che era un resoconto delle elezioni presidenziali del 2000, quando concorrevano per un posto alla Casa Bianca George W. Bush e Al Gore.
Next Monday and Thursday evenings, the British Film Institute will give Londoners a chance to take in Tony Richardson’s A Taste of Honey (1961), showing as part of the monthlong series Woodfall: A Revolution in British Cinema. Toward the end of the 1950s, after cutting his teeth in television and finding success in the theater, Richardson turned his attention to cinema, cofounding Woodfall Films, an outfit whose combustible brand of social realism helped define the British New Wave. A daring portrayal of race, class, and sexuality, A Taste of Honey was Woodfall’s fourth production, and its first to feature a female protagonist, played by then-newcomer Rita Tushingham in a remarkably naturalistic, Cannes award–winning performance. As scholar Colin MacCabe writes in his liner essay for our edition of Honey, the actor “was to become one of the major stars of British cinema in the sixties . . . but the spiky, vulnerable Jo is undoubtedly her most memorable role.” Fans unable to attend next week’s screenings need not worry: the BFI, which in May will release an eight-disc Woodfall box set on both Blu-ray and DVD, will show the film twice more before the month is out.
